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"Una sciocca storia irlandese che non avrebbe fruttato un centesimo."

È così che i produttori di Hollywood liquidano il regista John Ford quando presenta loro l’idea di Un uomo tranquillo. Eppure quel film, fatto di pioggia sottile, cieli bassi e sentimenti taciuti, diventa uno dei più amati dal pubblico. E, non a caso, il suo preferito.
Pochi registi hanno saputo raccontare il sogno americano e i valori della frontiera con la stessa profondità di Ford.
Dovete sapere che, pur non essendo una grande fan del western, Ombre rosse ha un posto speciale nel mio cuore. L’ho amato anche grazie a chi me l’ha fatto conoscere: un professore capace di svelarne le sfumature più nascoste, la complessità dei personaggi, il loro ruolo nella società. Un racconto che mi ha fatto vedere oltre il genere, e mi ha conquistata.
Poi ho visto un altro film dello stesso regista, Ford, che però non è un western: Un uomo tranquillo. E lì è scattato qualcosa di diverso. Non si trattava solo di apprezzare un grande film, ma di sentirlo vibrare dentro. Una storia che sa di ritorno, di terra bagnata, di promesse sussurrate. Un’Irlanda che non è solo un luogo, ma uno stato d’animo.
Questo film non compare quasi mai nelle classifiche ufficiali dei capolavori fordiani. La critica gli preferisce Sentieri selvaggi o la trilogia della cavalleria. Ma il pubblico non ha mai smesso di amarlo.
Ford stesso lo considera il suo film più personale, e anche il più sensuale. Una sensualità fatta di attese, di sguardi che durano troppo a lungo, di emozioni sospese. Tutto si gioca nei non detti, nei gesti misurati.
E poi c’è lei, quella forza della natura di Maureen O’Hara. 

 

Fiera, intensa, magnetica. Una donna che sa reggere lo sguardo di John Wayne, che lo sfida e lo accompagna, senza mai farsi da parte. Come ha detto il figlio di Wayne, Michael, “lei poteva tenergli testa bacio per bacio, pugno per pugno, passo per passo”.
Ancora oggi Un uomo tranquillo continua a essere amato in tutto il mondo. I luoghi dove è stato girato, in Irlanda, sono diventati meta di pellegrinaggi affezionati. E c’è un ponte, in particolare, che ti resta dentro. Fatto di sassi irregolari, curvo come un abbraccio. Ma se lo vedi una volta, lo riconosci tra mille. Sembra uscito da un libro di favole. Ti culla. Ti chiama. Ti fa desiderare di attraversarlo.
Ecco perché oggi voglio portarvi dietro le quinte di questa storia.
Per raccontarvi com’è nata, chi l’ha resa possibile e perché, anche se può sembrare solo una tranquilla storia irlandese, continua a parlarci ancora adesso.
Perché certe storie, anche le più semplici, sono quelle che durano di più.

Il titolo originale è The quiet man ed è un film del 1952 diretto da John Ford con protagonisti John Wayne e Maureen O'Hara.

 

La trama in breve: Sean Thornton, ex pugile americano dal passato doloroso, torna nella natia Irlanda con il desiderio di lasciarsi alle spalle la violenza e iniziare una nuova vita. Si stabilisce a Inisfree, un piccolo villaggio immerso nel verde, dove acquista la casa della sua infanzia e si innamora di Mary Kate Danaher, una donna fiera e passionale. Ma il loro amore incontra l’ostilità del fratello di lei, un uomo autoritario e orgoglioso che si oppone al matrimonio e si rifiuta di concedere la dote.

Alcune scene del film

Foto promozionali

Alla fine della Seconda guerra mondiale, Hollywood è ancora una macchina ben oliata.
Il sistema degli Studios funziona, le sale sono piene, e il cinema è il grande rito collettivo di un’America che ha bisogno di sognare.
I generi più amati sono quelli che promettono certezze: il melodramma, il noir, il musical, il western.
Storie di eroi, passioni forti, finali risolutivi. Tutto torna al suo posto, almeno sullo schermo.
Ma intanto il mondo sta cambiando.
I soldati rientrano a casa, le donne che avevano preso il loro posto nelle fabbriche cercano di capire che ruolo avranno. La voglia di leggerezza convive con quella di capire cosa c’è stato davvero, cosa ha lasciato la guerra, cosa resterà. E anche il cinema, piano piano, comincia a farsi domande nuove.
Si aprono spiragli. Piccoli, incerti. Ma ci sono. È un momento di passaggio, anche se ancora non lo sa nessuno. La macchina dello spettacolo continua a girare, ma l’aria è diversa.
C’è bisogno di racconti più intimi, di storie radicate nei luoghi, nei sentimenti, nei legami. E proprio in questa America che si riorganizza — tra luci abbaglianti e zone d’ombra — una storia diversa comincia a bussare. Non fa rumore. Ma è pronta a farsi sentire. 

Prima ancora che fosse un film, The Quiet Man è stato un racconto. E prima ancora che diventasse un racconto, è stato un luogo.
Un posto preciso, nell’Irlanda del sud-ovest, tra pascoli, vento e tetti di paglia: Ballydonoghue, poco fuori Listowel, nella contea di Kerry. È lì che nel 1879 nasce Maurice Walsh, terzo di dieci figli, cresciuto in una casa di tre stanze con il tetto di paglia, tra libri, cavalli e racconti tramandati a voce.
Suo padre non era un grande contadino, ma sapeva raccontare storie. E questo, forse, è stato il dono più grande che ha lasciato al figlio.

Quel mondo rurale, fatto di gesti antichi, orgoglio, silenzi e riti comunitari, sarebbe diventato il cuore pulsante della scrittura di Walsh.
Nelle sue pagine, l’Irlanda non è mai sfondo: è personaggio. Ha memoria, ha umore, ha radici. E i nomi non sono inventati. Il celebre Paddy Bawn Enright, protagonista di The Quiet Man, era davvero un bracciante che lavorava nella loro fattoria, ed è stato lui a ispirare quel personaggio taciturno, massiccio, che preferisce la pace allo scontro, ma che conosce bene il significato dell’onore.
Dopo aver studiato a Listowel e lavorato per il governo britannico nelle Highlands scozzesi, Maurice Walsh comincia a scrivere. All’inizio racconti sparsi, poi il primo vero romanzo, The Key Above the Door, scritto durante un periodo doloroso, separato dalla sua famiglia nel caos della guerra civile irlandese.
Quel libro, grazie anche a una lettera entusiasta di J.M. Barrie (l’autore di Peter Pan), gli apre le porte del mondo editoriale.
Ma è solo nel 1933, dopo il pensionamento, che la sua carriera cambia direzione.
Walsh invia un racconto breve al Saturday Evening Post, la prestigiosa rivista americana. Il racconto si intitola The Quiet Man. È una storia semplice e asciutta, dove il vero conflitto è interiore, e la battaglia più importante si gioca tra orgoglio, amore e senso dell’onore. Ambientato in un’Irlanda mitica ma autentica, radicata nella memoria popolare, quel racconto colpisce subito chi lo legge.
Tra questi, c’è anche un certo John Ford. Forse non è un caso se proprio questo racconto — tra i tanti letti in una vita — ha saputo risuonare così fortemente nell’anima di questo regista.

Figlio di immigrati irlandesi della contea di Galway e di Inis Mór, cresciuto nel Maine in una famiglia numerosa dove si parlava ancora gaelico, Ford aveva sempre guardato all’Irlanda come a un luogo mitico e irrisolto, mai del tutto perduto, mai davvero raggiunto.
Il suo vero nome era John Martin Feeney, ma Hollywood lo avrebbe conosciuto come John Ford, nome ereditato dal fratello maggiore Francis, che lo introdusse giovanissimo nei set della Universal.
All’inizio fa di tutto: comparsa, trovarobe, controfigura. Poi, in breve tempo, regista. E non uno qualunque. 
Già dalle prime pellicole mute si riconosce in lui una voce personale, capace di raccontare le grandi epopee collettive (la frontiera, la guerra, la ferrovia) con uno sguardo intimo e umano.
I suoi film parlano spesso di famiglia, comunità, tradizioni, eredità, e dietro quell’epica americana si intravede sempre il respiro profondo delle sue radici irlandesi.

Fin dagli anni ’20 Ford aveva cercato più volte di raccontare l’Irlanda al cinema — in modo diverso, affettuoso, quasi nostalgico. Con The Quiet Man, quel desiderio prende forma. Quando legge il racconto di Walsh, Ford se ne innamora subito. Nel 1936 acquista i diritti per dieci dollari. E da quel momento, inizia a inseguirne la trasposizione cinematografica. Ma l’industria non gli semplifica la vita.
Una commedia romantica ambientata in un villaggio irlandese, con pecore, doti e risse al pub, sembra l’opposto di ciò che Hollywood cerca in quegli anni. Ancora meno appetibile è l’idea — testarda — di Ford di girare tutto in esterni, sul posto. Nessuno è disposto a finanziarlo. Il progetto rimane lì, tra le sue carte, come una promessa rimandata.
Nel 1944 coinvolge informalmente quattro attori con cui ha un rapporto speciale: John Wayne, Maureen O’Hara, Barry Fitzgerald e Victor McLaglen.
O’Hara in particolare diventa parte attiva nel processo creativo.
Ogni estate, quando passa del tempo con la famiglia Ford, prende appunti mentre navigano con il regista sulla sua barca. Parlano di dialoghi, scene, intuizioni. Il film è già lì, anche se nessuno ha ancora acceso una macchina da presa.
La prima bozza della sceneggiatura viene affidata a Richard Llewellyn, ma non convince.
Ford allora si rivolge a Frank S. Nugent, ex critico del New York Times e sceneggiatore con cui aveva già collaborato.
Nugent conosce il tono che Ford cerca: intimo, ma con spazio per l’umorismo.
“Abbiamo tracciato la storia con cura,” dirà Ford, “ma lasciando sempre spazio alla possibilità di inserire la comicità, se fosse emersa naturalmente.”
Nugent fa molto più di un semplice adattamento.
Cambia il nome del protagonista da Paddy Bawn Enright a Sean Thornton. Introduce Feeney, il servitore burbero, usando il cognome della famiglia Ford. E soprattutto aggiunge un elemento fondamentale: nel racconto originale, il protagonista non combatte per la dote semplicemente perché non gli interessa.
Nella versione di Nugent, Sean è un ex pugile che ha accidentalmente ucciso un uomo sul ring. Un uomo che ha smesso di combattere per sempre. Questo dettaglio cambia tutto: rende la sua riluttanza più profonda, più tragica. A quel punto, ogni gesto trattenuto acquista un peso nuovo.
Nel 1946 Ford fonda, insieme a Merian C. Cooper, la Argosy Pictures. Il primo progetto dovrebbe essere proprio questo. Scrive all’amico irlandese Michael Killanin per sondare il terreno. Si parla perfino di un coinvolgimento del produttore britannico Alexander Korda. Ma anche questa volta, tutto sfuma.
“Ogni estate ci tenevamo liberi,” ricorda Maureen O’Hara, “e ogni estate non succedeva nulla. A un certo punto andammo da Ford e gli dicemmo:  ‘Se non vi sbrigate, io dovrò interpretare la vedova, e John la parte di Victor McLaglen!’”
Alla fine degli anni ’40, è proprio John Wayne a forzare la mano. Sotto contratto con la Republic Pictures, sfrutta la sua influenza per sostenere il progetto.

Il capo dello studio, Herbert Yates, fiuta l’occasione di avere Ford nel suo catalogo, ma è diffidente.
Pone una condizione: Ford dovrà prima dimostrare il suo valore commerciale con un altro film. Così nasce Rio Grande (1950), girato con lo stesso cast e parte della stessa troupe. Il film funziona, incassa, e a quel punto Yates è costretto a cedere. Con riluttanza, approva The Quiet Man.
Ma continua a non crederci. A primavera del 1951 definisce il progetto “un film d’essai finto” e tenta persino di dissuadere Wayne, dicendogli che quel ruolo lo rovinerà.
Per placarlo, Ford accetta di limare il budget: Wayne e O’Hara lavorano a cifre inferiori al loro standard. Yates insiste anche per cambiare il titolo in The Prizefighter and the Colleen (il pugile e la fanciulla irlandese). Ford non ci pensa nemmeno: “Svela troppo,” dice.  E questa volta, vince lui.

Quando lo si guarda in Un uomo tranquillo, con quella presenza solida ma guardinga, viene difficile pensare che John Wayne sia stato un giorno un ragazzo con un sogno da quarterback.

E invece tutto comincia lì, nei corridoi della University of Southern California, dove Wayne è una promessa del football e si fa notare per fisico, carisma e presenza scenica.
A Hollywood ci arriva quasi per caso: Tom Mix, star dei western muti, gli propone un lavoretto estivo come assistente di scena in cambio di biglietti per le partite. Sul set conosce John Ford. E la sua vita cambia per sempre. Tra i due nasce un legame che va ben oltre la collaborazione professionale: è una vera alleanza creativa, spesso ruvida, a volte aspra, ma cementata da rispetto reciproco.
Wayne recita per anni in pellicole minori, accumulando più di 70 film di serie B, quasi tutti western, prima che Ford decida di “promuoverlo” a protagonista. Con Ombre rosse (1939), Wayne diventa una stella. Da lì in avanti, i due firmeranno insieme 23 film in oltre 30 anni, tra cui la trilogia della cavalleria (Fort Apache, I cavalieri del Nord Ovest, Rio Grande), Sentieri selvaggi e I dannati e gli eroi.
Wayne prende il suo soprannome, Duke, dal suo cane di quando era bambino.
Ma Ford, nel tempo, gli insegna a essere qualcosa di più di un “duro” dallo sguardo fisso. Lo trasforma. Lo complica. In Un uomo tranquillo, questo percorso arriva al suo punto più sottile.
Il Sean Thornton interpretato da Wayne non è un uomo remissivo, ma non è nemmeno il classico maschio dominante che il pubblico si aspetta.
Non è un cowboy col cappello calato sugli occhi, ma un uomo ferito, che cerca di ricominciare da capo.
Viene in Irlanda con un passato pesante, con qualcosa che ha lasciato sul ring e che non può più cambiare. E in questo paese “di sassi e poesia”, tra gesti antichi e orgoglio popolare, trova una donna — e una terra — che non lo sfidano, ma lo mettono alla prova.
In una scena che ancora oggi sorprende per delicatezza, Sean sfonda la porta della loro camera da letto dopo che Mary Kate, la moglie, si è rifiutata di consumare il matrimonio. Ma non è la scena da melodramma maschilista che ci aspetteremmo. Lui la prende, sì, ma solo per portarla sul letto, guardarala negli occhi e poi uscire. Passerà la notte da solo, nel suo sacco a pelo. Il gesto più forte è quello che non compie.
E ancora: quando le compra il carro e il cavallo, la lascia guidare. Sembra poco. Ma non lo è.
In quell’Irlanda filtrata dall’affetto e dalla nostalgia di Ford, e nella Hollywood del 1952, una donna che guida un carro da sola è un’immagine rivoluzionaria.
Sean Thornton non si redime attraverso la forza, ma attraverso la scelta di rallentare, ascoltare, appartarsi, in un mondo dove l’onore si misura con il silenzio e con la pazienza.
E John Wayne, sotto la direzione di Ford, lo fa senza rinunciare alla sua presenza scenica, ma sfumandola, dosandola. Per una volta, è l’eroe che impara a non combattere.

Per raccontare l’Irlanda sognata e idealizzata che John Ford aveva in mente, non poteva che esserci Maureen O’Hara.

 

Nata a Ranelagh, sobborgo di Dublino, comincia a recitare da giovanissima. A soli 14 anni vince premi nei festival teatrali, debutta con gli Abbey Players — lo stesso gruppo che avrebbe formato attori come Barry Fitzgerald — e poi approda a Londra, dove Alfred Hitchcock la nota e la scrittura per Jamaica Inn (1939). Ma è Charles Laughton a cambiarle la vita: la porta a Hollywood, la vuole come Esmeralda nel suo Hunchback of Notre Dame, e le apre le porte del cinema americano.
La sua carriera trova una spinta decisiva con Com’era verde la mia valle (1941) di Ford, che la dirigerà più volte negli anni successivi.
Ma è proprio con Un uomo tranquillo che Maureen O’Hara raggiunge una delle sue vette più memorabili. La sua Mary Kate Danaher è tutt’altro che una donnina fragile e devota: è testarda, fiera, passionale, pronta a colpire, a fuggire, a pretendere rispetto. Tiene testa al fratello, al marito, al paese intero. Non accetta che le si neghino la dote e i mobili, non per una questione di denaro, ma perché sono il simbolo della sua identità, della sua autonomia, del diritto a essere riconosciuta e rispettata.
Come osserva la critica Molly Haskell: “In modo tutto americano, lui percepisce la cosa come un attacco alla sua mascolinità… finché lei non gli fa capire che non sono i soldi, ma ciò che rappresentano.”
È uno dei rari ruoli femminili degli anni ’50 in cui la donna non aspetta di essere salvata, ma mette alla prova l’uomo. E O’Hara, con la sua bellezza fiera e il temperamento da fuoco, dà al personaggio una verità che ancora oggi incanta.
O’Hara e Wayne formano una delle coppie romantiche più forti del cinema classico, anche se la critica le ha spesso riservato un’attenzione minore rispetto ad altre.
Recitano insieme in cinque film, tre dei quali diretti da Ford (Rio Grande, The Quiet Man, The Wings of Eagles) e due realizzati in seguito (McLintock! e Big Jake), quando il loro affiatamento era già leggenda.

E ora veniamo a Barry Fitzgerald che interpreta Michelino Flynn, una delle anime più vivaci del film. 

 

È la voce ironica e popolare, un misto di saggezza contadina, malizia e poesia, che contribuisce a costruire quell’Irlanda da fiaba che Ford voleva evocare. Michelino sa tutto, vede tutto, e a volte, quando serve davvero, dice anche la verità. È lui a guidare Sean Thornton attraverso le regole non scritte del villaggio, tra antiche consuetudini e ostinazioni familiari. Ma non è mai una macchietta: con i suoi occhi furbi, la parlantina svelta e quel modo tutto suo di restare incantato davanti a un bacio, diventa la vera bussola del film, sempre pronto a cogliere la poesia anche nei gesti più quotidiani. Dietro quei brindisi, le carrozze scassate e le frasi fulminanti, c’è un personaggio costruito con cura e affetto.
Fitzgerald, nato William Joseph Shields, è cresciuto tra le assi dell’Abbey Theatre di Dublino, dove si era già distinto nei testi di Sean O’Casey. Non aveva l’aspetto dell’eroe hollywoodiano – basso, voce roca, volto segnato – ma proprio per questo ha lasciato il segno. Dopo il debutto cinematografico con L’aratro e le stelle diretto da Ford, si è specializzato in ruoli di saggi, sacerdoti, vecchi marinai e uomini del popolo, sempre con un’umanità palpabile. La sua carriera lo ha portato fino all’Oscar con La mia via (1944), ma per molti spettatori resterà sempre Michelino, con quel bicchiere sempre mezzo pieno, un cavallo testardo da domare e lo sguardo incantato di chi, forse, alla favola un po’ ci crede davvero. Se volete scoprire qualcosa in più sulla sua vita, l’ho raccontata in un altro articolo a lui dedicato.

Victor McLaglen, nei panni dell’irascibile Will Danaher, è forse uno dei personaggi più iconici di Un uomo tranquillo, e non a caso. 

Con Ford aveva già costruito un sodalizio di lunga data: insieme avevano girato dodici film, sei dei quali con John Wayne. Ma prima ancora del cinema, McLaglen aveva vissuto una vita che sembrava uscita da un romanzo d’avventura. Nato in Gran Bretagna, aveva fatto il pugile in Canada e per un periodo era stato presentato come la “grande speranza bianca” destinata a sconfiggere Jack Johnson, il leggendario campione afroamericano dei pesi massimi. Lo scontro fu molto pubblicizzato, ma McLaglen perse al sesto round. Fu però proprio quella fisicità ruvida e quel passato combattuto a renderlo perfetto per certi ruoli, come quello che nel 1935 gli valse l’Oscar con The Informer, sempre sotto la direzione di Ford. Quando arrivano le riprese di Un uomo tranquillo, però, l’attore ha 64 anni ed è in condizioni di salute fragili. Il grande combattimento finale con Wayne, tra colpi, rincorse e birre rubate, deve essere coreografato con grande attenzione, spezzato in più giorni e inquadrature, ma il risultato è di una comicità irresistibile.
E mentre la rissa si allarga per tutto il villaggio, tra chi prende parte e chi corre solo a guardare, c’è un vecchio dai capelli bianchi che si alza dal letto di morte per non perdersi lo spettacolo. È Dan Tobin, uno dei personaggi più teneri del film. Ma nella realtà è Francis Ford, fratello maggiore del regista e figura importante del cinema muto, attore e regista a sua volta, che qui torna sullo schermo per un ultimo, affettuoso cameo. Morirà due anni dopo. E non è l’unico legame familiare sul set: Charles B. Fitzsimons, che interpreta Hugh Forbes, e James O’Hara, Padre Paul, sono i fratelli minori di Maureen O’Hara. 

Voglio aggiungere un’ultima chicca per chi, come me, ama le caratteriste indimenticabili. Tra le presenze più deliziose del cast c’è Mildred Natwick, attrice di teatro e cinema dalla classe impareggiabile, di cui ho raccontato la vita in un altro articolo (qui). Interpreta Sarah Tillane, la “vedova” del villaggio, corteggiata con cauta insistenza dal fratello di Mary Kate. È un ruolo piccolo, ma Mildred riesce comunque a renderlo memorabile grazie alla sua mimica facciale e a quell’eleganza ironica che la distingueva sempre.

Nata a Baltimora nel 1905, da una famiglia colta e benestante, Mildred aveva iniziato a recitare giovanissima prima di approdare a Broadway, dove venne notata proprio da John Ford. Fu lui a offrirle il primo ruolo cinematografico in Lungo viaggio di ritorno (1940), e la diresse poi in altri due western: In nome di Dio e I cavalieri del Nord Ovest. In Un uomo tranquillo, il loro sodalizio trova un’altra, tenera sfumatura: la vedova Tillane è uno dei pochi personaggi femminili maturi ad avere un suo spazio, e lo occupa con garbo, ironia e una sottile malinconia. Negli anni successivi la Natwick continuerà a brillare sullo schermo, fino a conquistare una candidatura all’Oscar per un ruolo diventato memorabile: la madre di Jane Fonda in A piedi nudi nel parco (1967), dove la sua comicità misurata e il suo tempismo perfetto la consacrano definitivamente nel cuore del pubblico.

Le riprese di Un uomo tranquillo cominciano nel giugno del 1951 (si concluderanno in agosto) e si trasformano subito in un’impresa collettiva, quasi familiare. John Ford porta in Irlanda figli, generi, amici, persino il suo sacerdote di fiducia da Hollywood, padre Stack, che benedice il set e offre qualche consiglio tecnico per rendere credibile il mondo religioso del villaggio. Sua figlia, Barbara Ford, da poco assistente al montaggio per la Argosy, affianca Jack Murray in sala di montaggio, mentre il figlio Patrick viene incaricato di dirigere la seconda unità — accanto a un altro regista d’eccezione: John Wayne.
L’atmosfera sul set è intensa, a tratti tesa, come spesso accadeva con Ford. Il regista ha un modo tutto suo per ottenere quello che vuole dagli attori. Anche se Victor McLaglen è stato un pugile professionista, ha ormai 64 anni e la salute non lo aiuta. Per scuoterlo prima della lunga scena della rissa finale con Wayne, Ford lo provoca pesantemente durante una prova, accusandolo di essere fiacco davanti a suo figlio. McLaglen borbotta per tutta la notte e il giorno dopo si presenta sul set pronto a dare tutto.
Anche per gli attori non è una passeggiata. Maureen O’Hara non usa controfigure, e quando Wayne la trascina attraverso i campi si riempie di lividi. Ma il peggio arriva nella scena in cui Mary Kate, furiosa, dà un pugno a Sean: lei colpisce davvero, lui para con l’avambraccio… e il risultato è che si rompe un osso del polso. Più tardi, con il vento che le sferza i capelli sul viso nel cottage, Ford le urla di aprire gli occhi. Lei, senza perdersi d’animo, risponde: «Che ne sa un figlio di p* calvo di cosa vuol dire avere i capelli negli occhi?».
Wayne non è da meno. Sensibile al trucco, si ritrova con il volto gonfio come un pesce palla dopo essersi affidato — per tagliare i costi — alla truccatrice di O’Hara. Ford richiama subito il suo storico truccatore, Web Overlander. A detta dello stesso Wayne, fu un ruolo difficile: «Per nove settimane ho fatto soltanto da spalla per quei meravigliosi personaggi, e questo è davvero difficile».
Difficile, ma visivamente indimenticabile. Ford insiste per girare in Technicolor — nonostante il capo della Republic Pictures, Herbert Yates, voglia usare il più economico TrueColor — e affida la fotografia a Winton Hoch, maestro del colore. Ma l’Irlanda non collabora: sei settimane di pioggia e cieli nuvolosi, appena sei giorni di sole intermittente. Hoch è costretto a illuminare ogni scena in tre modi diversi, uno per il sole, uno per le nuvole, uno per la pioggia. Ma il risultato è quello che Ford voleva: un’Irlanda da leggenda.
Nel finale, dopo i titoli di coda, vediamo Mary Kate e Sean nel giardino che salutano. Maureen O’Hara si volta verso Wayne e gli sussurra qualcosa all’orecchio, provocando una reazione impagabile. Cosa abbia detto rimane un mistero: lo sanno solo lei, Wayne e Ford. Secondo le sue memorie, Maureen non voleva pronunciare quella frase — «non potevo proprio dirglielo a Duke» — ma Ford insisteva: voleva una reazione autentica. Gliela diede, a patto che nessuno ne svelasse mai il contenuto.
E poi c’è l’aneddoto del montaggio finale. Il primo cut di Ford dura 129 minuti. Ma alla Republic hanno una regola ferrea: nessun film sopra le due ore. Ford insiste che non c’è nulla da tagliare, ma si vede costretto a cedere. Torna dopo qualche giorno dicendo che la copia definitiva è pronta. La proiezione inizia… e al minuto 120, proprio nel mezzo della scena della rissa, lo schermo diventa bianco, le luci si accendono e in sala cala un silenzio gelido. Ford si alza e dice: «Come potete vedere, non c’è più nulla da tagliare. Ora siete voi a chiedermi gli ultimi nove minuti. Pensate davvero che il pubblico sarà diverso?». Ha vinto. Ottiene la versione integrale. E noi abbiamo Un uomo tranquillo esattamente com’era stato pensato.

 

Location

L’Irlanda, in Un uomo tranquillo, non è solo lo sfondo. È parte del racconto, quasi un personaggio. Ma non è l’Irlanda dei libri di storia, né quella dei telegiornali. È un’Irlanda reinventata, vista con gli occhi di chi l’ha sempre sognata più che vissuta. E in questo Sean Thornton e John Ford si somigliano: uno torna, l’altro arriva, ma entrambi inseguono qualcosa che assomiglia più a un ricordo o a un desiderio che a un luogo vero.
All’inizio Ford ha pensato di stabilirsi a Spiddal, il paese d’origine di suo padre. Ma si è reso subito conto che sarebbe stato impossibile trovare alloggio per tutta la troupe. Così la scelta è ricaduta su Cong, un piccolo villaggio al confine tra le contee di Mayo e Galway, dove il vicino Ashford Castle ha offerto abbastanza stanze per ospitare tutta la produzione. All’epoca Cong non aveva ancora nemmeno l’elettricità. Ma con l’arrivo dei generatori, dei camion e del fermento del set, il cinema ha portato anche la luce. Per la gente del posto è stata una festa, ma anche una sfida: molti hanno lavorato come comparse o tecnici, ma finivano spesso nelle inquadrature per sbaglio, complicando la continuità delle scene.
Molti luoghi attorno a Cong sono stati trasformati per diventare Inisfree, il villaggio immaginario in cui si svolge la storia. Il negozio di alimentari è diventato il pub di Pat Cohan e, alla fine delle riprese, il proprietario ha deciso di lasciare l’insegna. Oggi quel locale è un vero pub, dove si proiettano ancora ogni giorno spezzoni del film.

 

Ma non c’è fan di Un uomo tranquillo che non abbia sognato almeno una volta quel ponte di pietra, con i suoi sassi consumati e la curva dolce che sembra accoglierti come in una fiaba. Si trova lungo la R345, poco fuori Cong, e oggi è indicato come The Quiet Man Bridge, segnalato anche sulla N59.

In una delle scene più memorabili del film, Michaleen mostra a Sean “la casa dei vecchi Flynn”. In realtà, quel luogo incantato è uno dei monasteri medievali meglio conservati d’Irlanda: il Ross Errilly Friary, a pochi chilometri da Headford. Fondato nel XIV secolo e immerso nella campagna, oggi è disabitato. Ma sullo schermo, Ford lo trasforma in qualcosa che va oltre lo spazio e il tempo: un legame con le radici, un senso di spiritualità e di memoria collettiva.

Per la stazione ferroviaria si è usata quella di Ballyglunin, che è diventata la fittizia Castletown. Alcune scene degli interni sono state invece ricostruite a Hollywood, negli studi Republic, verso la fine di luglio.

Ultima, ma non per importanza, la St Mary’s Church of Ireland di Cong, protagonista anche di una piccola polemica all’epoca delle riprese. Nel film è qui che Sean porge a Mary Kate l’acqua santa all’uscita dalla messa, ma le cose sono un po’ più complesse. L’edificio in questione è infatti una chiesa anglicana, mentre l’acquasantiera — quel gesto tanto cattolico e così carico di implicazioni romantiche — proviene dalla vicina chiesa cattolica di St Mary of the Rosary. La commistione tra i due spazi sacri non passò inosservata: il vescovo anglicano protestò ufficialmente contro l’uso cinematografico della chiesa, che nel film veniva trasformata in una sorta di parrocchia “ibrida”, con vetrate, elementi liturgici e simboli appartenenti a entrambe le tradizioni. Ma non si tratta di un errore. È una scelta precisa. Per Ford, l’Irlanda di Un uomo tranquillo non conosce confini confessionali. È un luogo di rito e identità collettiva, dove ogni gesto — anche quello apparentemente più piccolo, come un dito nell’acqua santa — può contenere tutto il desiderio, l’ironia e la tenerezza di una storia d’amore.

L’Irlanda di Un uomo tranquillo è sì idealizzata, ma non ingenua. Ford gioca con gli stereotipi, ma li sfuma con tenerezza e ironia. Anche il fratello burbero di Mary Kate ha i suoi momenti di dolcezza, anche il paesaggio più da cartolina si alterna al fango delle strade sterrate. È un mondo immaginato, certo, ma pieno di verità emotive. E forse, in fondo, questo basta per renderlo reale.

Per i costumi, Ford si è rivolto alla storica sartoria Ó’Maille di Galway, chiedendo abiti che riflettessero l’epoca ma anche l’identità contadina del posto. 

Colonna sonora 

Tra i fili che tengono insieme Un uomo tranquillo, la musica è uno dei più sottili ma resistenti. A firmarla è Victor Young, uno dei compositori più versatili e prolifici della Hollywood classica, che aveva già collaborato con Ford in altre due occasioni. Se volete conoscere la sua storia, ve l’ho raccontata in un altro articolo, dedicato a La porta d’oro. Qui ci basta dire che Young sapeva adattare il suo talento a qualsiasi tono, atmosfera, ambientazione.

Per questo film, costruisce una partitura che mescola brani originali e motivi tradizionali, dando voce a quell’Irlanda sognata e nostalgica che è il cuore emotivo del racconto. Il suo lavoro è in equilibrio perfetto tra lirismo e leggerezza, tra sentimento e ironia. La musica accompagna, non sovrasta. Sottolinea il tono favolistico del villaggio, rafforza la tenerezza tra i protagonisti, dà ritmo alle scene corali, e si ritrae con pudore nei momenti più intimi.
Young inserisce nella partitura diversi canti popolari irlandesi (tra cui The Rakes of Mallow, The Isle of Innisfree e Galway Bay), legandoli con armonie fluide e raffinate. La più celebre resta proprio The Isle of Innisfree, che apre il film e ritorna come leitmotiv ogni volta che Sean Thornton guarda la sua terra con occhi colmi di memoria. Fu John Ford in persona a chiedere che il tema di Innisfree diventasse il cuore musicale del film.
Young non vinse l’Oscar per questa colonna sonora — sebbene lo meritasse — ma in compenso contribuì a rendere eterno il paesaggio emotivo di Un uomo tranquillo. Le sue note, come la regia di Ford, non raccontano un luogo reale, ma uno stato d’animo. E continuano a risuonare ogni volta che pensiamo a quel villaggio senza tempo in cui tutti, almeno una volta, abbiamo desiderato rifugiarci. 

La première mondiale di Un uomo tranquillo si tiene il 6 giugno 1952, simultaneamente a Londra e a Dublino, all’Adelphi Cinema della capitale irlandese. Ford insiste perché sia proprio lì: è il luogo dove i suoi genitori si sono conosciuti, e l’omaggio non può che essere affettuoso e simbolico. In sala ci sono il presidente Seán T. O’Kelly e Maurice Walsh, autore del racconto da cui il film è tratto. L’evento viene descritto come affollatissimo: migliaia di persone fanno la fila per ottenere un biglietto, e centinaia restano fuori per mancanza di posti.
Il gestore dell’Adelphi invia un telegramma alla Republic Pictures: “Successo enorme. Acclamato da ogni parte del pubblico. Descritto come una ventata d’aria fresca persino nella verde isola d’Eire.” Per chi non è riuscito a entrare, Radio Éireann trasmette un programma speciale con interviste a ospiti e spettatori.
Il film resta in sala per altre sette settimane, battendo ogni record del cinema, perfino durante l’ondata di caldo di quell’estate. Prodotto con un budget di circa 1,75 milioni di dollari, Un uomo tranquillo incassa circa 7,6 milioni nella sua prima distribuzione: un risultato notevole per l’epoca, che lo consacra anche come successo commerciale.

Un uomo tranquillo diventa subito un fenomeno, anche grazie al legame emotivo con la cultura irlandese, alla popolarità di John Wayne e al ruolo del cinema nella vita quotidiana: nel 1952, in assenza della televisione, si registrano 49 milioni di ingressi in sala solo nella Repubblica d’Irlanda.
La première americana si tiene a New York il 21 agosto 1952.
Dopo il successo caloroso al botteghino e l’entusiasmo del pubblico, Un uomo tranquillo prosegue il suo viaggio anche nella stagione dei premi. E lo fa in grande stile.
La sera del 19 marzo 1953, al RKO Pantages Theatre di Hollywood, va in scena la 25ª edizione degli Academy Awards, presentata da Bob Hope. Tra le pellicole più attese c’è anche il film di John Ford, che si presenta con sette nomination: miglior film, miglior regia, miglior sceneggiatura non originale, miglior fotografia a colori, miglior attore non protagonista (Victor McLaglen), miglior sonoro e miglior direzione artistica.
John Ford, debilitato da problemi di salute, non è presente in sala. A ritirare l’Oscar per la miglior regia sale sul palco John Wayne, in un gesto che sembra chiudere simbolicamente il cerchio tra il regista e il suo attore feticcio. È il quarto Oscar alla regia per Ford — un record mai superato — e l’unico premio importante vinto dal film quella sera.

L’altra statuetta va alla fotografia a colori di Winton C. Hoch e Archie Stout, premiata per aver saputo cogliere la luce e l’anima dell’Irlanda con una grazia quasi pittorica. Nonostante Un uomo tranquillo non porti a casa il premio per il miglior film, lascia una traccia profonda nella memoria di quella serata. Un film “piccolo” rispetto ad altri titoli in gara, ma destinato a durare.
Negli anni, Un uomo tranquillo ha smesso di essere solo un film. È diventato un luogo dell’immaginario, un punto di riferimento emotivo per migliaia di spettatori che ancora oggi continuano a visitare quei luoghi, come se volessero verificare che esistano davvero.
A Cong, il villaggio dove si sono svolte le riprese in esterni, è stato creato un museo dedicato al film, con visite guidate giornaliere e tour che ricostruiscono fedelmente le scene più celebri. Alcuni edifici, come quello trasformato nel pub di Cohan, conservano ancora oggi insegne e dettagli del set. Le guide raccontano aneddoti, mostrano scorci che appaiono nel film, e condividono con i visitatori l’atmosfera sospesa che ancora aleggia tra quelle strade.
Anche molti dei miei lettori mi hanno scritto per raccontarmi della loro esperienza lì: di aver percorso gli stessi sentieri di Sean e Mary Kate, di essersi affacciati al ponte in pietra e aver scattato una foto, quasi a suggellare un sogno a lungo coltivato. Alcuni mi hanno detto di aver riconosciuto ogni inquadratura come si riconosce una poesia imparata a memoria, ma mai dimenticata.
E a proposito di memoria, vi racconto un episodio che rappresenta quanto questo film sia rimasto nel cuore del pubblico anche molti anni dopo.
Nel 1986, la moglie di un giovane poliziotto di New York, rimasto paralizzato durante il servizio, raccontò ai giornalisti che The Quiet Man era il film preferito di suo marito, e che lui adorava Maureen O’Hara.
Dopo aver letto la notizia, O’Hara volò a New York e si presentò al suo capezzale per offrirgli conforto. Lo accompagnò durante la riabilitazione, partecipò al battesimo del loro bambino e sfilò in una parata in suo onore.

Un gesto che forse dice tutto: quello che un film può lasciare, anche quando la sala si svuota, i titoli scorrono e la vita va avanti.

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Gualtiero aveva tanti interessi. Amava la musica — suonava la chitarra, l’armonica, cantava — ma soprattutto scriveva. Poeta nell’anima, nel 1973 raccoglie alcune sue poesie in un libro intitolato Cose mie, una piccola raccolta in romanesco che ho trovato per puro colpo di fortuna su eBay.

Tra quei versi ce n’è uno che mi ha colpita subito. È dedicato al 12 ottobre, che Gualtiero paragona — con dolce ironia — alla scoperta dell’America. Solo che per lui, quel giorno, era stata la scoperta di Bice.

Capisco che si riferisce al loro anniversario di matrimonio, ma l’anno non c’è. E allora comincia la mia piccola indagine, tra registri e archivi.
Grazie al portale Antenati, trovo finalmente la conferma: Gualtiero e Bice si sono sposati il 12 ottobre 1919.

La guerra è finita da poco più di un anno. Roma è una città ferita che cerca di rialzarsi. Ed è lì, tra macerie e speranze, che Gualtiero e Bice iniziano la loro nuova vita insieme.

La famiglia presto si allarga: il 23 novembre 1920 nasce Enrico, che vent’anni più tardi fonderà — insieme a Tata Giacobetti, Felice Chiusano e Virgilio Savona — il Quartetto Cetra.
(Una piccola parentesi personale: ogni tanto, quando ho bisogno di leggerezza, mi riascolto le loro canzoni. Sono una carezza per l’anima. In un vecchio palco della Scala, Aveva un bavero, Un bacio a mezzanotte. C’è una dolcezza, un’eleganza, una gioia gentile che oggi si fa fatica a trovare.)

Poi, nel 1935, arriva Manlio — che diventerà anche lui un grande doppiatore, e padre di Eleonora — e infine, nel 1942, la più piccola: Paola.

È sempre nel 1920 che Gualtiero e Bice entrano nella compagnia di Gastone Monaldi, figura molto amata del teatro popolare romano. Con lui calcano il palcoscenico nello spettacolo Nerone, un’opera vivace e travolgente, che li vede per la prima volta insieme anche nella finzione scenica. Il teatro, che per entrambi era già una passione, comincia così a diventare anche un progetto condiviso, una strada da percorrere fianco a fianco.

 

Dopo l’esperienza con Gastone Monaldi, per Gualtiero arrivano altre tappe importanti. È nella compagnia di Ermete Zacconi che debutta come primattore giovane, accanto a un nome che, all’epoca, rappresentava un’autorità del palcoscenico. Seguono collaborazioni con le compagnie di Elsa Merlini e Italia Almirante, due tra le attrici più celebri di quegli anni. Ma è dal 1926 che il sodalizio artistico con Bice si consolida davvero: i due recitano insieme nella compagnia Carini-Glek-Falconi-Pilotto, un ensemble importante nella scena teatrale del tempo. Lì, passo dopo passo, affinano la sintonia che già avevano nella vita privata, portandola anche in scena.

Nel 1937, Gualtiero entra nella compagnia di Giulio Donadio, con cui prende parte a spettacoli come Romanzo sul mare e Processo a porte chiuse: titoli che oggi direbbero poco a molti, ma che allora rappresentavano il teatro vivo, itinerante, capace di parlare al pubblico in tutta Italia.

  

Il teatro li porta lontano: tournée in Egitto, in America, persino a bordo del piroscafo Rex, il gioiello della marina italiana che faceva sognare il pubblico non solo con la sua velocità da record, ma con i suoi interni lussuosi, le serate danzanti, gli spettacoli teatrali in mezzo all’oceano.

Ma, con una famiglia sempre più grande e il desiderio di una vita più stabile, Gualtiero decide di tentare un’altra strada…

Il doppiaggio

Roma, fine anni Trenta. Gualtiero è momentaneamente libero da impegni teatrali, quando una nuova pratica inizia a diffondersi rapidamente anche in Italia: il doppiaggio.

Alle sale della Fonoroma — una delle prime società italiane ad occuparsene — vengono convocati vari attori per fare provini. Si cercano voci capaci di sostituire quelle originali dei film americani, adattandole al gusto del pubblico italiano.
Gualtiero partecipa, quasi per caso. I primi ruoli sono piccoli, ma bastano per capire che quella nuova forma di recitazione, fatta solo di voce, può diventare il suo nuovo linguaggio.
A crederci sono Luigi Savini, direttore del doppiaggio per la Paramount, e Sandro Salvini, alla guida della sezione italiana della Columbia Pictures.
Con loro, Gualtiero lavora su alcuni dei primi titoli stranieri distribuiti in Italia: I cavalieri del Texas, in cui doppia Lloyd Nolan, L’impareggiabile Godfrey con Mischa Auer, Il paradiso delle fanciulle dove presta la voce a Ray Bolger, e Ombre rosse in cui interpreta John Carradine.
Il 1938 segna il passaggio a ruoli sempre più importanti. Tra questi c'è Errol Flynn, che doppia nel film Il principe e il povero, che segna il primo di una lunga serie di film d’avventura in cui Gualtiero diventa la voce italiana del celebre attore australiano.
De Angelis viene dal teatro. Un ambiente dove si provano a lungo le battute, si costruisce lentamente l’intensità, si rifinisce ogni gesto e ogni inflessione.
Ma in sala di doppiaggio è tutta un’altra storia. Come racconta lui stesso nel 1975, durante l’intervista con Luciano Rispoli a L’Ospite delle 2, “A teatro prepari per giorni una scena. Qui ti ritrovi in poco tempo con una scena anche molto intensa che rivedi solo tre o quattro volte. Così, a freddo, dobbiamo caricarci per ricreare quello che vediamo sull’immagine.”

Un lavoro rapido, concentrato, che richiede empatia, prontezza, controllo. Se l’attore sullo schermo è bravo, si segue fedelmente la sua interpretazione. Se invece qualcosa sembra stonare, si rivede insieme al direttore di doppiaggio, si modifica.
Ma è nel 1946 che la sua carriera prende una svolta decisiva. In quell’anno comincia il sodalizio con due dei più grandi attori di Hollywood, quelli che — come dirà lui stesso — gli hanno dato le soddisfazioni più profonde: James Stewart e Cary Grant.
Con James Stewart, l’incontro arriva in Partita d’azzardo, film del 1939 uscito in Italia proprio nel ’46.
La recitazione di Stewart è complessa e frastagliata, piena di pause, esitazioni, variazioni improvvise di tono.  Un modo di recitare unico, ma difficilissimo da seguire in sincronismo.  Gualtiero, abituato alla precisione del teatro, all’inizio lo trova quasi impossibile da rendere e confessa di aver addirittura pensato di abbandonare il doppiaggio (ve lo immaginate cosa ci saremmo persi se fosse accaduto?). Fortunatamente col tempo e la forza di volontà ha imparato a seguirne il respiro, a capirne le sfumature.
Quando gli chiedono quale attore preferisca doppiare, non ha dubbi, risponde: «James Stewart».
Ne ammira la forza drammatica, ma anche la leggerezza nella commedia. La vita è meravigliosa, Nodo alla gola, La finestra sul cortile, L’uomo che uccise Liberty Valance. Tutti film che portano la sua voce.
Negli anni Sessanta, i due si incontrano davvero. Una foto li ritrae insieme, sorridenti, in occasione di un viaggio di Stewart a Roma. Ma è grazie a un articolo del Radiocorriere del 1974 che ho scoperto una chicca: quell’incontro è avvenuto durante un’intervista radiofonica condotta da Mike Bongiorno.

 

Il primo doppiaggio di Cary Grant arriva sempre nel 1946, con La signora del venerdì, una commedia brillante del 1940 arrivata in Italia solo dopo la guerra.
È l’inizio di un connubio perfetto, destinato a durare decenni: Scandalo a Filadelfia, Notorious, Caccia al ladro, Un amore splendido, Operazione sottoveste, solo per dirne alcuni.
«Grant è un attore prettamente comico», spiega De Angelis. «Ha una recitazione lineare, pacata, e raggiunge gli effetti con una naturalezza sorprendente.» 

Nel 1951, arriva anche Dean Martin, doppiato per la prima volta in La mia amica Irma. Quando i film del duo Martin & Lewis arrivano in Italia, la scelta della voce di Dean diventa cruciale. Vengono fatti molti provini, ma è Gualtiero a conquistare la parte: da quel momento sarà la voce ufficiale di Dean Martin in tutti i film del duo. Con il suo tono morbido e ironico, diventa l’altra metà perfetta della comicità esuberante di Jerry Lewis (doppiato da Carlo Romano).

Una voce che sembrava venire dal futuro

La voce di Gualtiero De Angelis era unica nel mondo del doppiaggio. Ineguagliata. Calda, dolce, affettuosa, piena di intenzioni. Ma la sua qualità più grande era la semplicità.
Aveva un parlato naturale, di un attore che non recita, ma dice le cose che sta vivendo il suo personaggio, con autenticità.
E questo lo rendeva modernissimo. In un momento in cui il doppiaggio stava ancora nascendo, e in cui a dominare erano — con tutto il rispetto — i cosiddetti “tromboni”, cioè attori abituati al teatro, alla voce impostata, a scandire con precisione e a dosare il fiato per arrivare fino in fondo alla sala. 
Gualtiero, pur venendo anche lui dal teatro, aveva capito una cosa in più: che con un microfono bastava sussurrare. Che la voce arrivava comunque, e anzi, che proprio quel tono più misurato poteva fare la differenza. La sua voce suonava moderna, attuale, perfino in anticipo sui tempi.
Dopo la sua scomparsa, l’Unità gli dedicherà un articolo intitolato "Tacciono le voci dei film americani"
ricordandolo così: “Aveva un particolare timbro vocale, impastato di fumo, di stanchezza, di virilità letteraria.”

Ma com’era Gualtiero al lavoro?

A raccontarmelo è stato un testimone d’eccezione: Michele Gammino.
Straordinario attore e doppiatore – è lui la voce italiana di Harrison Ford, Jack Nicholson, Richard Gere – che nei primi anni Sessanta si è trovato al leggio proprio accanto a Gualtiero, e che diventerà amico fraterno di Manlio e del resto della famiglia De Angelis.

Era il suo primo turno alla società di doppiaggio CDC. Con lui, due giganti: Peppino Rinaldi per George Peppard, Gualtiero per Dean Martin.
Michele, giovane e un po’ intimorito, viene subito messo a suo agio da De Angelis che gli dice: «Mettiti dove vuoi. Noi siamo vecchi lupi, ci arrangiamo.»
Nasce così un rapporto speciale. Michele mi racconta "Quando vedevo che partecipava a dei turni io lo seguivo e mi mettevo ad ascoltarlo. Insegnava senza insegnare". Perchè Gualtiero mostrava. Non diceva mai “devi fare così”, ma “prova a pensarla così”. Era un insegnamento fatto di semplicità, dolcezza e di una naturalezza che solo l’esperienza sa trasmettere. Come un maestro, ma senza mai atteggiarsi a tale. Come uno zio che ti vuole bene.

E poi c’era quel rispetto spontaneo, che nasce quando sei giovane e ti trovi accanto a qualcuno che per te è un maestro. Michele, allora poco più che ragazzo, lo chiamava sempre “signor De Angelis”, anche se tutti ormai lo chiamavano semplicemente Gualtiero. Finché un giorno, durante una pausa in sala, con il suo romanesco brillante di una volta, Gualtiero gli dice: «A Gammì… la prossima volta che me chiami signor De Angelis… nun te chiamo più.» 

Nel corso degli anni, Gualtiero diventa anche direttore di doppiaggio. Tra i titoli curati da lui c’è, ad esempio, Il peccato di Lady Considine nella riedizione del 1976.
Ma cosa significa davvero “dirigere” un doppiaggio? È lui stesso a raccontarlo, con quella chiarezza che lo distingueva, durante la trasmissione L’Ospite delle 2 condotta da Luciano Rispoli nel 1975.

In genere, si approda a questo ruolo dopo aver maturato una certa esperienza. Il primo passo è la visione del film originale, per capire toni, dinamiche, e scegliere le voci italiane che meglio possano incarnare i personaggi. Serve istinto, sensibilità, ma anche una profonda conoscenza degli attori e delle loro sfumature.
Poi entra in gioco l’assistente al doppiaggio, che divide il film in tante piccole porzioni chiamate anelli — ognuno può durare anche meno di un minuto.
Sulla base di questi, si redige un piano di lavorazione che viene consegnato all’ufficio tecnico, dove si stabiliscono le sale, le date, i turni.
A quel punto, tutto è pronto per iniziare. Spesso gli attori entrano in sala senza aver nemmeno letto il soggetto del film. Si trovano davanti una scena — a volte molto intensa — e devono entrarci, sentirla, restituirla. Nel giro di pochi minuti. Un mestiere che non lascia tempo per pensare, ma solo per essere. E Gualtiero, anche dietro il leggio, sapeva esattamente come accompagnare chi ci passava davanti. 

In famiglia 

Anche a casa Gualtiero aveva quella stessa presenza intensa e inconfondibile che portava al leggio: un equilibrio di rigore e dolcezza, autorevolezza e affetto.
Sua figlia Paola mi ha raccontato alcuni ricordi che oggi restituiscono il ritratto privato di un padre affettuoso, dal carattere deciso e con una certa vena teatrale che non lo abbandonava nemmeno nei momenti quotidiani.
Gualtiero era più tradizionalista, mentre Bice era più moderna, anche nell’educazione dei figli. Paola mi ha raccontato che, quando capitava che Gualtiero fosse contrariato — o, come le chiamavano affettuosamente in famiglia, “le arrabbiature” — sua madre interveniva con una frase che smorzava tutto con dolcezza: «Lasciamolo stare… perché adesso recita.»
Come se il fuoco dell’arte non potesse fare a meno di riaffiorare anche nella vita quotidiana.

Paola condivide con me un altro ricordo tenerissimo: le sue amiche di scuola non vedevano l’ora di essere invitate a casa, pur di ascoltare dal vivo la voce di suo padre mentre offriva loro la merenda.
Gualtiero amava profondamente la musica: suonava la chitarra, l’armonica a bocca, cantava… e incideva tutto con il suo inseparabile registratore.

Negli anni Settanta, ha raccolto diverse sue poesie in un libro, Cose mie, una raccolta intima, scritta spesso in romanesco, che racconta emozioni, frammenti di vita quotidiana come le cure a Salsomaggiore per un dolore alle gambe della moglie, il matrimonio dei figli, gli adorati nipoti.
Paola, in occasione della nostra telefonata, mi ha letto una poesia che lei stessa ha composto pensando a suo padre e mi ha permesso di condividerla con voi. 

LI  PENZIERI
Certe sere papà mio se ne stava solo 
solo chiuso dentro lo studiolo.
Qualche volta lui cantava, poi sonava, 
riprovava e alla fine… registrava.
Ma più spesso nun fiatava e passava ore e ore
senza manco fa un rumore.
Ma nun je’mportava gnente:
usciva sempre sorridente.
Io curiosa me chiedevo “che sta a fa? Perchè nun esce?” 
Poi una volta glielo chiesi “Ma papà nun c’è la gente!
Con chi parli? Chi te sente?
“Fija mia, che me n’importa.
Ce stai tu, dietro la porta.
E perciò si me viè in mente de penzà na cosa bella
che me bussa forte dentro
io l’acchiappo e co’ la penna la riscrivo sul quaderno.
Così quando gira storta me rileggo e me consolo
nun me sento mai da solo!
Li penzieri, brutti o belli
fatte conto che so uccelli:
vanno in volo senza sosta
danno sempre na’ risposta
quando ai monti, quando al mare
sanno sempre dove andare,
quando poi ce sta l’amore sanno dà la vita al core!
… Vaje dietro, corri forte
lascia aperte le tue porte
vola, vola bimba mia 
e nun falli scappà via!

Paola ed Enrico

Questa invece era la poesia che Gualtiero ha dedicato a sua moglie e alla sua famiglia.

LA SCOPERTA

Er dodici d’Ottobbre de quell’anno,
me pare mille e quattro nove due,
Cristoforo Colombo, tutti sanno,
realizzò le aspirazioni sue.

Però che la scoperta che lui fece,
dopo quer viaggio pieno d’emozione,
je procurò... sì, onori d’ogni spece,
ma pure dispiaceri e la prigione.

Er dodici d’Ottobbre de ’n’antranno,
senza navigazione e senza noie,
come ’na pecorella senza affanno
io feci la scoperta de mi moje.

La quale cosa, cor passà dell’anni,
me procurò li frutti più satolli.
Lo scopo de la vita senza inganni:
tre fiji, tre fustoni, no tre polli.

Enrico er Dotto, e nun te fò burletta,
Manlio l’attore, che nun stà ar disotto
dell’Universitaria Paoletta,
che quanto prima te farà er gran botto.

Poi c’è Miranda, moje der Dottore,
ce stà Mariuccia, moje der seconno,
eppoi du’ stelle abbarbicate ar core
Lilletta e Susj, che m’han fatto nonno.

Da sinistra Enrico, Miranda, Mariuccia e Manlio

 Alla fine di questo video Gualtiero recita la sua poesia "Er lumetto".

Anche Eleonora De Angelis, nipote di Gualtiero e figlia di Manlio, conserva diversi ricordi del nonno. Quando lui è mancato, lei era appena 13enne — troppo presto perché potesse vederla muovere i primi passi nel doppiaggio e frequentare l'Accademia di arte drammatica.
Lo descrive come un uomo buono, generoso, presente. Quando arrivava, le sue tasche erano sempre piene di pacchetti di figurine da regalare ai nipoti, una tradizione che Eleonora ha voluto riprendere anni dopo con i suoi figli.
Aveva una passione speciale per le piante, e il suo attico a Piazzale Clodio era un vero e proprio giardino sospeso, pieno di vasi e verde curato con attenzione quasi paterna. 

Da sinistra Massimiliano e Alessandra, figli di Paola (Massimiliano Virgili anche lui seguirà carriera di attore e doppiatore), poi Gualtiero, Vittorio ed Eleonora figli di Manlio

Del lavoro parlava poco, ma c’erano episodi a cui teneva. Uno su tutti: il fatto che Pietro Germi avesse voluto fosse proprio lui a doppiare il suo personaggio ne Il ferroviere. Un gesto di stima che Gualtiero ricordava con orgoglio.
Al contrario, soffrì molto per essere stato progressivamente lasciato ai margini, in un mondo del doppiaggio che cambiava e lasciava indietro anche grandi nomi come il suo. 

C’è però un ricordo che spicca per affetto e ironia. Siamo nei primi anni ’70 quando la Kraft decide di affidargli lo spot di una delle sue campagne più riuscite: “Cose buone dal mondo”.
Una pubblicità che, grazie a quella voce calda e autorevole, diventa un successo immediato: non era solo una frase detta bene, era la voce di Cary Grant, di James Stewart, di Errol Flynn che consigliava cosa comprare. Una voce che sapeva di fiducia, di eleganza, di avventura, e che arrivava dritta nelle case di milioni di italiani."Quando mi chiedevano chi fosse mio nonno, rispondevo: quello della pubblicità della Kraft."

 Ed ecco la poesia che Gualtiero le ha dedicato.

ELEONORA

Mentre sto sur terazzo e me riposo
scaccianno li penzieri da la mente,
lo sguardo me se posa su le piante.
E vedo in mezzo a tante
spiccà ’na rosa gialla,
che come ’na farfalla
se dondola ner vento.
Ma in sur momento, forze pe’ maggia,
la rosa nun c’è più, e ar posto suo
ce stà er visetto tuo
co’ la manina arzata in movimento
come la rosa gialla
che dondolava ar vento.

E cor vocino d’angelo che ciai,
me dici: «Ciao nonno, bai bai!»
Pe’ quarche istante resto frastronato,
te guardo e nun te tocco,
vorrei stringete ar petto e nun lo faccio;
pe’ nun sciupà l’incanto de quest’ora...
E resto lì a guardatte, Eleonora. 

Grande e piccolo schermo

Gualtiero De Angelis non è stato soltanto una presenza inconfondibile dietro al microfono: per qualche anno, tra gli anni ’30 e ’50, il suo volto ha trovato spazio anche sul grande schermo. Non ruoli da protagonista — il cinema non gli offrirà mai davvero il centro della scena — ma quei personaggi solidi, credibili, che sanno stare al loro posto e tenere in piedi una storia: poliziotti, amici fidati, uomini di passaggio ma mai di contorno.
Nel 1940 lo troviamo in Arditi civili di Domenico Gambino, accanto ad altri colleghi del doppiaggio come Michele Malaspina, Giovanna Scotto e Bruno Persa. Nello stesso anno è in Scarpe grosse di Dino Falconi, con Tina Lattanzi e Lauro Gazzolo. E poi ancora: Il piccolo re, Vento di milioni, Il segreto di Villa Paradiso.

Spesso con ruoli brevi, ma sempre misurati. Come nel 1942 in Una storia d’amore di Mario Camerini, dove interpreta un poliziotto notturno, o in Beatrice Cenci (1941), dove dà volto a Curzio. Fino ad arrivare a Vortice di Raffaello Matarazzo, nel 1953, nei panni di un ispettore di polizia.

 

Ma è solo nel 1974, dopo anni lontano dal set, che Gualtiero torna davanti alla macchina da presa. A volerlo è il regista Sandro Bolchi, per il film TV Un certo Marconi, produzione Rai in cui De Angelis interpreta — con quella sua sobrietà elegante — l'inventore Guglielmo Marconi.

Un piccolo ruolo, certo. Ma importante. Perché arriva in un momento in cui il suo nome non compariva più sui cartelloni, eppure qualcuno, ancora una volta, aveva pensato a lui. 

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