IMPORTANTE: Potete ascoltare questo articolo in formato audio. Su iPhone: aprite Safari, andate alla pagina dell’articolo, toccate AA nella barra indirizzi e scegliete “Ascolta pagina”. Su Android: aprite l’app Google o Google Chrome, aprite l’articolo, toccate i 3 puntini in alto a destra e poi “Ascolta la pagina”.

 "Ho sempre voluto girare un inseguimento sul Monte Rushmore."

Questa frase di Alfred Hitchcock non solo anticipa uno dei momenti più iconici di Intrigo internazionale, ma rappresenta anche la determinazione del regista a spingere sempre oltre i limiti del cinema. Eppure, devo ammettere che per molto tempo ho esitato a vedere questo film. Ero convinta che si trattasse di un thriller politico, e quel genere non ha mai fatto per me. Sono sempre stata più attratta dagli Hitchcock "più tranquilli", come Il Delitto perfetto (di cui ho parlato qui) o Nodo alla gola (il mio articolo lo trovate qui, film che si giocano tutto in spazi ristretti, con tensioni psicologiche ben calibrate e dialoghi intensi.
Ma Intrigo internazionale mi ha sorpreso. Non solo perché Cary Grant, con il suo fascino intramontabile, cattura sempre l'attenzione, ma anche per la trama complessa e avvincente che tiene incollati allo schermo fino alla fine. C'è un equilibrio perfetto tra l’azione e i momenti più intimi, tra la tensione e quell’ironia sottile che solo Hitchcock sapeva inserire nei suoi film. E come in ogni suo lavoro, i dettagli sono curati fino all'estremo, dalla regia agli oggetti di scena, dai costumi ai dialoghi.
Guardando Intrigo internazionale, ho capito quanto fosse sbagliata la mia idea iniziale. Questo film non è solo un classico del genere spionistico, ma è un capolavoro di regia e costruzione narrativa, un film che gioca con lo spettatore, proprio come Hitchcock amava fare. Dietro ogni inquadratura c’è un piano preciso, e ogni scena è una piccola lezione di cinema.

È un film del 1959 (il titolo originale è North by Nortwest) ed è diretto da Alfred Hitchcock con protagonisti Cary Grant e Eva Marie Saint

Trailer originale:

La trama in breve: Roger Thornhill, un pubblicitario di New York, viene scambiato per una spia internazionale e finisce coinvolto in una pericolosa rete di intrighi. Inseguito da criminali e autorità, viaggia per il Paese cercando di scoprire chi lo ha incastrato. Durante la fuga incontra la misteriosa Eve Kendall, ma non sa se può fidarsi di lei. In un crescendo di tensione e colpi di scena, Roger lotta per dimostrare la sua innocenza e sfuggire ai suoi inseguitori.

Alcune scene del film

Foto promozionali

Quando il suo ultimo film, La donna che visse due volte, non raggiunge il successo sperato al botteghino, Hitchcock cerca di trasformare la delusione in qualcosa di costruttivo, dedicandosi a due nuovi progetti. Da un lato, continua a entrare nelle case degli americani con il suo show televisivo di successo, "Alfred Hitchcock Presenta"; dall'altro, accetta di dirigere per la MGM l'adattamento del romanzo The Wreck of the Mary Deare.

Hitchcock si mette al lavoro insieme allo sceneggiatore Ernest Lehman, con l'entusiasmo di poter finalmente collaborare con due attori che aveva sempre desiderato dirigere: Gary Cooper e Burt Lancaster. Tuttavia, con il passare delle settimane, i due si rendono conto che la trama non riesce a trovare una direzione convincente. Sebbene l'idea iniziale sembri promettente, si scontrano con difficoltà narrative che rendono il progetto insoddisfacente. Il film sembra destinato a non decollare.
Nel frattempo, la vita personale di Hitchcock viene sconvolta: sua moglie Alma riceve una diagnosi di tumore. Hitchcock, profondamente scosso, continua a lavorare per tenere la mente occupata, ma ogni giorno si reca in ospedale per farle visita, combattendo con la paura di perderla. Il 14 aprile 1959, Alma prende una decisione coraggiosa e si sottopone a un intervento chirurgico sperimentale (l’operazione si rivela un successo e Alma vivrà fino al 1982).

Da qualche anno, Alfred Hitchcock ha un’idea che lo affascina particolarmente, un progetto che lui stesso chiama "L'uomo sul naso di Lincoln". Nel 1951, il giornalista Otis L. Guernsey Jr. gli racconta la storia di un’operazione segreta durante la Seconda Guerra Mondiale, Operation Mincemeat, in cui i servizi segreti britannici utilizzarono il cadavere di un uomo sconosciuto, corredato da documenti falsi, per ingannare i nazisti, facendogli credere che gli Alleati avrebbero invaso la Sardegna e la Grecia, mentre l’attacco vero era destinato alla Sicilia. Hitchcock, colpito dal tema dell’inganno e dello scambio di identità, vede in questa storia il potenziale per un film spettacolare, che includa un omicidio alle Nazioni Unite, un inseguimento attraverso l’America e un climax mozzafiato sul Monte Rushmore. Decide quindi di acquistare i diritti da Guernsey per 10.000 dollari.
Quando Lehman è sul punto di cessare la collaborazione con Hitchcock perché arenato sul progetto The Wreck of the Mary Deare, il regista gli parla di questa sua nuova idea.
In un primo momento Hitchcock e Lehman evitano di rivelare alla MGM i loro reali piani, facendo credere allo studio di essere impegnati contemporaneamente su due progetti. Uno di questi è una storia di "spionaggio e controspionaggio negli Stati Uniti", ambientata in luoghi come New York, Chicago e il Monte Rushmore. I dirigenti della MGM, convinti che Hitchcock stia semplicemente prendendo tempo per tornare a lavorare su The Wreck of the Mary Deare, non si accorgono subito del cambiamento di rotta. Col tempo, però, diventa evidente che Hitchcock non ha più intenzione di portare avanti quel progetto. Alla fine, il film sulla Mary Deare viene assegnato al regista Michael Anderson, liberando così Hitchcock per dedicarsi completamente a Intrigo internazionale.
Lehman si mette subito all’opera, e in pochissimo tempo scrive le prime 65 pagine della sceneggiatura, che invia a Hitchcock. La risposta del regista è entusiasta:
"Mio caro Ernie... Permettimi di dirti quanto ho apprezzato queste sessantacinque pagine. Le ho trovate eccellenti e davvero divertenti. Hai fatto un ottimo lavoro... Con affetto, Hitch."
Nonostante questo ottimo inizio, Lehman si blocca verso la fine, quando si trova in difficoltà nel portare la storia verso il climax sul Monte Rushmore. È Hitchcock a sbloccare la situazione, suggerendo che Eve Kendall debba sparare a Roger Thornhill per dimostrare la sua lealtà a Vandamm. Questo suggerimento permette a Lehman di superare il blocco e concludere la sceneggiatura in modo soddisfacente.
Durante lo sviluppo, Hitchcock, come suo solito, lavora attentamente sugli storyboard, visualizzando nei minimi dettagli ogni scena del film. Ogni inquadratura viene pianificata con estrema precisione, come parte di un puzzle complesso che solo lui è in grado di vedere nella sua interezza.

Il titolo provvisorio del film è In a Northwesterly Direction, in riferimento alla direzione geografica seguita dai protagonisti, da New York fino al Monte Rushmore. Successivamente, Kenneth MacKenna, capo dell'ufficio sceneggiature della MGM, suggerisce di cambiare il titolo in North by Northwest. Questo titolo sembra indicare una direzione inesistente sulla bussola, richiamando la celebre frase di Amleto: "Io sono pazzo solo quando spira il vento nord-nord-ovest". Proprio come Amleto, anche Roger Thornhill sembra perso e sopraffatto dagli eventi, ma sotto la superficie conserva una lucidità nascosta che gli permette di affrontare ogni pericolo.

Per il ruolo del protagonista, Hitchcock ha le idee chiarissime. A Hollywood c’è solo un attore con un fascino naturale e la capacità di bilanciare momenti di tensione con leggerezza: Cary Grant. Nessun altro, secondo il regista, può incarnare meglio Roger Thornhill, l’uomo elegante e disinvolto che si ritrova catapultato in una spirale di eventi fuori dal suo controllo.
C’è però un altro attore che crede di meritare questa parte: James Stewart. Dopo aver parlato con Hitchcock del progetto, Stewart, che ha già collaborato con il regista in quattro film, è convinto di essere il candidato perfetto per il ruolo. Hitchcock, però, non lo vede adatto. Nonostante la loro amicizia e la stima reciproca, Hitchcock ritiene che Stewart non abbia il fascino necessario per dare vita a Thornhill. In più, lo considera in parte responsabile dell’insuccesso commerciale de La donna che visse due volte, pensando che agli occhi del pubblico Stewart sembri ormai troppo maturo per interpretare questo tipo di ruoli.
Per evitare di rifiutare apertamente il suo amico, Hitchcock decide di posticipare l'inizio delle riprese. Aspetta che Stewart si impegni con la Columbia Pictures per il film Una strega in paradiso, costringendolo così a rinunciare al ruolo di Thornhill. Una volta libero dalla concorrenza di Stewart, Hitchcock può finalmente affidare la parte a Cary Grant, come aveva sempre desiderato.
Grant accetta con entusiasmo e negozia un contratto estremamente favorevole: oltre ai 450.000 dollari di compenso base, ottiene una percentuale sui profitti del film e un extra di 5.000 dollari al giorno per ogni giorno di riprese che superi le sette settimane previste.

La MGM cerca di imporre come protagonista una star della sua scuderia: l’attrice e ballerina Cyd Charisse, famosa per la sua eleganza e presenza scenica. Cary Grant, invece, reduce dalle riprese di Un marito per Cinzia, propone Sophia Loren, con cui ha recentemente lavorato e per cui nutre un forte interesse. Ma Hitchcock, come sempre, sorprende tutti.
Il regista sceglie Eva Marie Saint, che ha da poco interpretato un ruolo molto diverso in L’albero della vita accanto a Montgomery Clift, dove vestiva i panni di un personaggio innocente. Per di più, Saint ha da poco partorito, il che rende la sua selezione per il ruolo di una sofisticata spia ancora più inaspettata. Molti a Hollywood sono scettici: Saint viene spesso definita con l’espressione americana "plain Jane", traducibile come "Jane la semplice", e la sua immagine non sembra corrispondere a quella della femme fatale. Ma Hitchcock non ha dubbi: sente di aver trovato l'attrice giusta per incarnare la bionda misteriosa che ha in mente.
 

In una delle mie scene preferite del film Nodo alla gola, quella del dialogo sul cinema, Hitchcock fa dire ai suoi personaggi che il cattivo perfetto sarebbe James Mason. Ci sono voluti solo 11 anni, ma alla fine Hitchcock è finalmente pronto a includerlo in un suo film. James Mason, attore inglese che debutta a Hollywood nel 1949 con Presi nella morsa, si afferma rapidamente interpretando personaggi dal fascino ambiguo, grazie al suo bell’aspetto e alla voce profondamente minacciosa.
In Intrigo internazionale, Mason dà vita a Phillip Vandamm, un villain raffinato e calcolatore, che esercita il suo potere con calma e controllo. Con la sua eleganza e una freddezza che incute timore, Vandamm rappresenta un antagonista diverso, sofisticato ma spietato. La sua interpretazione rende Vandamm una figura minacciosa, capace di manipolare senza mai perdere la sua compostezza.

 

Per il ruolo di Leonard, il braccio destro di Vandamm, Hitchcock sceglie Martin Landau, un giovane attore che nota a Broadway nello spettacolo Nel mezzo della notte, accanto a Edward G. Robinson. Landau, unico altro studente ammesso all'Actors Studio di Lee Strasberg nel 1955 (l’altro è Steve McQueen), si sta già affermando come uno degli attori più promettenti della sua generazione.
Nonostante il personaggio interpretato nello spettacolo fosse molto diverso da Leonard — un uomo macho e un po’ sciocco — Hitchcock è convinto che Landau abbia la versatilità necessaria per il ruolo. Landau, con la benedizione di Hitchcock, decide di caratterizzare Leonard come un personaggio gay. "La mia logica", racconterà l’attore, "è che Leonard voleva sbarazzarsi di Eve Marie Saint con così tanta determinazione che doveva essere innamorato del suo capo, Vandamm." Questa scelta aggiunge una nuova dimensione al personaggio, creando una sottile rivalità tra Leonard ed Eve, che si percepisce nel modo in cui Leonard cerca di escluderla dai piani e minare la sua posizione accanto a Vandamm.
Dopo Intrigo internazionale, Landau continua a lavorare nello spettacolo. Nel 1963 interpreta Rufio in Cleopatra, e negli anni '60 e '70 diventa ancora più celebre grazie alle serie TV di culto Mission Impossible e Spazio 1999.

Per il ruolo della madre di Roger Thornhill, Hitchcock sceglie Jessie Royce Landis, che aveva già interpretato la madre di Grace Kelly in Caccia al ladro (di cui ho parlato qui). Attrice affermata negli anni '30, Landis torna al cinema nel 1949 con Mr. Belvedere va in collegio (trovate qui il mio articolo) e, qualche anno dopo, recita nuovamente nel ruolo di madre in Il cigno (ve ne ho parlato qui). Dopo la sua apparizione in L'impareggiabile Godfrey, Hitchcock la richiama per vestire i panni della madre di Cary Grant.
Sebbene la Landis abbia solo sette anni più di Grant, riesce a creare un personaggio ironico e affettuoso. La sua Clara Thornhill, scettica e incredula di fronte alle folli avventure del figlio, dona al film momenti di brillante umorismo, stemperando la tensione. Con la sua verve naturale e il tempismo comico perfetto, Landis trasforma Clara in una figura memorabile, divertente e autorevole al tempo stesso.

Le riprese di Intrigo internazionale iniziano nell'agosto del 1958 a New York, con le prime scene girate all'esterno del famoso Plaza Hotel. Hitchcock, che ha sempre avuto un rapporto complicato con le forze dell'ordine — fin da quando, da bambino, il padre lo fece chiudere in una cella per pochi minuti come punizione — si scontra con problemi logistici durante queste riprese. A causa della mancanza di coordinamento con la polizia, la sicurezza sul set viene compromessa, specialmente durante la scena affollata davanti al Plaza, creando non pochi disagi.
Le riprese si spostano poi a Long Island, nella Contea di Nassau, presso l'Old Westbury Gardens, l'ex tenuta dell'uomo d'affari John Shaffer Phipps. Se questa villa vi sembra familiare, avete ragione: è la casa del padre di Oliver in Love Story (1970) e compare anche nel suo sequel, Oliver's Story (1978), oltre che in diversi altri film. Questa location è stata utilizzata per rappresentare la sontuosa villa di Phillip Vandamm nel film.

Hitchcock deve affrontare un problema quando si tratta della scena al Palazzo delle Nazioni Unite, perché non è consentito filmare all'interno. L'espediente usato è filmare l’arrivo di Cary Grant davanti al Palazzo dall'altra parte della strada, utilizzando una cinepresa nascosta in un furgone di un’impresa di pulizie. Per riprodurre gli interni del palazzo, Hitchcock assume un fotografo per catturare clandestinamente immagini dettagliate, che serviranno a ricreare gli ambienti come set in studio e trasparenze di sfondo. La tecnica del matte painting, una tradizione usata fin dai tempi di Via col vento, viene impiegata per realizzare parte degli sfondi dipinti, come l'inquadratura dall'alto dell'atrio del Palazzo e le scene in cui Roger Thornhill fugge dopo l'assassinio.

Durante queste riprese, Cary Grant, confuso dalla complessità della trama, confessa a Hitchcock di non capire molto della storia. Il regista, divertito, gli risponde che questo è un buon segno, perché significa che il film sta venendo bene. Inoltre, Hitchcock consiglia a Eva Marie Saint di abbassare la voce, evitare di gesticolare troppo e di guardare Cary Grant dritto negli occhi per ottenere una performance più intima e controllata.
Una delle scene più iconiche del film è il bacio sul treno tra Roger Thornhill e Eve Kendall. Hitchcock, che solitamente fa girare la cinepresa intorno agli amanti per intensificare la scena, in questo caso, a causa dello spazio limitato dello scompartimento, fa girare gli attori intorno alla telecamera, ottenendo lo stesso effetto di intimità.

Dopo New York, la produzione si trasferisce in treno a Chicago per girare alla stazione di LaSalle Street, all'Omni Ambassador Hotel e al Midway Airport. Contemporaneamente, il produttore Herbert Coleman inizia a cercare una location adatta per la famosa scena dell'attacco aereo, esplorando l'area intorno all'Indiana e all'Iowa, ma senza successo. Alla fine, Coleman individua un'autostrada desolata vicino alla San Joaquin Valley, in California, che risponde perfettamente alle esigenze di Hitchcock.

Questa scena è una delle più memorabili del film, e Hitchcock sovverte volutamente i cliché delle scene di agguato: invece di una notte buia e piovosa con una macchina che si avvicina alla vittima, decide di ambientare l'azione in pieno giorno, in una pianura deserta, senza musica e senza ombre. Per girare la scena, legano quattro cavi a una gru per mantenerla stabile durante le riprese. Sebbene fosse ottobre, il caldo era intenso e, in una rara occasione, Hitchcock indossa una camicia a maniche corte sul set.
Le riprese durano tre giorni. La troupe filma un vero aereo che precipita in picchiata in un canale di scolo. In seguito, Cary Grant viene ripreso in un teatro di posa mentre salta in un finto canale di scolo, con il filmato dell'aereo proiettato alle sue spalle. La scena, che dura sette minuti senza dialoghi, rompe la classica regola del punto di vista. Hitchcock passa da una soggettiva, che segue Roger Thornhill, a un'inquadratura oggettiva, mostrando l’aereo avvicinarsi, preparando così lo spettatore alla minaccia prima che il velivolo si abbassi per attaccare. Questa scelta aumenta la tensione e rende la sequenza molto più efficace, distinguendola dalla tipica scena di agguato notturno.

Il Dipartimento degli Interni degli Stati Uniti non concede il permesso per girare scene di violenza sul monumento nazionale del Monte Rushmore, costringendo Hitchcock a ricreare le sequenze in studio. Questo divieto, però, genera una grande pubblicità per il film. Un giornalista, in tono ironico, commenta che Hitchcock "farebbe meglio a tornarsene in Inghilterra e far scorrazzare i suoi attori sulla faccia della Regina."

La sequenza del Monte Rushmore che vediamo nel film è stata realizzata negli studi MGM con una struttura alta 9 metri e larga 45 con porzioni delle pareti rocciose realizzate in gommapiuma. Durante le riprese, Eva Marie Saint scivola e si ferisce, ma Hitchcock decide di mantenere la scena nel film per il suo realismo.

La casa di Vandamm in Intrigo internazionale è stata progettata da Robert Boyle ispirandosi allo stile dell'architetto americano Frank Lloyd Wright, in particolare alla celebre Fallingwater. Sebbene sembri una villa reale, la struttura non è mai stata costruita. Gli interni furono girati in un set realizzato agli studi MGM, mentre gli esterni utilizzarono matte paintings creati da Matthew Yuricich. Per le riprese lontane, Hitchcock ha rivelato a Truffaut di aver usato un modellino in miniatura della casa di Wright. La casa, con la sua architettura moderna e l'uso di materiali come pietra, legno e vetro, riflette il principio di Wright di integrare l'architettura con la natura circostante. Boyle e Hitchcock hanno volutamente ricreato un'architettura che richiamasse la sensazione di movimento fisico, tipico delle opere di Wright, creando un effetto di compressione e apertura che si percepisce anche nel film.
 

Il bosco che circonda la villa è stato ricreato in studio, trapiantando pini ponderosa per simulare l'ambiente naturale. Nonostante la MGM volesse tagliare la scena tra i due innamorati che si svolge qui, Hitchcock riesce a mantenerla grazie a una clausola nel suo contratto, che gli garantisce il controllo artistico totale sul film.
 

I Costumi

Gli abiti giocano un ruolo fondamentale nel definire il fascino e la personalità dei protagonisti. La MGM incarica la loro capo costumista Helen Rose di realizzare gli abiti per Eva Marie Saint, ma Hitchcock non è soddisfatto del risultato. Considera di coinvolgere Edith Head, ma decide infine di gestire la questione personalmente, portando Eva Marie Saint a fare shopping nel lussuoso Bergdorf Goodman di New York. Gli abiti che il personaggio di Eve Kendall indossa sono il frutto di questa selezione personale.
Uno degli abiti più memorabili è il vestito di seta nera con motivi floreali rossi, caratterizzato da una scollatura che cade quasi fuori dalle spalle e una schiena scoperta. L’anello e la collana di Eve riprendono il rosso delle rose sull’abito, dimostrando l’attenzione di Hitchcock ai dettagli. 

Nella scena finale Eve indossa un completo di lana arancione con un dettaglio particolarissimo che vi confesso di non aver mai visto prima: un foulard cucito direttamente nel collo dell’abito. Sopra indossa una giacca dello stesso colore e una stola di lana a quadri. Questo look sottolinea la sua raffinatezza e allo stesso tempo la forza del personaggio, pronta a combattere per la sua vita.

Hitchcock ha spesso vestito le sue protagoniste con il verde, basta pensare a Gli uccelli, La finestra sul cortile, Marnie. Ho trovato la foto di un abito che avrebbe dovuto indossare Eve nella scena del treno, ma alla fine non è stato utilizzato. Avete già capito di che colore era? Ovviamente verde!

Cary Grant, nel ruolo di Roger Thornhill, è impeccabile nel suo completo grigio in lana pettinata, realizzato da Kilgour, storica sartoria di Savile Row. Grant, noto per utilizzare il suo guardaroba personale nei film, porta questo stile al massimo livello in Intrigo internazionale. Hitchcock sottolinea: "Non stai solo interpretando un personaggio, ma anche la personalità di Cary Grant". Il completo è progettato nei minimi dettagli per creare una silhouette snella, camicia impeccabile con gemelli, cravatta grigia, con calze grigie abbinate e l’assenza di cintura per accentuare l’eleganza. Le scarpe Derby marrone cioccolato aggiungono un contrasto raffinato, mentre gli occhiali da sole in tartaruga arancione con lenti verdi, sebbene insoliti, conferiscono un tocco di modernità senza tempo.

Per quanto riguarda le acconciature, Hitchcock si affida a Sydney Guilaroff, leggendario parrucchiere di Hollywood, che inventa l'iconica acconciatura di Eve. (Di lui vi parlerò presto perché ha una storia interessantissima: è l’autore del celebre caschetto di Louise Brooks, ha tinto di rosso i capelli di Lucille Ball e tagliato la frangetta a Claudette Colbert, oltre ad aver creato acconciature per innumerevoli film). Guilaroff, con la sua maestria, crea per Eva Marie Saint un look sofisticato e seducente, perfettamente in linea con il mistero che avvolge il suo personaggio. La combinazione di costumi e acconciature non solo esalta la bellezza degli attori, ma diventa parte integrante della narrazione visiva del film, amplificando tensione ed eleganza.

In Intrigo internazionale, Alfred Hitchcock appare brevemente subito dopo i titoli di testa, mentre tenta di salire su un autobus, ma la porta gli si chiude in faccia, in una scena ironica. Hitchcock ha sempre collocato i suoi cameo nella prima parte dei film perché sapeva che questo gioco tra lui e gli spettatori poteva distrarli dal resto della storia. Così, una volta trovato il cameo, il pubblico poteva rilassarsi e godersi la trama senza aspettare ulteriori sorprese. È un piccolo tocco che rende ogni suo film ancora più personale e memorabile.

La colonna sonora

A realizzare le musiche di Intrigo internazionale è Bernard Herrmann, alla sua quinta collaborazione con Hitchcock dopo La congiura degli innocenti, L'uomo che sapeva troppo, Il ladro e La donna che visse due volte. Per questo film, la MGM aveva inizialmente richiesto una partitura con influenze jazz, stile Gershwin, ma Herrmann decide di seguire una strada diversa, utilizzando ritmi sudamericani alternati tra 3/4 e 6/8, che conferiscono alla musica un'energia vivace e dinamica, perfettamente in sintonia con il ritmo incalzante del film.
Herrmann usa solo tre temi principali. Il primo è il tema d'azione, che si sente già durante i titoli di testa e accompagna le scene più frenetiche. Poi c’è il tema d'amore, dolce e romantico, che sottolinea la relazione tra Roger Thornhill ed Eve Kendall. Infine, c’è un tema di suspense, breve e inquietante, che appare nei momenti più tesi, spesso suonato dai bassi e dagli ottoni.
Uno degli elementi più interessanti della colonna sonora è la capacità di Herrmann di sapere quando non usare la musica. Nella celebre scena in cui Cary Grant viene inseguito da un aereo in una pianura deserta, non c’è musica. Questo silenzio, interrotto solo dal rombo dell'aereo, aumenta la tensione. La colonna sonora entra solo alla fine, quando l'aereo esplode, e l’orchestra esplode con esso, amplificando l'impatto emotivo della scena.

Nella scena in cui Roger si chiude in bagno per fingere di fare la doccia, fischietta Singin in the rain. L'ho adorato!!

I Titoli di testa

L'inizio del film è quasi un capolavoro a sè stante, e porta la firma del leggendario Saul Bass, uno dei più grandi grafici e designer del cinema. Hitchcock decide di affidarsi a lui per creare un'introduzione visiva in grado di catturare subito l'attenzione del pubblico. Il risultato è una sequenza che, per la prima volta, utilizza la tipografia cinetica, ovvero testi che si muovono dinamicamente sullo schermo.
La grafica dei titoli è semplice ma potentissima: linee rette verdi che si incrociano su uno sfondo neutro, mentre i nomi degli attori e della troupe appaiono e scompaiono da diverse direzioni, in sincronia con la colonna sonora vibrante di Bernard Herrmann. Queste linee si rivelano presto essere le finestre di un grattacielo, collegando visivamente l’introduzione all’ambiente urbano di New York, dove ha inizio la storia. 

I titoli di testa riflettono perfettamente la natura del film: dinamismo, tensione e precisione. La scelta di usare una grafica astratta e minimalista, con l'accompagnamento del ritmico e incalzante tema musicale di Herrmann, dà immediatamente allo spettatore l'impressione di trovarsi di fronte a un thriller sofisticato e coinvolgente.

La Censura

Hitchcock si trova a dover fare i conti con il Codice di Produzione, la rigida censura che regolamenta i contenuti dei film di Hollywood. Durante il montaggio di Intrigo internazionale, l’ultima scena del film — in cui Roger Thornhill tira Eve Kendall nel letto del vagone del treno — viene contestata dagli ufficiali del Codice. Anche la battuta di Eve, "I never make love on an empty stomach", viene considerata troppo esplicita. 

Per evitare problemi, Hitchcock acconsente a ridoppiare la battuta con un più innocuo "I never discuss love..." (dal labiale però si vede la battuta originale) e modifica la scena finale per far capire che Thornhill e Kendall sono ora sposati.
Ma Hitchcock, noto per la sua abilità nel giocare con i limiti imposti, non si lascia scoraggiare. Riesce infatti a inserire un’ironia sottile con la famosa scena del treno che entra in un tunnel, una chiara allusione sessuale. Questa scena, che pare non fosse prevista nello script originale, non viene sottoposta per l’approvazione agli ufficiali del Codice, regalando così al pubblico un ultimo colpo di scena velato ma pungente. Lui stesso lo definirà «il finale più impertinente che abbia mai girato». 

Foto sul set

Le riprese terminano il 16 dicembre 1958, dopo 78 giorni di lavoro intenso. Il film viene presentato in anteprima il 1º luglio 1959 al United Artists Theatre di Chicago, ricevendo subito un'accoglienza calorosa. Ad agosto, il film arriva a New York, con una spettacolare programmazione di sette settimane al Radio City Music Hall, segno del grande interesse che aveva già suscitato.

Nonostante il successo di pubblico e critica, agli Oscar del 1960 Intrigo internazionale ottiene tre candidature senza vincere: Migliore sceneggiatura originale, Migliore scenografia e Miglior montaggio. Tuttavia, Cary Grant si porta a casa un importante riconoscimento internazionale, il David di Donatello come Miglior attore straniero, a conferma della sua performance iconica nel ruolo di Roger Thornhill.

QUOTES:

Roger: nel mondo della pubblicità non esistono le bugie, solo parecchia esagerazione.

Vandamm: Facciamo forse i furbi?
Roger: Certo un rapimento di quando in quando può far piacere ma questa sera sono di teatro, c'è una commedia a cui tengo e contrattempi di questo genere mi mandano in bestia.
Vandamm:Credo che la commedia che recita lei sia molto superiore 

Roger: Un momento e mi stia a sentire. Io sono un pubblicista, non una spia. Ho una ditta, una segretaria, una madre, qualche parente e diversi baristi che contano su di me e non intendo deluderli facendomi un pochino ammazzare.

poliziotto: Andiamo di là
Roger: Non voglio. (a un altro poliziotto) Lei chiami la polizia!

Roger: Pronto mamma? Sono tuo figlio Roger.
Clara: Roger? Dove sei?
Roger: Un momento ora chiedo. (al poliziotto) Dove sono?
Poliziotto: Polizia di Glenn Cove
Roger: Polizia di Glenn Clove
Clara: Roger sei ubriaco?
Roger: No mamma non sono ubriaco, quei due uomini mi hanno ficcato in gola una bottiglia di wiskey.
Clara: Wiskey puro?
Roger: Si liscio e senza ghiaccio!

Roger: Li acciufferemo e li condanneremmo. Aggressione e rapimento. Aggresisone con Wiskey, armi e automobili.

Roger: Una vera fortuna capitare qui.
Eve: La fortuna non c'entra affatto.
Roger: Il fato?
Eve: 5 dollari al cameriere perché la facesse sedere al mio tavolo.

CLIP: 

 LO SCAMBIO

LE NAZIONI UNITE

IL CORTEGGIAMENTO

 TURBATIVA D'ASTA

È incredibile pensare a quanto velocemente Intrigo internazionale sia schizzato tra i miei film preferiti. Vedete quanto sia importante non farsi guidare dai pregiudizi? Nonostante il mio scetticismo iniziale, Hitchcock è riuscito a farmi innamorare di questa storia fatta di intrighi, fughe mozzafiato e dialoghi perfettamente calibrati. Cary Grant incarna alla perfezione l'uomo comune intrappolato in una situazione straordinaria, e la chimica con Eva Marie Saint è elettrizzante. Anche senza un Oscar, questo film ha conquistato il cuore del pubblico e il mio, dimostrando ancora una volta che Hitchcock è, a pieno titolo, il maestro indiscusso della suspense e della narrazione.

ULTIMO MA NON PER IMPORTANZA: Se volete rimanere aggiornati sui miei articoli potete iscrivervi alla Newsletter che ho creato, è sufficiente cliccare su questo link https://blogfrivolopergenteseria.substack.com basta inserire la vostra mail e cliccare Subscribe, riceverete via mail la conferma dell'avvenuta iscrizione e ogni settimana quando uscirà un nuovo articolo sul blog verrete avvisati. Vi ringrazio per sostenermi sempre!

IMPORTANTE: Potete ascoltare questo articolo in formato audio. Su iPhone: aprite Safari, andate alla pagina dell’articolo, toccate AA nella barra indirizzi e scegliete “Ascolta pagina”. Su Android: aprite l’app Google o Google Chrome, aprite l’articolo, toccate i 3 puntini in alto a destra e poi “Ascolta la pagina”.

Bentornati al mio viaggio attraverso le colonne sonore!

Nella prima parte vi ho parlato di film non prettamente musicali con colonne sonore epiche, dandovi anche qualche consiglio su come acquistare vinili di seconda mano con serenità (potete recuperarla dopo qui). Nella seconda parte, abbiamo esplorato la genialità dei grandi compositori che hanno dato vita a melodie senza tempo (la trovate qui). Oggi vi porto dietro le quinte dei musical di Gene Kelly, il re indiscusso del genere.

Anche se i musical non sono esattamente il vostro genere preferito, c'è un lato di questi film che non tutti conoscono: la sfida immensa che la loro realizzazione comporta. Oltre alla bellezza delle coreografie e delle canzoni, dietro ogni film c'è un mondo di preparazione fisica estenuante, di sfide tecniche sul set, e di decisioni artistiche che trasformano ogni scena in un vero e proprio spettacolo visivo. Non è solo questione di ballare e cantare, ma di raccontare una storia attraverso ogni movimento, ogni melodia, e ogni dettaglio della scenografia.
Vi racconterò curiosità e aneddoti su come Gene Kelly, con la sua dedizione maniacale alla perfezione, sia riuscito a superare queste difficoltà, contribuendo alla creazione di alcune delle sequenze più memorabili della storia del cinema. 

Per esempio, sapevate che durante la ripresa della famosa scena di "Singin' in the Rain", Kelly aveva la febbre a 39°C, o che Debbie Reynolds, che non era una ballerina professionista, ha dovuto imparare tutto da zero? 

Questi film non sono solo un omaggio alla musica, ma una dimostrazione di quanto impegno, talento e passione servano per creare una magia che dura nel tempo.

Vinile sul piatto, la puntina scende delicatamente e il leggero crepitio ci annuncia che è tutto pronto. Le note iniziano a farsi sentire, ed eccoci pronti per un nuovo viaggio musicale.

Diciamolo, Gene Kelly non avrebbe bisogno di presentazioni.

Con la sua presenza scenica magnetica, ha rivoluzionato il cinema musicale, portando la danza a un livello completamente nuovo. Nato a Pittsburgh nel 1912, Eugene Curan Kelly è un artista poliedrico, capace di eccellere come ballerino, attore, cantante, coreografo e regista. Non è solo un volto del cinema, ma una vera e propria leggenda che ha cambiato per sempre il modo in cui il pubblico vedeva i musical. La sua capacità di fondere la grazia del balletto con l'energia fisica della danza moderna ha reso ogni sua performance una celebrazione di agilità, forza e precisione.

Ma quello che molti non sanno è quanto fosse perfezionista e esigente sul set, non solo con gli altri, ma soprattutto con se stesso. Gene Kelly non si accontentava mai: coreografie innovative, numeri musicali complessi e una costante ricerca della perfezione erano il suo marchio di fabbrica. E tutto questo non era solo per spettacolarità: Kelly credeva che la danza dovesse essere parte integrante della narrazione cinematografica, e che non fosse solo un momento di intrattenimento, ma un modo per raccontare una storia.
All'interno del sistema degli studios di Hollywood, Kelly riuscì a ritagliarsi una sua indipendenza creativa, imponendo la sua visione artistica. Collaborava strettamente con registi, scenografi e compositori, trasformando i suoi film in opere d'arte complete, dove ogni dettaglio era curato al millimetro.

Nella sua vita personale, Kelly si è sposato tre volte. Il suo primo matrimonio, nel 1941, è stato con l'attrice Betsy Blair, famosa per il suo ruolo nel film Marty (di cui vi ho parlato qui). La coppia è rimasta insieme per oltre 15 anni e ha avuto una figlia, Kerry. Dopo il divorzio, Kelly si è risposato con la coreografa Jeanne Coyne nel 1960, con la quale ha avuto altri due figli, Bridget e Timothy. Purtroppo, il matrimonio è terminato tragicamente nel 1973 con la morte prematura di Coyne. Il suo terzo e ultimo matrimonio è stato con Patricia Ward, di oltre 40 anni più giovane, con cui è rimasto fino alla sua morte nel 1996.

1) Un americano a Parigi

 

Nel 1950, Arthur Freed è a capo dell'unità musicale della MGM, una posizione che si è guadagnato dopo anni di successi come paroliere e produttore, realizzando alcuni dei musical più iconici dello studio. La sua abilità nel creare grandi successi lo porta a concepire un progetto ambizioso: fondere la musica di George Gershwin con l'arte visiva dell'impressionismo francese. Freed individua nel poema sinfonico An American in Paris, composto da Gershwin nel 1928, la base perfetta per un film. Poiché George Gershwin è scomparso nel 1937, Freed contatta il fratello Ira, ottenendo i diritti della sinfonia a una condizione: nel film dovranno essere utilizzati esclusivamente i brani di George. Freed accetta con entusiasmo, immaginando già il potenziale per un capolavoro musicale.

Affida la regia a Vincente Minnelli, con cui aveva già collaborato ne Il pirata (1948), e sceglie Gene Kelly come protagonista e coreografo. Per il ruolo femminile, inizialmente destinato a Cyd Charisse, la gravidanza dell’attrice impone un cambio di piani. Kelly ricorda di aver visto due anni prima una giovane ballerina di 16 anni, Leslie Caron, mentre si esibiva con il Ballet des Champs Elysées di Roland Petit. Colpito dalla sua grazia e dal talento, vola a Parigi per farle un provino e, dopo tre giorni, Leslie viene chiamata a Hollywood.

La sceneggiatura viene affidata a Betty Comden e Adolph Green, che costruiscono una trama attorno a un giovane pittore americano a Parigi, integrando magistralmente le musiche di Gershwin – tra cui brani celebri come "I Got Rhythm" e "Love Is Here to Stay" – all'interno della narrazione. 

Johnny Green, direttore musicale della MGM, amplia l'orchestra da 50 a 72 membri per dare maggiore forza alla partitura. Saul Chaplin si occupa dell’adattamento delle composizioni di Gershwin per il film e, nonostante le iniziali preoccupazioni di alterare un’opera così importante, riesce a creare un arrangiamento perfettamente in linea con la visione di Freed.

Ma entriamo ancora di più in questo musical attraverso i suoi brani. 

Il primo di cui voglio parlarvi è I Got Rhythm. In questa scena, Jerry Mulligan (Gene Kelly) canta e balla con un gruppo di bambini per le strade di Parigi. Kelly volle che i bambini fossero figli di immigrati francesi, non professionisti, per aggiungere un tocco di autenticità e spontaneità alla scena. Il risultato è un momento perfetto: la loro energia naturale e la gioia genuina si fondono con il carisma di Kelly, creando una scena vibrante e memorabile. La canzone, con il suo ritmo travolgente, incarna appieno la sensazione di libertà e gioia di Jerry, felice della sua vita parigina.

In Tra-la-la, Jerry è al settimo cielo per la sua relazione con Lise (Leslie Caron) e condivide il suo entusiasmo con Adam (Oscar Levant). Nonostante il carattere burbero di Adam, i due cantano e ballano in un numero spensierato che celebra l’amore. Tuttavia, la realizzazione della scena non fu affatto semplice: i passi di danza, veloci e complessi, vennero eseguiti in uno spazio ristretto, rendendo il numero una sfida tecnica non indifferente.

Lo spettacolare I'll Build a Stairway to Paradise, eseguito da Henri Baurel (Georges Guétary), è un omaggio agli sfarzosi spettacoli di Broadway. Henri canta mentre sale una scintillante scala rosa, con ogni gradino che si illumina al suo passaggio. Attorno a lui, eleganti ballerine scendono le scale mentre altre, disposte ai lati, reggono candele come fossero statue. Pare che, a causa del calore intenso dei riflettori, alcune delle ballerine siano svenute durante le riprese. Il numero trasuda ambizione e lusso, riflettendo perfettamente la scala verso il successo del personaggio di Henri.

Un’altra scena memorabile è quella del Concerto in F for Piano and Orchestra. In un surreale sogno ad occhi aperti, Adam (Oscar Levant) immagina di eseguire il concerto di Gershwin, ma nella sua fantasia non è solo il pianista: è anche il direttore d’orchestra e ogni singolo musicista. Suona violini, xilofono, timpani, e applaude persino se stesso con entusiasmo. Questa sequenza, carica di ironia e umorismo, è una parodia del mondo musicale e riflette l’ego di Adam in maniera brillante e divertente.

 

La storia del brano 'S Wonderful inizia nel 1927, quando George e Ira Gershwin la scrivono per il musical Funny Face. La melodia semplice e ripetitiva di George è subito memorabile, mentre Ira aggiunge un tocco colloquiale e giocoso, eliminando la “It” dal titolo per rendere il testo più intimo. Nel film, 'S Wonderful è eseguita da Jerry e il suo amico Adam mentre si godono la vita a Parigi, celebrando la gioia di un amore che sboccia.

Infine, arriviamo al gran finale: il celebre An American in Paris Ballet, un'esplosione di colori e movimenti che rende omaggio ai grandi pittori francesi come Renoir e Toulouse-Lautrec. Il balletto, lungo 17 minuti e costato 450.000 dollari, è una vera scommessa per Freed, poiché è interamente senza dialogo. Girato su 44 set diversi, è una delle sequenze più ambiziose del film. Gene Kelly e Leslie Caron esprimono le emozioni dei loro personaggi esclusivamente attraverso la danza, creando un momento di pura magia cinematografica.

La produzione deve anche affrontare un imprevisto: Nina Foch, una delle attrici principali, contrae la varicella, causando ritardi e richiedendo l'uso di trucco pesante nelle ultime scene per coprire le cicatrici. Nonostante questi ostacoli, Un americano a Parigi ottiene un successo straordinario, vincendo sei Oscar, tra cui quello per il Miglior Film, e venendo inserito nel National Film Registry per la sua rilevanza culturale e storica.

La mia traccia preferita: Forse vi stupirò, ma il mio brano preferito in Un americano a Parigi è forse uno dei più semplici. "I Got Rhythm" non ha complesse scenografie, decine di comparse o coreografie impossibili. Eppure, tutto funziona alla perfezione. Il carisma di Gene Kelly e la genuinità dei bambini creano un'atmosfera irresistibile di pura gioia.
Se vi sembra di avere una sensazione di “fiato corto” durante l'ascolto, c'è una ragione precisa: Gershwin ha costruito la melodia su un ritmo che sembra rincorrere se stesso. Le frasi iniziali, come "I got...", sono leggermente ritardate rispetto al battito principale, creando una tensione sottile che vi tiene in sospeso. Poi, la frase "Who could ask for anything more?" arriva con un’esplosione di energia, liberando tutto il dinamismo accumulato. Questo gioco tra attesa e risoluzione rende il brano estremamente vivace, perfetto per la spensieratezza della scena.
Kelly inizia la scena come un vero e proprio direttore d’orchestra, facendo cantare i bambini sulle parole "I've got...", mentre anticipano ritmicamente il suo "rhythm". Man mano che il numero prosegue, l’entusiasmo cresce: sia Kelly che i bambini alzano il volume delle loro voci, seguiti dagli strumenti che li accompagnano. A un certo punto, i violini pizzicati entrano delicatamente, creando uno sfondo leggero per il numero di tip-tap di Kelly, che dona ulteriore ritmo alla scena. Infine, il tema musicale esplode in modo festoso con l'ingresso di archi e ottoni, fino a un finale travolgente che lascia tutti col sorriso.

 

2) Cantando sotto la pioggia

Nel 1951, dopo il successo di Un americano a Parigi, Arthur Freed, capo dell'unità musicale della MGM, decide di intraprendere un nuovo progetto musicale basato su alcune delle canzoni che lui stesso aveva scritto insieme a Nacio Herb Brown negli anni '20 e '30. Una delle canzoni chiave del progetto è la celebre "Singin' in the Rain", già utilizzata nel film The Hollywood Revue of 1929, attorno alla quale ruoterà la storia del nuovo film. L’idea di Freed è di realizzare un musical che celebri la transizione dal cinema muto a quello sonoro, ambientando la trama in quel cruciale periodo storico di Hollywood.

Dopo aver completato Un americano a Parigi, Freed propone il ruolo da protagonista a Gene Kelly, che accetta con entusiasmo e assume anche il compito di coreografare e co-dirigere il film insieme a Stanley Donen. Kelly, già uno dei più grandi nomi del musical hollywoodiano, porta la sua abilità di ballerino e la sua visione coreografica unica, trasformando il progetto in una delle opere più iconiche della storia del cinema.
A soli 16 anni, Debbie Reynolds viene eletta Miss Burbank, un concorso di bellezza che cattura l'attenzione di un talent scout della Warner Bros., che la mette sotto contratto. Dopo due anni, Reynolds passa alla MGM e ottiene il suo primo grande successo con la sorprendente performance nel film Due settimane d'amore. È grazie a questa performance che Freed decide di promuoverla al ruolo di protagonista femminile in Cantando sotto la pioggia. Nonostante non fosse una ballerina professionista, Reynolds affronta la sfida con impegno, sottoponendosi a tre mesi di prove sotto la guida severa di Kelly (e grazie anche all'aiuto di Fred Astaire che si è offerto di aiutarla).

La canzone "Make 'Em Laugh", interpretata da Donald O'Connor, viene creata appositamente per il film, anche se prende chiaramente spunto da "Be a Clown" di Cole Porter. Le riprese durano tre giorni, durante i quali O'Connor esegue acrobazie incredibili, come correre su un muro, spingendosi ai limiti fisici. A causa dell'intenso sforzo richiesto dalla scena, O'Connor, che all'epoca fumava quattro pacchetti di sigarette al giorno, viene ricoverato in ospedale dopo il termine delle riprese. 

Un altro numero di cui voglio parlarvi è "Moses Supposes". In questa scena Don e Cosmo trasformano una monotona lezione di dizione in un'esuberante performance di tip-tap. Annoiati dagli esercizi ripetitivi del loro insegnante, iniziano a giocare con lo scioglilingua "Moses supposes his toeses are roses", dando vita a una sequenza musicale caratterizzata da una melodia ostinata, ovvero un motivo musicale ripetuto insistentemente, che crea un ritmo coinvolgente e dà struttura al brano. Stanley Donen, il regista, ha definito questo numero "il miglior numero di tip-tap che sia mai stato fatto al cinema". La canzone, con il suo ritmo incalzante e le coreografie impeccabili, incarna perfettamente lo spirito ribelle e creativo dei personaggi, rendendo la scena vibrante e indimenticabile. 

Nella sequenza di "Good Morning", Reynolds, Kelly e Donald O'Connor si esibiscono in un numero energico e perfettamente coreografato. Tuttavia, per Reynolds, la scena rappresenta una delle prove più difficili della sua carriera. Dopo ore di riprese, le sue scarpe sono intrise di sangue, ma la sua performance rimane un esempio straordinario di resistenza e dedizione. La coreografia, che celebra l'amicizia e l'ottimismo dei personaggi, è una delle più memorabili del film.

Inizialmente, la canzone "Singin' in the Rain" era stata pensata come un numero corale, ma nelle revisioni successive diventa un assolo per Gene Kelly. La celebre scena viene girata il 17 luglio 1951 nel backlot della MGM, dove la luce del giorno viene oscurata con teli neri per simulare una notte piovosa. Le riprese affrontano problemi tecnici: la pressione dell'acqua cala ogni sera quando i residenti accendono gli irrigatori dei giardini. Kelly, nonostante una febbre di 39°C, si esibisce in una delle performance più iconiche della sua carriera, trasformando il semplice atto di camminare sotto la pioggia in un capolavoro di danza e cinema.

Il balletto "Broadway Melody", della durata di 13 minuti, è uno dei momenti più ambiziosi e controversi del film. Gene Kelly inizialmente pensava fosse troppo lungo, e il co-regista Stanley Donen arrivò persino a tagliarne una parte per alcune proiezioni private, temendo che interrompesse il flusso della narrazione. La sequenza è stata voluta da Arthur Freed, non da Kelly, come un grande numero spettacolare per il film, nonostante non contribuisca direttamente alla trama principale.
Il balletto racconta il sogno di Don Lockwood (Kelly), rappresentando il suo desiderio di successo a Broadway. La sequenza inizia con un imponente set dominato da insegne al neon e vivaci ballerini. La scena si sviluppa in una parabola sul successo e le tentazioni dello show business, con la comparsa della "vamp" interpretata da Cyd Charisse, simbolo della corruzione e del potere. Con il suo vestito verde, Charisse seduce il protagonista, portando con sé il richiamo del denaro e del compromesso artistico. Nel finale, il sogno del ballerino si trasforma in una visione onirica con la vamp che diventa una figura innocente e idealizzata, prima che il protagonista si risvegli. Durante questa scena, il suo lungo velo bianco viene mosso a ritmo di musica grazie a macchine del vento, che soffiano sincronizzate per creare un effetto visivamente poetico. La sequenza è un grande esempio di "cinema puro", dove la danza, la scenografia e il montaggio raccontano una storia senza dialoghi, riflettendo il conflitto interiore tra arte e successo commerciale.

La scena conclusiva del film si svolge al Grauman’s Chinese Theatre di cui è stata realizzata una copia (se non conoscete la storia di questo leggendario teatro potete recuperare il mio articolo qui), dove viene svelato che dietro il sipario, la vera voce che canta per Lina Lamont (interpretata da Jean Hagen) è quella di Kathy Selden, il personaggio interpretato da Debbie Reynolds.
 

Cantando sotto la pioggia non ha ottenuto grandi riconoscimenti al momento della sua uscita, con solo due nomination agli Oscar, ma è diventato un classico intramontabile, celebrato come uno dei migliori film della storia del cinema. Oggi è al primo posto nella lista dei migliori musical dell'American Film Institute e, nel 1989, è stato selezionato per la conservazione nel National Film Registry per la sua importanza culturale e storica.
 

La mia traccia preferita: non può che essere "Singin' in the Rain", un momento di pura magia cinematografica, in cui la gioia e la leggerezza dell'amore appena sbocciato si fondono in un'esplosione di musica e danza. La sequenza si apre con gli archi, che introducono un'atmosfera sognante e dolce, mentre Gene Kelly inizia a canticchiare "dum dim dum dum" con un sorriso accompagnato  xilofono accenna il tema principale, quasi in punta di piedi, preparando il terreno per la melodia che sta per esplodere.
Quando Kelly comincia a cantare la leggerezza dei suoi passi, quasi saltellati, è data dai fiati.
Gli archi lo seguono, riflettendo la sua spensieratezza e la leggerezza del momento. Uno dei momenti più iconici è quando si aggrappa al lampione, facendo roteare l'ombrello con nonchalance. Gli accenti sono accompagnati dagli ottoni.
Il tema musicale continua con un tripudio di archi che si intrecciano con la coreografia di tip tap, seguendo i suoi movimenti con un'energia crescente. Mentre il protagonista gioca con le pozzanghere, saltando e spruzzando acqua, gli ottoni e i piatti si fanno più presenti, accentuando il senso di gioia travolgente e la complicità con gli elementi naturali, bruscamente interrotto dal poliziotto.
Nel finale ritornano la delicatezza dello xilofono e i fiati, che accompagnano l’uscita di scena di Kelly. La musica chiude il cerchio, riportando lo spettatore alla serenità iniziale, ma con una nota di soddisfazione ed euforia.

3) Brigadoon

Se pensate che Arthur Freed, dopo il successo di Un americano a Parigi e mentre lavorava a Cantando sotto la pioggia, potesse limitarsi a un solo musical, vi sbagliate di grosso. Quell'uomo, con le mani in mano, proprio non ci riesce a stare. Nel 1951, decide infatti di acquistare i diritti di Brigadoon, il famoso musical di Broadway.
Brigadoon debutta a Broadway il 13 marzo 1947, diventando un successo immediato. È il primo grande trionfo per il compositore Frederick Loewe e il paroliere Alan Jay Lerner. Il musical si ispira alla fiaba tedesca Germelshausen, che racconta di una città che appare una volta ogni 100 anni, ma la storia viene trasportata nelle suggestive Highlands scozzesi. La magia e il mistero di questa ambientazione si fondono con una storia d'amore senza tempo, conquistando il pubblico: 581 repliche a Broadway e ben 685 a Londra. In una stagione che vede musical del calibro di Oklahoma!, Carousel e Annie Get Your Gun riempire i teatri, Brigadoon si distingue per la sua atmosfera incantata e la musica affascinante.
Freed, affascinato dal potenziale cinematografico della storia, mette il progetto in cantiere, ma la lavorazione di Cantando sotto la pioggia gli impedisce di avviarlo subito. Così Brigadoon resta in sospeso fino al 1953, quando viene finalmente ripreso. 

Per il protagonista, non ci sono dubbi: il ruolo è perfetto per Gene Kelly. Ma la scelta della partner femminile è tutt'altro che semplice. Inizialmente, il ruolo di Fiona viene assegnato a Kathryn Grayson, già al fianco di Kelly in Due marinai e una ragazza (1945), ma la Grayson lascia la MGM. Kelly vorrebbe Moira Shearer, ma gli impegni della ballerina con il Sadler Wells Ballet lo impediscono. Alla fine, viene scelta Cyd Charisse, il cui talento e grazia portano il ruolo a nuove vette. Charisse, però, viene doppiata nelle parti cantate da Carol Richards, che riesce a dare alla sua interpretazione un delicato accento scozzese.
Anche per il ruolo di Jeff ci sono incertezze. Arthur Freed spera di riunire Kelly con Donald O'Connor, ma quest'ultimo ha già lasciato la MGM. Così la parte va a Van Johnson, una scelta azzeccata, grazie al suo passato da ballerino.

Le riprese di Brigadoon si svolgono negli studi di Culver City, California, e non nelle Highlands scozzesi come inizialmente sperato. La politica di tagli al budget imposta da Dore Schary, subentrato a Louis B. Mayer, costringe la produzione a girare in studio. Ma la MGM non si risparmia. Viene creato uno dei set più spettacolari mai visti, con colline abbastanza robuste da sostenere i ballerini durante le danze. La salvia californiana, dipinta di color lavanda, simula l'erica scozzese, mentre le nebbie vengono realizzate con ghiaccio secco e vaporizzazione di olio. Gli alberi di plastica sono decorati con foglie vere e un ruscello di 23 metri scorre tra le valli del set, aggiungendo un tocco di realismo. L'art director Preston Ames crea un fondale dipinto così realistico che persino gli uccelli, volando, lo scambiano per il paesaggio reale.
La produzione setaccia anche Hollywood alla ricerca di suonatori di cornamusa, che però devono imparare a leggere la musica per eseguire le partiture del film.

Ma veniamo ai numeri musicali, "Down on MacConnachy Square" è uno dei brani più vivaci del film. Rappresenta il risveglio del villaggio, con i suoi abitanti che riprendono la vita quotidiana con la fiera del paese. Il set è pieno di colori brillanti e la coreografia sfrutta ogni angolo del villaggio per farci sentire immersi in quella comunità vibrante.

Un altro brano che spicca è "Waitin' for My Dearie", un dolce inno all'attesa del vero amore, cantato da Fiona (Cyd Charisse). Con la sua melodia sognante e malinconica, il brano cattura perfettamente il desiderio di Fiona di aspettare l'uomo giusto, anche se questo significa rimanere sola. Per lei, l'attesa del vero amore è preferibile a un matrimonio senza passione, e il suo sogno incarna un ideale romantico universale. La scena si svolge in una casa, dove Fiona, circondata dalle altre donne del villaggio, canta delle sue speranze per il futuro. Mentre le altre ragazze si mostrano più disposte ad accettare qualsiasi proposta pur di non rimanere sole, Fiona dichiara con fermezza che lei aspetterà il suo "laddie", anche se dovesse diventare una vecchia zitella. Ad un certo punto una delle ragazze, mascherata da uomo con baffi finti e una pentola in testa come cappello, la invita a ballare, portando una nota divertente alla scena. Le altre donne obiettano, dicendo che le notti senza un uomo sono interminabili, ma Fiona risponde con una frase che cattura l'essenza del suo ideale romantico: "La notte è ancora più lunga quando l'uomo non è quello giusto."

Non possiamo poi dimenticare "The Chase", un numero coreografato con estrema precisione che si snoda in una caccia drammatica. Gli uomini del villaggio inseguono Harry Beaton, che tenta di fuggire, sapendo che la sua fuga spezzerà il miracolo di Brigadoon. La tensione cresce con ogni passo di danza, culminando nel tragico destino di Harry. Ma la scena non rappresenta solo una caccia fisica: è anche il riflesso del dilemma interiore di Tommy, diviso tra il desiderio di tornare alla sua vita reale e la tentazione di rimanere nel mondo magico di Brigadoon. Questo balletto, pur nella sua intensità, esprime il tema centrale del film: l'amore che trascende il tempo e lo spazio.

Brigadoon, costato la considerevole cifra di 3 milioni di dollari, ottiene un più che discreto successo al botteghino con un incasso di 2,25 milioni di dollari, ma non riesce a recuperare completamente i costi di produzione. Il film viene nominato a tre Oscar: Migliore scenografia, Migliori costumi e Miglior sonoro. Tuttavia, nonostante il riconoscimento dell'Academy, Brigadoon non porta a casa nessuna statuetta.

La mia traccia preferita: Ok, qui ho davvero avuto difficoltà a scegliere, ma alla fine ha prevalso la magia di The Heather on the Hill. La canzone si apre con delicate note di flauto traverso, quasi come se fosse un risveglio graduale. Poi, pian piano, arrivano gli archi, accompagnando questo passaggio dal dormiveglia al sogno, e infine, la voce di Gene Kelly, che entra sussurrata e piena di un'aria sognante. Gli ottoni, in particolare il corno, aggiungono maestosità e profondità alla scena. Con il progredire della canzone, il ritmo diventa più vivace, e anche la voce di Kelly cresce in potenza, conferendo un senso di espansione e libertà. Ad un certo punto, Kelly lascia che siano gli archi a prendere il sopravvento, creando un’atmosfera quasi onirica, accompagnata dall'arpa che amplifica il senso di sogno. È in questo momento che inizia la coreografia sognante tra Gene Kelly e Cyd Charisse, un vero e proprio balletto della natura, con un cesto di vimini che si unisce a loro come fosse un'estensione dei loro corpi, seguendo i loro movimenti armoniosi. Un dettaglio divertente: quell'erica che sembrano raccogliere non è affatto erica, ma salvia dipinta di viola.

Ci tengo però a menzionare anche la dolcissima Waitin' for My Dearie, che mi ha ricordato Getting to Know You da "Il Re ed Io" e June Bride da "Sette spose per sette fratelli". Infine, la canzone che porta il titolo del film, Brigadoon, è una melodia suggestiva e avvolgente: la prima volta che l’ho ascoltata, mi è rimasta in testa per ore!

IMPORTANTE: Potete ascoltare questo articolo in formato audio. Su iPhone: aprite Safari, andate alla pagina dell’articolo, toccate AA nella barra indirizzi e scegliete “Ascolta pagina”. Su Android: aprite l’app Google o Google Chrome, aprite l’articolo, toccate i 3 puntini in alto a destra e poi “Ascolta la pagina”.

 “Sono stanco di accamparmi all’aperto. È arrivato il momento di costruire qualcosa che duri per sempre”.

È con queste parole che William Randolph Hearst si rivolge all'architetto Julia Morgan, affidandole il progetto per trasformare il suo ranch di San Simeon, sulla costa della California tra San Francisco e Los Angeles, in qualcosa di ben più solido di una tenda da campeggio. Nessuno, in quel momento, avrebbe immaginato che quel semplice desiderio si sarebbe evoluto in una costruzione di proporzioni mastodontiche, destinata a diventare una delle residenze più famose della storia: Hearst Castle.

Cosa rende la storia di questo luogo così affascinante da volerla condividere con tutti voi?”

Tutto inizia da William Randolph Hearst, uno dei più influenti magnati dell'editoria e dello spettacolo del XX secolo, a cui si è ispirato Orson Welles per il film Quarto Potere. Questa dimora doveva riflettere il suo gusto per il lusso e il suo potere sui media e la società. Non bastava una semplice casa: Hearst voleva un castello che celebrasse la sua grandezza e il suo status.

L’altra protagonista di questa storia è Julia Morgan, la prima donna a laurearsi alla prestigiosa École des Beaux-Arts di Parigi e pioniera dell’architettura negli Stati Uniti. È a lei una delle poche donne del tempo a lavorare come architetto, che Hearst affida l'incarico di trasformare il suo sogno in realtà. Morgan ha fuso l’eleganza delle architetture europee con la natura selvaggia e i materiali californiani, creando qualcosa di unico. Hearst Castle rappresenta l'incredibile ingegno di una donna che ha aperto la strada a generazioni future.

Infine, Hearst Castle è stato teatro di feste leggendarie. Le sue stanze hanno ospitato le più grandi star di Hollywood, insieme a produttori e registi di fama mondiale. Clark Gable, Charlie Chaplin, Greta Garbo e Cary Grant, e tante altre celebrità hanno partecipato a eventi sfarzosi e a tema che sono diventati parte del mito di questo luogo straordinario, rafforzando il fascino senza tempo di Hearst Castle.

Il Magnate visionario

William Randolph Hearst nasce nel 1863 a San Francisco, figlio di un senatore e imprenditore minerario. Cresce in una famiglia benestante e riceve un'educazione d'élite, prima alla St. Paul’s School nel New Hampshire e poi ad Harvard, da cui viene espulso per il suo comportamento ribelle, anche se questo non gli impedirà di costruire una carriera straordinaria.
Nel 1887 eredita dal padre la gestione del San Francisco Examiner e lo trasforma in uno dei giornali più letti della città, grazie a uno stile sensazionalistico che attira i lettori. Nel 1895 acquisisce il New York Journal, entrando in competizione con Joseph Pulitzer. Grazie alla sua espansione, Hearst riesce a creare un impero mediatico che influenzerà profondamente l'opinione pubblica americana.
Oltre al mondo del giornalismo, Hearst si appassiona al cinema, e nonostante il matrimonio con Millicent Willson e i loro cinque figli, la sua relazione con l'attrice Marion Davies diventerà una delle più significative della sua vita. Hearst investe ingenti risorse nella carriera di Marion, producendo film su misura per lei e garantendole successo attraverso i suoi giornali.
Negli anni '20 e '30, il suo impero mediatico si estende a giornali, riviste, radio e cinema, rendendolo uno degli uomini più potenti d’America.

La Pioniera dell'architettura

Nella stessa San Francisco in cui nasce William Randolph Hearst, undici anni dopo, nel 1872, viene al mondo Julia Morgan, la donna che lo avrebbe aiutato a realizzare il suo grande sogno. Cresciuta in una famiglia che incoraggia la sua curiosità e passione per l’ingegneria e l’architettura, Julia si laurea in ingegneria civile presso la University of California, Berkeley nel 1894, poiché in California non esistono scuole di architettura.
Dopo la laurea, lavora nello studio di Bernard Maybeck, architetto innovatore della Bay Area, che la sprona a trasferirsi a Parigi per studiare all'École des Beaux-Arts, la scuola di architettura più prestigiosa del mondo. Nel 1897, quando le donne vengono finalmente ammesse ai corsi, Julia si iscrive e, nel 1902, diventa la prima donna a laurearsi in architettura nella storia della scuola.
Tornata negli Stati Uniti, dopo una collaborazione con John Galen Howard, apre il proprio studio. Uno dei suoi primi incarichi di rilievo è la ricostruzione dell’Hotel Fairmont di San Francisco, distrutto dal terremoto del 1906, dove dimostra il suo talento nell'uso del calcestruzzo armato, una tecnologia d’avanguardia.
Il suo talento attira l’attenzione di Phoebe Hearst, madre di William Randolph, che la introduce al figlio, dando vita a una collaborazione destinata a segnare la storia. Il loro primo progetto insieme è l’Hearst Examiner Building a Los Angeles, realizzato tra il 1913 e il 1915.
Nel 1919, dopo la morte di Phoebe, William eredita l’immenso patrimonio di famiglia e decide di trasformare il ranch di San Simeon in qualcosa di leggendario: Hearst Castle.

Dalla carta alla realtà

L'idea iniziale di Hearst per 'La Cuesta Encantada' (la collina incantata) era quella di un rifugio semplice, ispirato ai bungalow californiani. Immaginava una serie di strutture con tetti a bassa pendenza, materiali naturali e un'estetica essenziale, che riflettesse la filosofia dei cottage del New England e dell'architettura giapponese in legno. Questa concezione iniziale prevedeva linee pulite e armoniose, utilizzando materiali locali per creare un'architettura funzionale e rispettosa dell’ambiente.
Questo sogno rustico si trasformò rapidamente in un complesso monumentale che sembra crescere e svilupparsi come un mosaico infinito per ospitare le enormi collezioni d'arte di Hearst e replicare le decorazioni dei castelli e delle cattedrali che aveva ammirato nei suoi viaggi in Europa (il progetto impegnerà Hearst e la Morgan per 26 anni).

L'intero complesso comprende l’edificio principale, Casa Grande, e tre cottage: Casa del Mar per la vista mozzafiato sull'Oceano Pacifico (con le sue 20 stanze, Hearst ci ha vissuto dal ‘23 al ‘27), Casa del Sol, che deve il suo nome all’abbondante luce naturale (formata da 18 stanze, riservata agli ospiti), e Casa del Monte, chiamata così per la sua vicinanza ai rilievi di Santa Lucia (la più piccola, composta da 10 stanze, che è stata la prima residenza di Hearst mentre il Ranch prendeva forma).

Tour di Casa Grande

La facciata di Casa Grande a Hearst Castle è ispirata all'architettura spagnola, in particolare alla chiesa di Santa Maria la Mayor a Ronda, in Spagna. Il maestoso edificio presenta due torri campanarie gemelle, ciascuna con 18 campane, che donano un aspetto quasi religioso all'insieme.
All’ingresso, un monumentale cancello in ferro battuto del XVI secolo, sormontato da una griglia a ventaglio in stile spagnolo, accoglie i visitatori.

Attraversando il maestoso ingresso, ci si trova di fronte all'immensa Assembly Room. Qui, ogni sera, William Randolph Hearst accoglieva gli ospiti con un cocktail di benvenuto, anche se l’alcol era consentito solo durante la cena.
Il soffitto a cassettoni in legno proviene da un palazzo italiano mentre alle pareti si trovano dei banchi provenienti dal coro di una chiesa. Il protagonista della sala è senza dubbio l’imponente caminetto rinascimentale, originario di un castello della Borgogna, accanto a quattro preziosi arazzi ispirati agli affreschi di Giulio Romano, raffiguranti episodi della vita di Scipione l’Africano.
Lunga 32 metri, la sala era così vasta che Hearst fece installare telefoni a entrambe le estremità per facilitare le conversazioni. L'intera casa era equipaggiata con uno dei primi sistemi audio, permettendo agli ospiti di scegliere la musica tramite un fonografo diffuso in tutte le stanze.
Nascosta accanto al caminetto, una porta segreta conduce, tramite un ascensore, all’appartamento personale di Hearst permettendogli di sorprendere gli ospiti con ingressi inaspettati.

Entriamo nella sala da pranzo, il Refectory, chiamato così perchè richiama il refettorio di un monastero. Il soffitto, un capolavoro in legno del XVI secolo, è composto da 15 grandi cassettoni decorati con sculture di Santi a grandezza naturale. Lungo le pareti ritroviamo i banchi del coro provenienti da una Cattedrale in Catalogna, mentre i vivaci stendardi di seta del Palio di Siena, appesi lungo i lati, aggiungono una nota di colore e movimento alla sala.
Al centro, le lunghe tavole in noce italiano accolgono gli ospiti. William Randolph Hearst sedeva sempre al centro della tavola principale, con Marion Davies di fronte a lui. L'illuminazione era garantita da candelabri d'argento, che riportavano alla mente le atmosfere delle chiese medievali. Nonostante l'eleganza e il lusso, su ogni tavolo spiccavano le bottiglie di ketchup Heinz e i tovagliolini di carta, un dettaglio che richiamava l'umiltà delle origini del ranch.

Nella Sala da biliardo, due imponenti tavoli attendono gli ospiti per sfide all'ultimo colpo. La stanza è decorata con un soffitto spagnolo del XV secolo, dipinto con scene di vita cortese, mentre lungo la parete troviamo un raro arazzo Millefleur fiammingo del XV secolo e un caminetto francese. Qui, uomini e donne si sfidavano a biliardo o pool, e la nipote di Marion Davies, Pat Lake — che molti ritengono fosse la figlia segreta di Hearst e Davies — ricordava che queste partite erano un momento di grande convivialità tra gli ospiti.

Nell'ala ricreativa ci accoglie anche il sontuoso Teatro privato di Hearst, con i suoi 50 posti a sedere, pronto a proiettare le anteprime più esclusive. Le pareti sono rivestite di damasco rosso e sono adornate da statue dorate che conferiscono alla sala un’eleganza classica.
In questo teatro, Hearst proiettò anche una copia di "Via col vento", che aveva ottenuto mesi prima della premiere ufficiale ad Atlanta. Ogni sera il film veniva proiettato due volte, una per gli ospiti e una per la servitù.
In caso foste di passaggio e desideriate vivere l'esperienza, con una spesa di circa 950$ è possibile organizzare una cena con proiezione privata all’interno di questa storica sala, un’opportunità unica per rivivere il lusso dei tempi di Hearst.

Concludiamo il piano terra con la visita alla Cucina, l'unica della tenuta A pranzo, gli ospiti potevano servirsi a buffet, mentre la cena offriva un menù diverso ogni sera, attentamente deciso da Hearst il quale anticipava per iscritto anche il titolo del film che sarebbe stato proiettato nel teatro privato. Praticamente tutto il cibo servito – manzo, cervo, pollame, pesce, uova, verdure e frutta – veniva prodotto nella tenuta stessa, garantendo freschezza e sapore autentico. Lo staff comprendeva il capo chef, il suo assistente, il pasticciere e lo chef per i dipendenti, affiancati da due maggiordomi e un team di camerieri. Al piano interrato si trovava la Cantina dei vini, protetta da pesanti porte di ferro e accessibile solo tramite le chiavi che Hearst custodiva personalmente, dove conservava una collezione di bottiglie pregiate, anche durante il proibizionismo.

Ora saliamo ai Piani Superiori, dove l'atmosfera diventa più intima e personale, riservata principalmente agli ospiti e alla famiglia di William Randolph Hearst. Situata esattamente sopra l'Assembly Room, la Main Library, destinata agli ospiti, presenta un soffitto basso decorato in stile ispano-moresco e pannelli di legno lungo le pareti che rendono l’ambiente accogliente e tranquillo, contiene oltre 5.384 volumi, inclusa una collezione di 150 vasi greci.  

Proseguiamo fino al terzo piano di Casa Grande, dove si nascondono gli spazi più intimi e personali.

La Gothic Suite è composta dalla camera da letto di Hearst, dalla camera di Marion Davies e da una zona salotto. Questa suite, completata nel 1927, riflette appieno l'amore di Hearst per l'arte gotica e i dettagli storici. Il soffitto della camera di Hearst è uno dei tesori più preziosi dell’intero castello, un'opera d'arte risalente al XIV secolo, proveniente da Teruel, in Aragona, Spagna, composto da archi a coste in legno policromo. Sebbene sia dominata da tonalità scure, la stanza è sapientemente illuminata grazie alle finestrature di cleristorio e da eleganti lanterne marocchine.Le pareti della camera sono adornate con fotografie di famiglia e opere religiose rinascimentali, un riflesso degli interessi personali di Hearst. Tra queste spicca una preziosa "Madonna con Bambino" della scuola senese di Duccio di Buoninsegna, uno dei pezzi più pregiati dell'intera collezione di Hearst.
 

Nella camera di Marion Davies, il protagonista è un elegante letto intagliato, con una testiera in legno riccamente decorata. Il soffitto ha un intricato disegno geometrico a stelle dorate su fondo blu, un omaggio al gusto moresco. 

La Gothic Library era il luogo dove William Randolph Hearst trascorreva gran parte delle sue giornate, immerso nei suoi libri e nei suoi studi. Questo spazio, ricco di fascino gotico, è decorato con un prezioso soffitto spagnolo del XV secolo, sapientemente inserito tra archi di cemento e dipinto da Camille Solon. Le librerie fiorentine con grate decorative custodiscono una vasta collezione di libri storici, testimoni della passione di Hearst per la cultura e l'arte.

Situata nelle torri campanarie, la Celestial Suite è stata descritta da Hedda Hopper che ci ha dormito spesso come uno “scrigno”. Composta da due camere ottagonali e un salottino, la suite è dotata di finestre i cui vetri sono stati trattati per far apparire la stanza sempre illuminata dal sole, anche nelle giornate nuvolose. Questa suite ha ospitato personaggi illustri come Winston Churchill e George Bernard Shaw. 

La Doge Suite prende il nome dai lussuosi appartamenti dei dogi veneziani. Il suo elemento distintivo è il balcone in marmo istriano, ispirato a quello del Palazzo Ducale di Venezia, da cui si gode una splendida vista sui giardini e sull'oceano.
Il soffitto proviene da un palazzo italiano del XVIII secolo, precedentemente acquistato dall'architetto Stanford White per la sua casa a New York. Dopo la sua morte, Hearst lo acquistò durante un'asta. Le pareti, rivestite di seta blu, fanno da cornice a un ambiente che evoca lo splendore del barocco. 

Gli esterni spettacolari

Usciamo dagli interni di Casa Grande per esplorare i magnifici spazi esterni, dove arte e natura si incontrano in armonia. La grande terrazza, affacciata sull’oceano, presenta un laghetto con nifee e pesci, con al centro una scultura di Galatea sul delfino di Giovanni Ansiglioni, non lontano da una copia delle Tre Grazie di Antonio Canova .

Casa Grande è collegata ai cottage circostanti attraverso un viale pavimentato, l'Esplanade. È qui che sorge una delle fontane più particolari della tenuta: una fontana in stile Art Deco, decorata con antiche statue della dea egizia Sekhmet, risalenti alle dinastie egizie del XVIII e XIX secolo (circa 1550-1189 a.C.). 

Passeggiando per il viale delle azalee, che Cary Grant aveva affettuosamente soprannominato "il viale degli amanti", ci si ritrova in un’area tranquilla e ombreggiata, adornata da panchine di marmo, perfette per concedersi un momento di relax in un ambiente naturale e intimo.
Attraversando la Terrazza panoramica si scende lungo una maestosa doppia scalinata che porta all'imponente Piscina di Nettuno, una delle meraviglie di Hearst Castle. Lungo il percorso si incontrano due porte che nascondono 24 spogliatoi con altrettante docce, perfettamente integrate nell’architettura monumentale.
Il colonnato curvo, che avvolge l'area, incornicia il tempio romano al centro della scena, la cui facciata è decorata con un complesso scultoreo raffigurante il Dio Nettuno. 

Al centro della vasca è posizionata la statua della Nascita di Venere, realizzata dallo scultore Charles Cassou. Intorno alla piscina si trovano altre quattro statue che rappresentano ninfe, cigni e cherubini. Di notte, l'illuminazione veniva garantita da eleganti lampade ispirate all'antica Roma.
La Piscina di Nettuno è comparsa nel film Spartacus con Kirk Douglas e nel video musicale di Lady Gaga per la canzone G.U.Y..
 

Ma se pensate che a William Randolph Hearst potesse bastare una sola piscina, vi sbagliate di grosso! Vi presento la Piscina Romana, una splendida piscina al coperto situata proprio dietro i campi da tennis (ah, non ve l'avevo detto? Sì, ci sono anche quelli!). Hearst commissionò a Julia Morgan la sua realizzazione, traendo ispirazione da due monumenti italiani che aveva visto durante i suoi viaggi: le Terme di Caracalla e il Mausoleo di Galla Placidia a Ravenna.
Interamente rivestita di mosaici blu, con tessere di vetro fuse con fogli d'oro, questa piscina è decorata con creature mitologiche marine come sirene e mostri marini, mentre alle pareti si trovano otto statue raffiguranti divinità e atleti romani. Completano il tutto lampade scolpite a mano in marmo e alabastro.
 

Credete che Hearst si sia accontentato di avere nel proprio ranch cavalli e bufali? Il suo zoo privato era decisamente da togliere il fiato. Parliamo di una vera e propria collezione di animali esotici: leoni, tigri, giaguari, elefanti, giraffe, cammelli, yak, zebre, scimmie, ma non finisce qui! C'erano persino antilopi e canguri che scorrazzavano nella tenuta.

 

 Le feste leggendarie e gli ospiti famosi

Ogni anno, il 30 aprile, Marion Davies organizzava una festa indimenticabile per il compleanno di William Randolph Hearst, coinvolgendo le più grandi star di Hollywood in celebrazioni sfarzose e a tema.

• 1932: Festa dei Bambini

In questa festa, gli ospiti dovevano travestirsi da bambini, regalando momenti di puro divertimento. Clark Gable, solitamente icona di virilità, fece ridere tutti vestito da boy scout, mentre la sempre sofisticata Joan Crawford sorprese tutti in un adorabile abito da bambina, completo di cappellino e cerchio. Tra gli invitati spiccavano anche Douglas Fairbanks, Bette Grable, Constance Bennett, Norma Shearer insieme al marito Irving Thalbergche contribuirono all’atmosfera giocosa della serata.

• 1933: 49er Party

In occasione del 70° compleanno di Hearst, fu organizzata la famosa 49er Party, ispirata alla febbre dell’oro del 1849. Il tema richiamava l'epoca dei pionieri americani, e la tenuta fu decorata con covered wagons (i carri coperti utilizzati dai pionieri per attraversare l'America nel XIX secolo). La MGM inviò sarte e costumisti per rendere perfetto ogni dettaglio, mentre star come Louella Parsons parteciparono con abiti a tema. L’atmosfera era scintillante, con gli ospiti che indossavano costumi da veri pionieri.

• 1934: Festa Tirolese

Nel 1934, Hearst Castle si trasformò in una festa ispirata ai costumi tirolesi, dove gli ospiti indossavano abiti tradizionali alpini. Gloria Swanson, Jean Harlow, e Constance Bennett sfoggiarono costumi colorati, mentre Harpo Marx animava la serata con i suoi scherzi. L’atmosfera evocava la bellezza delle Alpi e il fascino della cultura tirolese.

• 1938: Personaggi Storici

Il tema del 1938 fu "personaggi storici", e Norma Shearer arrivò vestita da Maria Antonietta, direttamente dal set del suo ultimo film “Marie Antoinette”. Tuttavia, la scelta non fu ben accolta da Marion Davies, che si sentì offesa poiché Hearst aveva sperato che quel ruolo andasse a lei. L’abito voluminoso di Norma costrinse persino a rimuovere le porte per farla entrare, e la pesante parrucca la fece lasciare la festa in anticipo, con un forte mal di testa. Alla festa era presente anche Hedy Lamarr con Reginald Gardiner, e l’attrice indossava anche lei uno dei meravigliosi abiti realizzati dallo stilista Adrian per “Marie Antoinette”.
 

Oltre alle feste, Hearst Castle fu il palcoscenico di scherzi e momenti esilaranti tra le star di Hollywood. Uno degli aneddoti più divertenti riguarda Cary Grant e il figlio di William Randolph Hearst, William Jr.. I due, grandi amici, si divertivano spesso a fare burle. Un giorno, decisero di salire su un aereo e lanciare farina sulla pista di atterraggio del piccolo aeroporto privato del ranch (ah, non ve l'avevo detto? Sì, Hearst Castle aveva anche un proprio aeroporto per far arrivare gli ospiti più illustri). Dopo aver cosparso di bianco tutta l'area, i due scherzosi amici si aspettavano di suscitare solo risate.
Tuttavia, William Hearst Senior non la prese affatto bene: infuriato, ordinò che le valigie di Cary Grant fossero immediatamente preparate e messe fuori dalla porta, segno che il loro scherzo aveva superato i limiti. Solo grazie all’intervento diplomatico di Marion Davies, Grant fu riammesso e il conflitto si risolse pacificamente.

Un altro episodio divertente riguarda Harpo Marx, che durante una festa rubò le pellicce delle signore e le mise sulle statue del giardino, provocando risate generali e lasciando sbalordite le invitate che cercavano i loro preziosi indumenti.

Tra gli altri ospiti ricordiamo James Stewart, Greta Garbo, Bette Davis, Charlie Chaplin, David Niven, Carole Lombard, i fratelli John e Lionel Barrymore con le rispettive mogli, Gary Cooper, Barbara Stanwyck solo per dirne alcuni.

 Un’eredità senza tempo

Dopo la morte di William Randolph Hearst nel 1951, il castello, un tempo simbolo del suo potere e lusso, fu donato allo Stato della California, diventando nel 1957 un parco storico statale e una delle attrazioni turistiche più amate.
E Julia Morgan? Dopo aver realizzato Hearst Castle, proseguì la sua carriera, firmando oltre 700 progetti, molti per organizzazioni femminili che la supportarono in un settore dominato dagli uomini. Si ritirò nel 1951 e, nel 2014, 57 anni dopo la sua morte, è diventata la prima donna a ricevere, seppur postuma, la Gold Medal dell'American Institute of Architects, sigillando così per sempre la sua eredità nell'architettura.
Hearst Castle non è solo pietra e mattoni, è il sogno di due persone che hanno osato immaginare l’impossibile. William Randolph Hearst ha voluto costruire più di un semplice castello; ha voluto lasciare un segno indelebile nel mondo. E Julia Morgan, con il suo talento, lo ha reso realtà, creando qualcosa di più grande di entrambi: un luogo che vive oltre il tempo.
Oggi, mentre attraversiamo le sue stanze o ammiriamo i suoi giardini, siamo testimoni di una storia che ha saputo intrecciare potere, arte e visione. Hearst Castle è un ricordo vivente di un'epoca irripetibile, e ci ricorda che i sogni, se abbastanza audaci, possono sopravvivere ai loro creatori, continuando a ispirare per generazioni. 

ULTIMO MA NON PER IMPORTANZA: Se volete rimanere aggiornati sui miei articoli potete iscrivervi alla Newsletter che ho creato, è sufficiente cliccare su questo link https://blogfrivolopergenteseria.substack.com basta inserire la vostra mail e cliccare Subscribe, riceverete via mail la conferma dell'avvenuta iscrizione e ogni settimana quando uscirà un nuovo articolo sul blog verrete avvisati. Vi ringrazio per sostenermi sempre!