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È sorprendente come un argomento che non avrei mai pensato di approfondire sia riuscito a catturarmi completamente. Anche in questa nuova tappa del nostro viaggio, i cocktail continuano a rivelarsi molto più che semplici bevande: sono testimoni di storie affascinanti e di momenti iconici del cinema classico. Per chi ha seguito i miei articoli precedenti, saprete già quanto mi sia appassionata al legame tra questi drink e le pellicole che hanno fatto la storia del cinema. Se ve li siete persi, potete recuperarli qui, qui e qui, ma non preoccupatevi, anche oggi ci sarà tanto da scoprire!

Lo avreste mai detto che a contribuire al successo del cocktail più antico del mondo, inventato nel 1841, è stato un gesto di ribellione femminile? Nel 1949, un gruppo di donne decise di infrangere le regole e cambiò per sempre la storia di un bar famosissimo a New Orleans. Ma questa è solo una delle tante storie che rendono i cocktail protagonisti non solo nei bicchieri, ma anche nelle pagine della storia.

Immaginate un farmacista, alle prese con un intruglio di foglie di coca, noci di cola e una spruzzata di acqua frizzante. La sua missione? Creare una bevanda che fosse stimolante, rinfrescante, e capace di lenire i dolori di una ferita di guerra. E proprio da quel miscuglio, nato per caso, prende vita una delle bevande più famose al mondo. Sì, avete capito bene: così è nata la Coca-Cola, ingrediente fondamentale del Cuba Libre. Oppure sapevate che il nome Bloody Mary non ha nulla a che vedere con la regina inglese Maria la Sanguinaria, ma piuttosto con un episodio curioso che coinvolse una donna di nome Mary e un vestito bianco macchiato di succo di pomodoro?

Come dite? Volete sapere la connessione con i film dov’è? Non temete, ogni cocktail sarà accompagnato dal film in cui è stato protagonista. I nostri compagni di viaggio oggi saranno star del calibro di Katharine Hepburn, Spencer Tracy, Joan Crawford e Robert Mitchum. Allacciate le cinture, perché sarà un viaggio sorprendente!

1) Sazerac

La Storia

Preparatevi, perché la storia che sto per raccontarvi è quella del cocktail considerato il primo della storia: il Sazerac. Questo celebre drink nasce nel cuore del Quartiere Francese di New Orleans, grazie a Antoine Amédée Peychaud, un farmacista di origine haitiana che si è stabilito in città all’inizio del XIX secolo. Nel 1841, Peychaud ha aperto la sua farmacia su Royal Street, dove ha iniziato a servire un drink speciale ai suoi amici, mescolando il cognac Sazerac-de-Forge et Fils, prodotto a Limoges, in Francia, con il suo personale Peychaud’s Bitters, una miscela di amari tramandata nella sua famiglia.
Il cognac scelto per questo drink proveniva dalla distilleria fondata da Bernard Sazerac de Forge a Limoges nel 1782. La sua azienda è diventata famosa per l’esportazione di brandy negli Stati Uniti, particolarmente apprezzato a New Orleans, una città fortemente influenzata dalla cultura francese.
Una sera Peychaud ha invitato alcuni amici nella sua farmacia e ha servito loro un drink che ha riscosso subito grande successo. Tra gli ospiti c’era Sewell T. Taylor, un commerciante di bevande che, impressionato dalla miscela, ha stretto un accordo con Peychaud per commercializzarla. Taylor ha iniziato a servire il cocktail nel suo Merchant’s Exchange Coffee House e ha apportato le prime modifiche, aggiungendo zucchero e assenzio, elementi che hanno conferito al cocktail il suo caratteristico profilo aromatico.

Intorno al 1870, però, una devastante epidemia di fillossera ha colpito i vigneti francesi, rendendo difficile la produzione di cognac. A quel punto, il whiskey di segale ha preso temporaneamente il posto del cognac nella preparazione del Sazerac. Tuttavia, grazie a nuove tecniche di produzione, la fillossera è stata debellata e il cognac Sazerac-de-Forge et Fils è tornato nella ricetta originale del cocktail.

L’introduzione dell’assenzio viene attribuita al bartender Leon Lamothe, che sul finire dell'Ottocento  ha aggiunto questa componente fondamentale al drink. Tuttavia, quando l’assenzio è stato proibito negli Stati Uniti nel 1912, è stato sostituito con l’Herbsaint, un liquore aniceo prodotto localmente. Quando l’assenzio è stato legalizzato nuovamente, è tornato nella ricetta, riportando il Sazerac alle sue origini.

Verso la fine del XIX secolo, Thomas Handy, allora gestore del Sazerac Coffee House, ha consolidato la ricetta e ha fondato la Sazerac Company, che ancora oggi produce il celebre cocktail insieme al Peychaud’s Bitters e all’Herbsaint.

Un evento leggendario che ha ulteriormente consolidato la fama del Sazerac è passato alla storia come lo "Stormin' of the Sazerac", l'assalto del Sazerac. Nel 1949, le donne non erano ammesse nei bar di New Orleans, tranne che durante il Mardi Gras (Carnevale). Tuttavia, il 26 settembre di quell'anno, un gruppo di donne fece irruzione nel Sazerac Bar del Roosevelt Hotel chiedendo di essere servite, rompendo una tradizione di lunga data. Questo evento non solo segnò un momento di rottura con il passato, ma divenne un simbolo del cambiamento sociale e dell'emancipazione femminile. L'hotel, intravedendo un'opportunità di marketing, trasformò l'accaduto in un evento per promuovere la nuova apertura del bar, continuando la tradizione celebrandola negli anni successivi come una festa annuale che ricorda l’episodio. 

Il nome

Battezzato in onore del pregiato cognac Sazerac-de-Forge et Fils, utilizzato da Antoine Amédée Peychaud per creare il cocktail nella sua farmacia nel cuore di New Orleans a metà del XIX secolo, il Sazerac deve il suo nome al distillato francese che ne definì il carattere distintivo. Questo cognac fu così fondamentale per la ricetta originale che divenne parte integrante dell'identità del drink, trasformandolo in uno dei primi cocktail iconici della storia americana.

La ricetta

    5 cl di Cognac
    1 cl di Assenzio
    1 zolletta di zucchero
    2 gocce di Peychaud's Bitter

Come viene servito

Il bicchiere in cui servire questo cocktail è il tumbler basso, un bicchiere compatto e robusto. La guarnizione è una semplice scorza di limone, che viene strofinata sul bordo per sprigionare gli oli essenziali e intensificare l’aroma.

In quale film lo abbiamo visto

                     Lo Stato dell'Unione del 1948 con Katharine Hepburn e Spencer Tracy

Mentre si prepara la serata del discorso televisivo, Spike, il responsabile della comunicazione della capagna elettorale del candidato interpretato da Spencer Tracy, informa il maggiordomo: "Verranno il giudice e la signora Alexander. Sa preparare un Sazerac?" (in realtà per un errore nella versione italiana lo chiameranno per tutto il tempo Serazac). Il maggiordomo, un po' incerto, risponde: "Se non sbaglio, è con l’assenzio... È una forma di suicidio", e Spike, sempre ironico, aggiunge: "Non lo provatate, vi si incendierebbero i vestiti. La signora ne beve a volontà. Il giudice beve bourbon".
Quando gli ospiti arrivano, il maggiordomo conferma le preferenze, e il giudice, divertito, dice: "Mi hai letto nel pensiero". La moglie del giudice, però, scherza con il maggiordomo: "Scommetto che non indovini cosa voglio", al che lui risponde sicuro: "Sazerac", e il giudice aggiunge con affetto: "Amor mio, ormai tutti conoscono i tuoi gusti". La signora Alexander, non del tutto convinta della sicurezza del maggiordomo, chiede che sia suo marito a prepararlo. Dopo aver sorseggiato il drink, si complimenta con lui: "Questo è il miglior Sazerac che abbia mai bevuto!"

Più avanti, durante i lunghi discorsi dei sostenitori, la signora Alexander dice scherzando al marito: "Se devo stare a sentire dei lunghi discorsi, sarà meglio che mi prepari un altro Sazerac". Contemporaneamente, Mary scopre la manipolazione di Kay Thorndyke su suo marito e decide di bere per dimenticare. Prende uno dei Sazerac dalle mani del giudice, mentre Conover le dice: "È dinamite quella!" Mary, già un po' brilla, risponde: "Se a Grant piacciono i prezzi alti, voglio diventare un po' alticcia anch'io". 

Dopo averne bevuto un altro, esclama: "Mio Dio, sono davvero forti". La signora Alexander ride e conferma: "Direi di sì!"

Mary, sorpresa, chiede: "Cosa c'è dentro?". La signora Alexander risponde candidamente: "Non lo so!". Incredula, Mary ribatte: "Vuole dire che lo bevete da anni e non sapete di cosa è fatto?". La signora conclude con un sorriso: "Non importa, cara, basta che mi mettano allegria!" Le due donne iniziano a ridere in maniera incontrollabile, soprattutto dopo che il giudice è arrivato con un vassoio pieno di Sazerac. Mary sempre più brilla rischia di mandare all'aria la diretta televisiva.

Se non avete mai visto questo film potete recuperarlo qui, ve lo consiglio perchè è di un'attualità disarmante.

2) Bloody Mary

La Storia

Il Bloody Mary è un grande classico della miscelazione e la sua storia, ricca di fascino e mistero, si intreccia tra leggende e realtà. Non è solo un drink, ma una leggenda liquida che ha conquistato generazioni di appassionati in tutto il mondo. Ma per scoprire le sue origini, dobbiamo fare un viaggio nel tempo, attraversando oceani e continenti, per incontrare due protagonisti chiave che ne hanno plasmato la storia.

Per parlare del primo protagonista, ci spostiamo nella Parigi degli anni '20, nel cuore di una città vibrante e cosmopolita. Qui troviamo Fernand "Pete" Petiot, un giovane barman che, nel suo percorso, ha cambiato per sempre la storia del cocktail. Nato nel 1900, Petiot ha iniziato la sua carriera aiutando i genitori nella gestione di una pensione, ma ben presto ha fatto il salto verso il mondo della miscelazione, approdando al famoso New York Bar di Parigi. Questo bar, un tempo gestito dall’ex fantino americano Tod Sloan, diventa la culla della sperimentazione per Petiot quando Harry MacElhone lo ha acquistato, ribattezzandolo Harry’s New York Bar.
È proprio in questo contesto, nel cuore della Parigi ruggente degli anni '20, che Petiot ha iniziato a sperimentare una nuova combinazione di ingredienti: vodka e succo di pomodoro. In un’intervista del 1966, Petiot ha raccontato di aver mescolato per la prima volta vodka e succo di pomodoro, creando una prima versione rudimentale del Bloody Mary. Tuttavia, è stato solo dopo il suo trasferimento a New York, nel King Cole Bar del St. Regis Hotel, che il drink ha preso forma. Si racconta che un giorno, il principe russo Serge Obolensky ha chiesto a Petiot di preparare una bevanda più piccante. In quell’occasione, Petiot ha aggiunto il tabasco, completando la ricetta che conosciamo oggi.
Ma per comprendere appieno l'origine del Bloody Mary, dobbiamo attraversare l'oceano Atlantico e tornare indietro di qualche anno, per incontrare l'altro protagonista di questa storia: George Jessel, attore e intrattenitore americano. Nato a New York nel 1898, Jessel è diventato una figura ben nota negli ambienti mondani dell’epoca. Nel 1927, durante un soggiorno a Palm Beach, Jessel ha raccontato di aver chiesto al bartender di miscelare vodka, succo di pomodoro, salsa Worcestershire e limone per alleviare i postumi di una sbornia. Secondo il suo racconto, una giovane donna di nome Mary Brown Warburton, presente durante la preparazione, si è versata accidentalmente il drink sul vestito e ha scherzato dicendo: "Adesso puoi chiamarmi Bloody Mary!". Da quel momento, il nome ha preso piede, e Jessel ha continuato a promuoverlo per anni.
Nel 1964, Petiot ha dichiarato al New Yorker che, sebbene Jessel fosse stato il primo a combinare vodka e succo di pomodoro, è stato lui a trasformare quel mix in ciò che conosciamo oggi, aggiungendo spezie come sale, pepe, tabasco e Worcestershire sauce. Questo ha dato vita alla versione definitiva del Bloody Mary, che nel tempo è diventato uno dei cocktail più celebri del mondo.
Il Proibizionismo ha avuto anche un ruolo nella storia di questo drink. Durante gli anni della messa al bando dell'alcol negli Stati Uniti, la vodka era difficile da reperire, e il gin spesso la sostituiva nella ricetta, dando origine a un cocktail chiamato Red Snapper. Solo con la fine del Proibizionismo e grazie alla promozione della vodka Smirnoff negli anni '40, la ricetta originale del Bloody Mary con vodka è tornata alla ribalta.

Il nome

Si è detto che dietro il nome di questo cocktail ci sia la sanguinaria regina Maria Tudor d'Inghilterra, soprannominata "Bloody Mary" per la sua repressione contro i protestanti. Tuttavia, c'è anche la versione raccontata da George Jessell, secondo cui il cocktail prese il nome quando Mary Brown Warburton sporcò il suo vestito di succo di pomodoro durante il primo assaggio della bevanda.

La ricetta

    4,5 cl di vodka
    9 cl di succo di pomodoro
    1,5 cl di succo di limone fresco
    2 gocce di salsa Worcestershire
    Tabasco

Come viene servito

In un highball glass, un bicchiere alto e stretto. Viene guarnito con un gambo di sedano e una fetta di limone, che aggiungono un tocco fresco e decorativo.

In quale film lo abbiamo visto

Delitto sulla spiaggia del 1955 con Joan Crawford e Jeff Chandler

La trama ruota attorno a una ricca vedova che torna nella villa sulla spiaggia, precedentemente affittata a una donna morta in circostanze misteriose. Qui la vedova incontra Drummond, un giovane e affascinante marinaio che vive nella casa vicina insieme a una coppia che si finge la sua famiglia, Osbert e Queenie Sorenson. In realtà, il marinaio è un truffatore, complice di una coppia di imbroglioni che prendono di mira donne sole di mezza età.
In una delle scene sulla spiaggia, i coniugi Sorenson si uniscono a Drummond, che sta prendendo il sole. Osbert Sorenson prende un thermos contenente succo di pomodoro, lo versa nei bicchieri, aggiunge della vodka, e offre il cocktail a sua moglie, Queenie. Nella versione originale le chiede Bloody Mary? anche se nel doppiaggio italiano si perde il riferimento diretto, poiché viene tradotto semplicemente con "vuoi da bere?".

3) Cuba Libre

La Storia

È uno dei cocktail più celebri, legato a un momento storico cruciale: l'indipendenza di Cuba, ottenuta nel 1898 grazie all’intervento degli Stati Uniti nella guerra ispano-americana. Si narra che per celebrare la vittoria, i ribelli cubani e i soldati americani brindarono con una bevanda composta da rum e Coca-Cola, esclamando "Por Cuba libre" per festeggiare la libertà appena conquistata. Questo brindisi, che combinava i simboli di Cuba e degli Stati Uniti, sarebbe stato l’inizio del celebre cocktail che racchiudeva l’essenza della lotta per l’indipendenza.
Ma come spesso accade con i grandi classici, la storia del Cuba Libre è avvolta da una serie di racconti affascinanti, e io ve li racconterò tutti. Prima di scoprili però dobbiamo fare un passo indietro per conoscere uno dei suoi due ingredienti fondamentali: la Coca-Cola.
Siamo nel 1886, ad Atlanta, in Georgia. Dovete sapere che, in questo momento storico, la Georgia sta vivendo un grande boom produttivo: le industrie crescono, e gli operai sono sottoposti a lunghissime giornate di lavoro estenuanti. A peggiorare le cose, è stato da poco introdotto il divieto di vendita e consumo di alcol, lasciando un vuoto nel mercato delle bevande stimolanti. È in questo contesto che il chimico e farmacista John Stith Pemberton inizia a lavorare a una soluzione.
Non solo vuole creare una bevanda capace di rinvigorire gli operai stremati, ma Pemberton ha anche un motivo personale per la sua ricerca: dopo essere rimasto ferito nella Guerra Civile, è diventato dipendente dalla morfina e sta cercando un rimedio alternativo. Nel suo laboratorio, combina estratti di foglie di coca e noci di cola, noti per le loro proprietà energizzanti, creando una miscela dal gusto caramellato e rinfrescante. Per renderla ancora più piacevole e adatta al mercato, aggiunge anche acqua frizzante, e così nasce la Pemberton’s French Wine Coca, inizialmente promossa come un tonico terapeutico.

L'8 maggio 1886, Pemberton vende il primo bicchiere di questa bevanda alla Jacobs' Pharmacy di Atlanta, al prezzo di 5 centesimi. Ma la bevanda ha bisogno di un’identità più forte per emergere davvero. Qui entra in gioco il suo contabile, Frank M. Robinson, che non solo propone il nome Coca-Cola, ispirato agli ingredienti principali, ma disegna anche il logo con quel corsivo elegante che diventerà uno dei marchi più riconoscibili al mondo.
Dopo la morte di Pemberton, l'imprenditore Asa Candler intuisce il potenziale della bevanda e nel 1887 ne acquista i diritti. Con una strategia di marketing innovativa, tra cui la distribuzione di coupon gratuiti, Candler riesce a far conoscere la Coca-Cola in tutti gli Stati Uniti. Nel 1892, fonda la The Coca-Cola Company e, entro il 1895, la bevanda è distribuita in tutto il paese. L’espansione internazionale ha inizio nel 1899, con Cuba come prima destinazione.
Oltre alla leggenda del brindisi tra soldati americani per celebrare l'indipendenza dell'isola, ci sono altre storie che aggiungono ulteriore fascino a questo drink iconico.
Una delle versioni più intriganti ci porta a Fausto Rodriguez, un giovane messaggero cubano che, nel 1900, entrò in un bar a L'Avana con un ufficiale americano di nome Russell. Mentre erano lì, Russell ordinò una bevanda semplice ma rivoluzionaria: Rum Bacardi e Coca-Cola. Gli altri soldati americani, incuriositi, provarono il mix e, non sapendo come chiamarlo, qualcuno propose di battezzarlo Cuba Libre, un omaggio alla libertà appena conquistata da Cuba.

Un altro racconto affascinante si svolge a Washington, nell'ottobre del 1898, quando la Commissione Rivoluzionaria Cubana si recò negli Stati Uniti per incontrare il presidente William McKinley. Durante questo evento ufficiale, i delegati cubani furono accolti con un drink servito in bicchieri ornati da bandierine cubane e americane. Anche in questo contesto, il drink venne chiamato Cuba Libre, a simboleggiare l’unione e la collaborazione tra i due paesi.

Il nome

"Cuba Libre", che significa "Cuba Libera", è il grido celebra l’indipendenza di Cuba dalla Spagna nel 1898. È simbolico dell’unione tra il rum cubano e la Coca-Cola americana, rappresentando la libertà dell’isola.

La ricetta

    5 cl di rum bianco
    12 cl di Coca-Cola
    1 cl di succo di lime fresco

Come viene servito

In un highball glass. La guarnizione classica è una (o più)  fetta di lime, che aggiunge un tocco di acidità e freschezza.

In quale film lo abbiamo visto 

Le catene della colpa del 1947 con Robert Mitchum e Jane Greer

Nel film Le catene della colpa, Jeff (interpretato da Robert Mitchum) rintraccia Kathie Moffat in un bar di Acapulco, dove lei sha ordinato un Cuba Libre (anche se nella versione italiana è stato tradotto con "birra"). Jeff, incaricato dal gangster Nick Sterling di trovarla perché è scappata con una somma di denaro rubata, si avvicina al suo tavolo e inizia a conversare con lei. Le dice: "Potrei andare alla scogliera a guardare il mare come un turista, ma non c'è gusto se non c'è qualcuno a cui dire: 'Bella vista, vero?' Lo stesso vale per le chiese, le rovine, il chiaro di luna o un Cuba Libre."

4) Knickerbocker

La storia

 Forse non avete mai sentito parlare del Knickerbocker cocktail, ma il nome potrebbe suonarvi familiare grazie alla squadra di basket dei New York Knicks (abbreviazione di Knickerbockers). Il termine "Knickerbocker" affonda le sue radici nei primi coloni olandesi che fondarono New York, allora chiamata New Amsterdam. Dovete sapere che la popolazione della New York del XIX secolo era divisa in due gruppi distinti: gli Yankee e i Knickerbockers. Gli Yankee, provenienti dal New England e di origine puritana, erano noti per essere riservati, abili uomini d'affari, e piuttosto avversi a qualsiasi forma di esuberanza. Al contrario, i Knickerbockers, di discendenza olandese e ugonotta, erano festaioli, amavano bere, le corse dei cavalli e i banchetti, ma erano anch’essi eccellenti uomini d'affari. Indossavano i tipici pantaloni alla zuava, larghi e legati sotto il ginocchio, chiamati knickers, che offrivano grande comfort e libertà di movimento, perfetti per le attività quotidiane e per lo sport.

Il termine Knickerbocker divenne quindi sinonimo di un newyorkese ribelle e chiassoso, e rimase legato alla città e al suo carattere esuberante.
Si può ipotizzare che il Knickerbocker cocktail sia stato così chiamato come tributo a questo gruppo di newyorkesi dal temperamento vivace. Spesso erroneamente attribuito alla creazione nel famoso Knickerbocker Hotel di New York, questo cocktail compare in realtà molto prima. La sua prima apparizione documentata si trova nella Guida del Bar-Tender di Jerry Thomas, pubblicata nel 1862, la prima guida di cocktail mai pubblicata negli Stati Uniti. Thomas, noto come il "padre della mixologia americana", ha lavorato in molte città degli Stati Uniti, ma ha trascorso gran parte della sua carriera proprio a New York.
A differenza di molti drink dell’epoca, che erano forti e secchi, come il Manhattan o l’Old Fashioned, il Knickerbocker ha una base di rum e utilizza ingredienti dolci come il sciroppo di lamponi e il curaçao all’arancia. Questo gli conferisce una dolcezza fruttata che era meno comune nei cocktail del XIX secolo, ma che sarebbe diventata più popolare nei decenni successivi, con l’introduzione di cocktail tropicali e drink più leggeri.

Il nome

Si riferisce ai discendenti olandesi di New York che indossavano pantaloni alla zuava, i "knickers". Il cocktail è un omaggio a questi newyorkesi vivaci e festaioli del XIX secolo, noti per il loro amore per le celebrazioni e la loro energia.

La ricetta
    7,5 cl di rum
    0,5 cl di curaçao all’arancia
    1,5 cl di sciroppo di lamponi
    1,5 cl di succo di lime

Come viene servito

Viene servito in un bicchiere old-fashioned e guarnito con mezzo lime e frutti di bosco di stagione, che aggiungono colore e un tocco decorativo al cocktail.

In quale film lo abbiamo visto  

L’uomo ombra del 1934 con William Powell e Myrna Loy

Anche se non viene espressamente nominato nel film, il Knickerbocker è citato nel romanzo di Dashiell Hammett da cui è tratto, dove viene descritto come il cocktail preferito da Dorothy, personaggio interpretato da Maureen O’Sullivan. Possiamo quindi ipotizzare che il drink che Dorothy beve al bancone del bar sia proprio un Knickerbocker, dato che il bicchiere utilizzato nel film è simile a quello tipicamente usato per servire questo cocktail.

Così, mi congedo da questo capitolo con la certezza che ci saranno ancora tante storie da scoprire, pronte a essere svelate "in un sorso".

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 Ci sono film che non solo segnano un’epoca, ma che riescono anche a toccare corde profonde nel cuore di chi li guarda, restando impressi come veri e propri gioielli cinematografici. "Angeli con la pistola" di Frank Capra è uno di questi film. È una pellicola che, nonostante le difficoltà incontrate durante la sua realizzazione, riesce a trasmettere un calore e un’umanità tali da renderla un classico imperdibile, specialmente nel periodo natalizio.
Questo film, per me, rappresenta un rifugio emotivo, una storia che sa scaldare il cuore ogni volta che la rivedo. Non solo per la sua trama commovente e intrisa di speranza, ma anche per il cast straordinario che lo anima. Da Bette Davis, che con la sua intensa interpretazione di Apple Annie ci regala una performance indimenticabile, a Glenn Ford, Thomas Mitchell, Peter Falk e Ann-Margret, ognuno dei quali dà vita a personaggi ricchi di sfumature. Anche i personaggi secondari, con attori del calibro di Edward Everett Horton, contribuiscono a creare un quadro complesso e affascinante, rendendo questo film un vero capolavoro corale.
Ma non è solo il cast a rendere speciale "Angeli con la pistola". Il film porta con sé la firma di un grande regista, Frank Capra, che ha saputo trasformare una produzione travagliata in un’opera carica di emozioni, capace di parlare al pubblico di ieri come a quello di oggi. È proprio la storia dietro le quinte, fatta di tensioni e sfide, che mi spinge a voler approfondire e condividere l’unicità di questa pellicola, per far sì che venga apprezzata ancora di più per quello che è: un film che, nonostante tutto, riesce a parlare al cuore di chi lo guarda.

In fondo a questo articolo troverete il film da vedere comodamente, sia che lo vogliate rivedere dopo la lettura dell'articolo, sia che dobbiate vederlo per la prima volta. È uno dei film su cui appongo il mio sigillo di garanzia. Non può non piacervi. 

Il titolo originale è Pocketful of miracles ed è un film del 1961 diretto da Frank Capra con protagonisti Bette Davis, Glenn Ford e Hope Lange.

Trailer originale:

La trama in breve: Natale a New York durante il Proibizionismo il gangster Dave detto lo Sciccoso compra tutti i giorni una mela dalla vecchia mendicante Annie, convinto che gli porti fortuna. Un giorno Annie gli confida che sta per arrivare dalla Spagna sua figlia Louise, cresciuta in un collegio lontano dalla madre grazie ai risparmi che questa ed altri mendicanti del quartiere hanno fatto, e ignora le condizioni di vita della donna, credendo anzi che sia una gran signora. Insieme alla sua fidanzata Regina, Dave decide di aiutare Annie compiendo il miracolo: trasformandola in una signora raffinata, le procura un marito e una casa, e organizza un sontuoso ricevimento, anche se  non tutto va secondo i piani.

Alcune scene del film

Immagini promozionali

Angeli con la pistola affonda le sue radici in un racconto breve, "Madame la Gimp", scritto da Damon Runyon e pubblicato nell'ottobre del 1929 sulla rivista Cosmopolitan. Quando nel 1932 la Columbia Pictures ne acquista i diritti, nessuno poteva immaginare che sarebbe diventato uno dei film più amati di Frank Capra, "Signora per un giorno". Uscito nel 1933, il film ottiene un discreto successo, conquistando il pubblico con una trama toccante e la capacità di Capra di bilanciare sapientemente umorismo e dramma. L'interpretazione della protagonista, May Robson, è così convincente da valerle una candidatura all'Oscar come Migliore Attrice.
Sono trascorsi trent'anni e Frank Capra, ormai vicino alla fine della sua carriera, decide di riprendere in mano il suo classico "Signora per un giorno", una favola in cui gli attori recitavano con un tono fiabesco e leggero. Con "Angeli con la pistola", però, Capra ha in mente un approccio diverso: immagina un film in cui gli attori, noti per la loro intensità e profondità, possano infondere ai personaggi una nuova dimensione di durezza e autenticità. Vuole che questa nuova versione della storia si adatti ai gusti più sofisticati del pubblico degli anni '60, distaccandosi dall’atmosfera fiabesca dell'originale e offrendo un’interpretazione più cruda e radicata nella realtà.
I diritti appartengono alla Columbia Pictures, che li ha acquistati per 1.500 dollari nel 1932. Quando Capra decide di realizzare il remake nel 1960, la Frank Capra Productions ha acquisito i diritti per 225.000 dollari, un incremento significativo che però riflette l'importanza di questo progetto per il regista.
Per adattare la sceneggiatura di "Angeli con la pistola", Frank Capra decide di partire dal testo originale del 1933, scritto da Robert Riskin. Tuttavia, per renderla più attuale e adatta al pubblico degli anni '60, Capra chiede a Harry Tugend di aggiornare la sceneggiatura. Successivamente, Hal Cantor interviene per affinare ulteriormente il testo, con il supporto di Jimmy Cannon, un corrispondente sportivo esperto del gergo di Broadway, elemento centrale nel film.
Quando Frank Capra decide di realizzare "Angeli con la pistola", la United Artists stabilisce subito una condizione fondamentale per finanziare il progetto: il film deve avere una super star come protagonista. Questo pone delle sfide per Capra, che ha in mente diversi attori per il ruolo principale di Dave lo Sciccoso. La prima (e seconda) scelta di Capra sono, Frank Sinatra e Dean Martin, entrambe fortemente volute dalla United Artists. Tuttavia, entrambi gli attori rifiutano la parte, costringendo Capra a cercare altre opzioni. Il regista pensa allora a Steve McQueen, una giovane star in ascesa, ma questa volta il no arriva dalla United Artists, che non lo considera abbastanza affermato per il ruolo.

 Il destino del progetto cambia quando Glenn Ford, già una star affermata, entra in scena. Ford, incontrando casualmente Capra in un ristorante, scherza sul fatto che il suo astrologo gli ha predetto che avrebbe interpretato Dave lo Sciccoso in "Angeli con la pistola". Capra, colpito dalla coincidenza, decide di proporgli il ruolo. Ford pone subito delle condizioni: accetterà la parte solo se il film sarà una coproduzione tra la Frank Capra Productions e la sua compagnia, la Glenn Ford Newton Production. Dopo alcune resistenze, Capra, comprendendo l'importanza di avere Ford nel cast, accetta il compromesso.

Per quanto riguarda il ruolo di Apple Annie, Capra considera inizialmente Shirley Booth, nota per la sua straordinaria interpretazione in "Torna, piccola Sheba". Booth, interessata al progetto, chiede di vedere il film originale "Signora per un giorno", ma dopo averlo visionato, teme il confronto con l'interpretazione originale di May Robson e decide di rinunciare. La seconda scelta di Capra è Helen Hayes, grande attrice di teatro (che 4 anni prima ha interpretato magistralmente l’Imperatrice Madre Maria Feodorovna, la nonna di Ingrid Bergman in Anastasia), la quale si mostra entusiasta all'idea di interpretare il ruolo.
 

Il terzo ruolo più importante è quello di Regina Martin, la cinica pupa del gangster, ormai sulla via del tramonto e proprietaria di un nightclub. Dopo averle visto interpretare la prostituta in Il figlio di Giuda (quasi rubando la scena a Burt Lancaster), Capra ritiene che Shirley Jones sia perfetta, inoltre la paga le va bene ed è anch’essa rappresentata dall’agenzia William Morris.
Frank Capra ha finalmente i suoi 3 personaggi principali, Helen Hays, Glenn Ford e Shirley Jones.
È a cavallo.
Come però dice Jack Lemmon (Daphne) a Tony Curtis (Josephine) in A qualcuno piace caldo: Fai finta di niente, ma siamo caduti da cavallo!
Il responsabile del disarcionamento?
Glenn Ford. L’attore, che non ha ancora firmato il contratto con la United Artists, pretende che la parte di Regina sia assegnata alla sua fidanzata, l’attrice Hope Lange, minacciando di lasciare il film. Capra ritiene la Lange non sia adatta ad interpretare una prostituta sulla quarantina, appena 3 anni prima ha interpretato la ragazza molestata dal patrigno in I peccatori di Peyton (che le era valsa una nomination all’Oscar e al Golden Globe, di questo film ve ne ho parlato qui). Così il regista consulta il suo agente Abe Lastfogel, il quale però lo avverte che, impuntandosi arrivando al punto di sostituire lo stesso Glenn Ford, il progetto si sarebbe fermato per un anno intero, e nel contempo Capra avrebbe comunque dovuto sostenere le spese per i diritti della storia, già acquistati per 225.000 dollari, e per l'ingaggio di Helen Hayes, concordato a 100.000 dollari. Inoltre, avrebbe dovuto trovare un altro attore disposto a partecipare alla coproduzione, correndo però il rischio che anche questo nuovo partner imponesse le proprie condizioni sul cast. Di fronte a queste prospettive, Capra, seppur contrariato, accetta il compromesso e decide di riscrivere la parte di Regina, adattandola all'innocenza di Lange, prendendosi tre mesi per completare il lavoro.

Quando Capra comunica lo slittamento delle riprese Helen Hayes, riceve una lettera da Lucy Kroll, l'agente di Hayes, spiegando che la sua assistita sarà impegnata nei mesi successivi con una tournèè per il Dipartimento di Stato impedendole di partecipare al progetto. La lettera è accompagnata da un telegramma della Hayes che amareggiata dice: "Caro Frank, che dolore perdere quel gioiello di parte e quel soggetto meraviglioso."

Capra è furioso: a causa dei capricci di Glenn Ford, ha perso la "prima donna del teatro americano". Con Helen Hayes ormai fuori gioco, Capra pensa a un'altra attrice il cui talento è all'altezza del ruolo: Bette Davis. L'attrice, però, è da qualche anno lontana dai riflettori di Hollywood, con cui non ha mai avuto un rapporto facile. Scoprire di essere la seconda scelta dopo la Hayes e l'idea di interpretare una "Cenerentola" sessantenne non la entusiasmano affatto. Tuttavia, è sua figlia a farle cambiare idea: dopo aver letto il copione, le dice con convinzione, "Mamma, sarai la più grande Apple Annie del mondo." Quelle parole toccano profondamente la Davis, che decide di accettare il ruolo senza richiedere una quota sugli utili – una pratica comune all'epoca. Firma il contratto e si prepara a tornare sotto i riflettori, anche se il suo vero grande ritorno avverrà l'anno successivo con Che fine ha fatto Baby Jane?.
 

Per il ruolo di Joy Boy, il leale e maldestro braccio destro di Dave lo Sciccoso, Frank Capra ha un nome ben preciso in mente: Peter Falk. Dopo aver visto la sua intensa interpretazione del sicario Abe Reles in Murder, Inc., Falk, con la sua capacità di mescolare ferocia e vulnerabilità, aveva impressionato Capra al punto da volerlo nel suo film. In Angeli con la pistola, Falk porta quel mix unico di umorismo e autenticità che lo aveva già reso famoso. Grazie alle sue origini italo-polacche, riesce a rendere perfettamente il gergo italo-americano tipico dei gangster cinematografici dell'epoca, con un accento e un linguaggio colloquiale che rispecchiano le radici etniche del personaggio. Il suo uso dello slang, intrecciato con termini italiani, aggiunge una dimensione autentica e riconoscibile, che il pubblico avrebbe immediatamente associato al mondo dei gangster. Falk infonde in Joy Boy un’umanità buffa e realistica, rendendolo indimenticabile (non a caso riceverà la nomination all'Oscar). Se come me amate il suo mitico detective Colombo non potete perdervi il mio approfondimento, lo trovate qui.

Per la parte della figlia, la scelta ricade su una giovane attrice al suo debutto cinematografico: Ann-Margret. Svedese di nascita e cresciuta in Illinois, è già nota nei locali di Las Vegas, dove si esibisce come cantante e ballerina al fianco del celebre comico George Burns. La sua versatilità la rende perfetta per il ruolo di Louise, un personaggio che le permette di mostrare anche le sue doti canore. Con la sua combinazione di ingenuità e sensualità, Ann-Margret non solo tiene testa a giganti come Bette Davis, che la guida con consigli preziosi, ma dimostra fin da subito il suo talento completo. Questo esordio segna l'inizio di una carriera brillante (ancora attiva, il suo ultimo film è del 2021), in cui alterna con successo il cinema, la musica e lo spettacolo, con due candidature all’Oscar.
 

Edward Everett Horton interpreta il buffissimo maggiordomo Alonso Hutchings. Horton, un attore veterano con una carriera prolifica, era noto per i suoi ruoli di carattere eleganti e spesso comici. Frank Capra lo ha scelto in diversi dei suoi film, tra cui Orizzonte perduto (dove interpreta il paleontologo Alexander Lovett) e Arsenico e vecchi merletti (dove è Mr. Witherspoon, il direttore del manicomio). In "Angeli con la pistola", Horton dona al personaggio di Hutchings una dose di umorismo e classe, rendendolo una delle figure più amate del film. Due delle mie scene preferite sono sue: quella in cui Dave lo istruisce dicendo cosa sarebbe successo a lui e i camerieri se avessero fatto saltare la copertura di Annie, e Horton mimando una fucilazione fa “ta-ta-ta-ta-ta”; e quella in cui quando il piano inizia a scricchiolare fa la valigia e si dirige alla porta. “Fuggo la nave che affonda. Con il mio soffio al cuore non posso sopportare i finali tristi così vado a raggiungere il signor Kent all’Avana”, e Dave gli risponde “Con le gambe rotte?” “Veramente le mie gambe non sono… Oh, apprezzo la sfumatura signore. Grazie. Non c’è di che”. Se volete saperne di più su questo straordinario caratterista vi lascio il mio articolo qui.

Per Frank Capra la produzione di "Angeli con la pistola", come da lui stesso dichiarato nella sua autobiografia “Il nome sopra il titolo”, è stata la più complessa di tutta la sua carriera. Fin dall'inizio, il set è stato segnato da tensioni, alimentate in parte dalle richieste di Glenn Ford.
Uno dei primi episodi riguarda il camerino destinato a Bette Davis. Ford insiste per assegnare a Hope Lange il camerino accanto al suo, che spettava di diritto alla Davis, in quanto protagonista del film. Dopo un acceso confronto, alla fine la Lange si è dovuta adattare a un altro camerino, ma l'atmosfera sul set si è inevitabilmente inasprita. Da quel momento, Ford e la Lange smettono di parlare alla Davis al di fuori delle riprese, contribuendo a creare un clima di tensione palpabile.
Le difficoltà non si fermano qui. Durante la terza settimana di riprese, Ford rilascia un'intervista in cui dichiara di essere grato a Bette Davis per averlo aiutato all'inizio della sua carriera e di essere stato lieto di averla scelta in questo film per "farla uscire dall'oscurità". Questa affermazione, del tutto infondata, provoca la furia di Bette Davis, che si sente profondamente offesa dalle parole di Ford. La sua reazione è immediata e veemente: "Quel figlio di ... dice che lo ha fatto per aiutare la mia carriera? Non mi aiuterebbe nemmeno a uscire da un pozzo."
Nel frattempo, Frank Capra inizia a soffrire di gravi mal di testa, che peggiorano al punto da costringerlo a ricevere trattamenti medici quotidiani. Ogni pomeriggio, viene portato nel vialetto dietro il pronto soccorso, dove un'infermiera gli somministra iniezioni di sodio fosfato, un trattamento molto pesante che abbassa drasticamente la sua pressione e lo lascia in uno stato di confusione. Nonostante questi gravi problemi di salute, Capra continua a lavorare, determinato a portare a termine il film.
Come se il clima teso sul set non fosse già abbastanza difficile, durante gli ultimi giorni di produzione, il 1° luglio, Bette Davis subisce una perdita devastante: la morte della madre, Ruth Davis. Nonostante il dolore, Davis dimostra una straordinaria dedizione, continuando a lavorare senza mai abbandonare il suo ruolo fino alla fine delle riprese.
Ann-Margret ha ricordato con affetto quanto Davis sia stata una guida generosa e paziente con lei che era al suo debutto cinematografico. In più occasioni, Davis ha chiesto di ripetere scene che non valorizzavano abbastanza la giovane attrice, dimostrando una grande attenzione verso i suoi colleghi. O meglio, verso chi lo meritava.
Anche Peter Falk ha elogiato il suo lavoro: "Bette Davis aveva molto da dare, e lo diede. Io ero un principiante, e lei un'artista e una professionista, ma mi fece sentire a mio agio e rilassato, così potei dare il meglio di me." Falk, con il suo umorismo, è riuscito ad alleggerire le tensioni sul set, tanto che persino Capra lo descrisse come "l’unico raggio di sole durante la lavorazione".

È Bette Davis a richiedere come costumista Edith Head che l’ha vestita in Peccato, e soprattutto in Eva contro Eva. Il personaggio di Apple Annie è quello di un’anziana alcolizzata vestita di stracci, il cui unico accessorio è il cestino contenente le mele che vende per strada ai passanti. La visita improvvisa della figlia Louise richiede che Annie sia trasformata in una signora dell'alta società.
Bette Davis prende molto sul serio il suo ruolo, interessandosi non solo agli abiti eleganti che indosserà nella seconda parte del film, ma anche ai vestiti stracciati che caratterizzano Apple Annie all'inizio. Edith Head realizza per lei abiti magnifici per la trasformazione di Annie, spendendo 25.000 dollari solo per i costumi della sua versione elegante. E pensare che gli abiti di stracci della prima parte del film costano appena 5 dollari, curati con la stessa attenzione per garantire che risultino autentici e appropriati per il personaggio.
Il percorso di Apple Annie, interpretata da Bette Davis, è raccontato attraverso una trasformazione non solo emotiva, ma anche sartoriale, con i suoi costumi che riflettono il cambiamento da senzatetto disperata a signora dell'alta società. All'inizio del film, il look di Annie è semplice e trascurato, un chiaro segno della sua vita di difficoltà per le strade di New York. Il suo abbigliamento è caratterizzato da tonalità spente, principalmente grigio. Indossa un cappello scolorito per proteggersi dalla pioggia, un cardigan sfilacciato, e una lunga sciarpa patchwork, completando il tutto con una gonna lunga, consumata dal tempo. Questo insieme di capi suggerisce una vita dura e precaria, in cui ogni pezzo sembra provenire da epoche diverse, accumulato nel corso degli anni.
In una delle scene successive, il suo abbigliamento inizia a migliorare leggermente: la sciarpa diventa più raffinata e indossa un cappello di velluto marrone, una scelta più elegante rispetto al suo look iniziale, segno di un tentativo di riprendere una certa dignità. Quando arriva a casa, Annie si toglie i vestiti da strada, rivelando una semplice camicia grigia con piccoli pois bianchi, che continua a raccontare la storia della sua vita modesta.
La prima svolta visiva avviene quando Dave e Regina scoprono il suo segreto: Annie indossa un cardigan verde, simbolo di speranza, quasi a preannunciare la possibilità di ricevere aiuto e di trasformare la sua vita.

Dopo l'intervento di Dave e la sua metamorfosi, Annie emerge come una donna completamente nuova. Riapparendo con un sontuoso abito beige e oro, accompagnato da un soprabito trasparente decorato con fiori dorati, Annie incarna ora l'eleganza dell'alta società. Completano il look una collana di perle a tre fili e orecchini di brillanti, accessori che enfatizzano la sua rinascita.
Quando si reca al porto per accogliere sua figlia, Annie indossa un elegantissimo cappotto di velluto verde scuro, impreziosito da collo e polsini in visone e lunghi guanti bianchi, simbolo della sua nuova identità raffinata. Questo look è in netto contrasto con il suo abbigliamento iniziale, dimostrando quanto la sua vita sia cambiata.
Nella scena successiva, Annie si presenta con un abito viola, completato da una spilla coordinata e una stola di visone, mantenendo il tema dell'eleganza sofisticata che ora definisce il suo personaggio. Infine, nel gran finale, Annie indossa un abito di velluto nero con un colletto di pizzo bianco, accompagnato da una collana di perle e orecchini abbinati, chiudendo così il cerchio della sua trasformazione.

Edith Head, nota per la sua capacità di rispettare i budget, non esita a riutilizzare abiti già esistenti per economizzare.
I costumi dei personaggi secondari in "Angeli con la pistola" provengono dal rinomato Western Costume, che ha fornito abiti un tempo indossati da grandi star come Marlene Dietrich, Carole Lombard e Hedy Lamarr. Questa pratica di riutilizzare costumi era comune per le comparse o i personaggi minori, ma Edith Head, nota per la sua capacità di lavorare con i budget, non si faceva problemi a farlo anche per le star principali.
Ad esempio Hope Lange indossa un elegante abito nero con un décolleté decorato di strass, originariamente disegnato per Rhonda Fleming nel film The Buster Keaton Story. 

 

Edith Head con in mano il bozzetto dell'abito finale della Lange, e altri 3 schizzi non utilizzati

Al fianco di Edith Head lavora Walter Plunkett, uno dei costumisti più leggendari di Hollywood, celebre per aver realizzato gli iconici abiti di Via col vento. In "Angeli con la pistola", Plunkett ha il compito di curare l'immagine di Glenn Ford, noto per la sua meticolosa attenzione all'abbigliamento. Ford, infatti, inserisce nel suo contratto una clausola ben precisa: tutti i suoi abiti devono essere fatti su misura e, al termine delle riprese, devono diventare di sua proprietà senza alcun costo aggiuntivo. Plunkett, con la sua ineguagliabile professionalità, accoglie queste richieste con estrema dedizione, assicurandosi che ogni dettaglio fosse impeccabile, riflettendo non solo lo stile del personaggio, ma anche la personalità esigente di Ford stesso.
Glenn Ford, nel ruolo di Dave lo Sciccoso in "Angeli con la pistola", indossa una serie di abiti che incarnano perfettamente l’eleganza e il potere del suo personaggio, curati nei minimi dettagli da Walter Plunkett. Il primo abito in cui lo vediamo è un completo bianco, quasi un presagio del suo ruolo di “angelo” con la pistola. A completare il look c'è una camicia a righe bianche e rosse, impreziosita da un rametto di agrifoglio, un tocco festivo e simbolico che aggiunge al fascino del personaggio.

Nel corso del film, Ford sfoggia una varietà di completi altrettanto sofisticati, in cui ogni dettaglio è perfettamente curato: dalla pochette al taschino, alle cravatte sempre abbinate, fino ai gemelli eleganti che impreziosiscono le sue camicie. Il gilet, spesso coordinato, aggiunge un ulteriore livello di raffinatezza, mentre le fantasie delle camicie sono selezionate per bilanciare i colori con la precisione di un esteta.
Tra i vari outfit che indossa, merita una menzione speciale il frac, che Ford sfoggia nella scena finale. Questo abito, che incarna il massimo della formalità e dello stile, è arricchito da una sciarpa di seta bianca avvolta con eleganza attorno al collo, guanti bianchi impeccabili, un imponente cilindro, e un bastone da passeggio, simbolo di potere e autorità, che completa il look con grazia e autorità.

Anche i cappotti di Dave lo Sciccoso sono parte integrante del suo personaggio. Tra questi, spicca il sontuoso cappotto cammello, il cui interno in seta rossa è personalizzato con le sue iniziali ricamate, un dettaglio che sottolinea la cura maniacale per l'eleganza. Un altro look memorabile è il cappotto con il collo di visone, che aggiunge un ulteriore tocco di lusso e opulenza alla figura di Ford.

Infine, persino nei momenti più rilassati, Ford non abbandona il suo stile impeccabile, indossando una sontuosa vestaglia nera e oro damascata, un capo che trasuda lusso e raffinatezza. Ci meraviglia che Glenn Ford abbia richiesto di tenere tutti questi tesori sartoriali?
I costumi di Joy Boy, con le loro bizzarre fantasie e combinazioni di colori audaci, offrono un netto contrasto rispetto all'eleganza impeccabile di Dave lo Sciccoso, sottolineando la natura più disordinata e eccentrica del personaggio.

La colonna sonora di "Angeli con la pistola" riflette la varietà eclettica di influenze musicali che contribuiscono all'atmosfera unica del film. Uno degli elementi principali è l'uso di brani tratti da Lo schiaccianoci di Tchaikovsky, che aggiungono un tocco classico e festivo al film, in linea con l'atmosfera natalizia (le scene più toccanti sono quando scrive la lettera alla figlia accompagnata dalla Danza araba, e la Marcia durante la sua grande entrata in scena).
Un altro elemento centrale è la canzone dei titoli di testa, con musica di Jimmy Van Heusen e testi di Sammy Cahn. Questa canzone, cantata da un coro di bambini, non solo contribuisce a creare un'atmosfera magica e coinvolgente, ma diventa anche un successo grazie alla successiva interpretazione di Frank Sinatra. Oltre ai brani orchestrali e alla canzone originale, la colonna sonora include anche canzoni popolari americane, come "My Bonnie (Lies Over the Ocean)", "Polly Wolly Doodle", e "Auld Lang Syne". Queste canzoni richiamano temi di nostalgia, comunità e tradizione, arricchendo ulteriormente l'ambientazione del film e contribuendo a creare un legame emotivo con il pubblico.

 Il film debutta in anteprima il 18 agosto 1961 al Paramount Theatre di Oakland, davanti a un pubblico selezionato. Frank Capra non è presente, ma attende con ansia notizie dai suoi collaboratori di fiducia. Quando, due ore più tardi, il produttore associato Joe Seastrom lo chiama, le sue parole sono elettrizzanti: "È stata l'anteprima più forte che abbia mai visto", racconta, descrivendo ovazioni e applausi entusiasti.
Anche la moglie e la figlia di Capra, presenti alla prima, non trattengono l'emozione: "È stata la più grande anteprima di tutti i tuoi film", gli dicono. Pochi giorni dopo, una seconda presentazione al De Anza Theatre di Riverside ottiene un successo ancora maggiore, rafforzando l'idea che il film possa davvero diventare un grande trionfo.
L'ottimismo cresce, e anche la celebre giornalista di gossip Hedda Hopper contribuisce a fomentarlo, proclamando che il film "sarà una miniera d’oro". Le aspettative sono altissime, e la United Artists decide di optare per una distribuzione particolare: anziché limitarsi a un lancio in singoli cinema di prestigio, sceglie di far partire la programmazione di "Angeli con la pistola" in 200 città contemporaneamente. Il 19 dicembre 1961, il film esordisce in 600 sale in tutto il paese, proprio durante la settimana natalizia, in un tentativo di capitalizzare al massimo la stagione delle feste.
Ma il destino è beffardo, e nonostante le premesse promettenti, l'accoglienza del pubblico si rivela sorprendentemente tiepida. La strategia di distribuzione, seppur ambiziosa, si rivela un'arma a doppio taglio. Un film così particolare, con un tono unico e un cast eccezionale, avrebbe forse meritato un lancio più graduale, limitando il numero delle sale, magari iniziando da New York e Los Angeles e mettendolo in cartellone per diversi mesi, il tutto con un supporto pubblicitario adeguato. La mancanza di una campagna di lancio mirata e la distribuzione troppo vasta hanno contribuito a un risultato deludente al botteghino.
Per Frank Capra, la delusione è profonda. Dopo decenni di successi e un legame speciale con il pubblico, questo insuccesso lo colpisce duramente. Capra riflette su ciò che è andato storto e conclude che, oltre agli errori di marketing, il vero problema risieda nel fatto che "Angeli con la pistola" non è il film che aveva immaginato di fare. Per paura di perdere il finanziamento, ha dovuto fare compromessi che hanno, a suo avviso, compromesso la sua integrità artistica. E forse, pensa Capra, è proprio questa mancanza di autenticità che il pubblico ha percepito, portandolo a respingere il film.


Nonostante l'accoglienza iniziale tiepida al botteghino, "Angeli con la pistola" ha ricevuto diversi riconoscimenti significativi che testimoniano la qualità del lavoro svolto da Frank Capra e dal suo cast e crew. Il film è stato nominato per tre Premi Oscar:
Miglior Canzone Originale per il brano dei titoli di testa, con musica di Jimmy Van Heusen e testi di Sammy Cahn. Sebbene la canzone non abbia vinto, la sua melodia e i suoi testi hanno lasciato un segno, anche grazie all'interpretazione successiva di Frank Sinatra.
Miglior Design dei Costumi a Colori, un riconoscimento condiviso tra Edith Head e Walter Plunkett per il loro lavoro straordinario nella creazione di abiti che spaziano dai stracci di Apple Annie agli eleganti abiti indossati durante la sua trasformazione. Nonostante la nomination, il premio è stato vinto da Irene Sharaff per West Side Story (1961).
Miglior Attore Non Protagonista per Peter Falk, il cui ruolo di Joy Boy ha conquistato sia il pubblico che la critica. La performance di Falk, caratterizzata da una combinazione di umorismo e intensità, gli ha valso questa prestigiosa nomination, che ha consolidato la sua reputazione come attore versatile e di grande talento.
Sebbene "Angeli con la pistola" non abbia portato a casa nessun Oscar, le nomination ricevute hanno comunque confermato la qualità della produzione e il talento delle persone coinvolte. Questi riconoscimenti sono una testimonianza del lavoro artistico e tecnico che ha reso il film un'opera significativa, nonostante le difficoltà incontrate durante la produzione e la sua accoglienza iniziale.
 

QUOTES: 

Dave: 5 dollari per la mela.
Annie: Buona fortuna, Sciccoso.
Dave: Annie, senti, come si spiega questa tua idea fissa che le mele che compro da te mi portano bene? Come si spiega?
Annie: Perché tu hai la protezione dei folletti.
Dave: Di che folletti parli?
Annie: Non si vedono mica, si vedono nei sogni solamente.
Dave: E i folletti mi proteggono? Perché?
Annie: Perché gli piacciono i bambini, i poveri e anche i poeti.
Dave: Io sarei un poeta?
Annie: Tu hai bisogno di credere in qualcosa. Per esempio nelle mele che vendo.
Annie: Allora, questi spiritelli entrano qui dentro. E così la mela diventa un portafortuna.

Herbie: Quando aspetti la prossima lettera?
Annie: Il piroscafo arriva domani.
Herbie: Se scoprono che rubo le tue lettere sono fregato.
Annie: Herbie, non devi farti licenziare, ti prego, non farti licenziare.
Herbie: Bene bene, ma insomma, chi ti scrive dalla Spagna?
Annie: Non sono affari tuoi.
Herbie: Hai uno spasimante, Annie?
Annie: Certo, il re in persona.
Annie: Ma non dirlo in giro perché la regina è gelosissima.

Regina: Voglio sposarmi laggiù, con l'abito nuziale della mamma, e lo stesso pastore ci benedirà.
Regina: E io dopo la cerimonia suonerò il violino.
Regina: È sciocco lo so, ma a me piace così, sono stufa di essere Regina Martin.
Dave: E il reverendo Morgan è sempre vivo?
Regina: Ha 81 anni, ma la domenica fa sempre il suo bravo sermone.
Regina: Oh, Dave, ma sai che quando gli ho parlato al telefono è scoppiato in lacrime e ho pianto anch'io, è stata l'interurbana più umida che abbia mai avuto...
Dave: Ma no, sei capace di piangere?
Regina: Quando sono felice, veramente felice, divento un Niagara.

 

Piccolo: Ehi, capo, la gente ricca ha i cavalli sulle pedine della dama. 

Dave: Ma perché non hai fregato la carta intestata della Casa Bianca? Potevi dire che eri Eleonora Roosevelt.

Dave: Posso aiutarla, signore?
Console: Oh, ne dubito, signore, sono il console di Spagna. E sto andando...
Dave: Cercavo proprio lei.
Console: Davvero?
Dave: Sì, immigrazione. Tratteniamo il conte Romero a bordo perché sembra che abbia una strana malattia spagnola.
Console: Strana malattia? Ma non esistono strane malattie spagnole.

Henry: Mai in tutta la mia discutibile carriera ho mai posto lo sguardo su tale divina bellezza.
Annie: Taglia corto, giudice, a che ora viene lo Sciccoso?
Henry: Alle 8, mia svolazzante colomba, e porterà le migliori bestie ammaestrate che tu abbia mai visto.
Annie: Ma inganneranno il conte?
Henry: Smettila di preoccuparti, assisterai a un miracolo. Orchidee in fiore dove cresceva l'ortica.
Annie: E se facessero qualche sbaglio?
Henry: Dave li ammazzerà.

Conte Romero: A che ora arrivano gli ospiti?
Alonso: Oh, beh, nessuno arriva mai per primo,
arrivano tutti ultimi

Regina: Carmelo, guarda, sto piangendo
Carmelo: Va bene ... va bene, ognuno ha i guai suoi

 

COME PROMESSO ECCO IL FILM DA VEDERE DIRETTAMENTE QUI:

Vi confesso che scoprire le difficoltà e il clima di tensione che hanno segnato la realizzazione di "Angeli con la pistola" mi ha colpita profondamente, perché è sempre stato uno di quei film che mi ha scaldato il cuore. Tuttavia, proprio conoscere questi retroscena mi ha permesso di apprezzarlo ancora di più. Sapere che, nonostante le antipatie e i problemi dietro le quinte, la professionalità ha prevalso, rendendo possibile un risultato così emozionante, mi ha fatto comprendere quanto il talento e l’impegno possano superare ogni ostacolo.
Da ora in poi, ogni volta che lo rivedrò, saprò guardarlo con occhi diversi e amarlo ancora di più, e spero che possa accadere lo stesso anche a voi.

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“Quel buco di coccodrilli non sarà mai una località turistica.”

Sembra incredibile, ma questo è ciò che pensavano i nativi della Florida quando alcuni imprenditori visionari decisero di trasformare paludi e mangrovie in una destinazione da sogno: Miami Beach. Con una strategia pubblicitaria brillante, Miami Beach venne promossa come il luogo perfetto per il lusso e il relax, attirando le più grandi star di Hollywood. Qui un giovanissima Elizabeth Taylor riceve il suo primo anello di fidanzamento, mentre Frank Sinatra e Ava Gardner scelgono Miami Beach per il loro viaggio di nozze. Poi ci sono gli Hotel che hanno reso iconica questa località, come il Flamingo, il Raleigh e il Fontainebleau, e celebri night-club come il Copa City. 

Lasciatevi trasportare in questo viaggio alla scoperta di Miami Beach, molto più di un rifugio glamour per le Star.

Quattro uomini che hanno saputo vedere oltre

Agli inizi del XX secolo, la Florida meridionale è ancora una terra per lo più incolta, ricoperta di paludi e mangrovie, una regione che pochi considerano una possibile destinazione turistica. L’economia locale si basa principalmente sull’agricoltura e sulla pesca, con infrastrutture limitate e un clima che scoraggia molti dall’investire in queste terre selvagge. Tuttavia, un cambiamento significativo prende avvio con lo sviluppo della ferrovia della Florida East Coast, grazie alla visione dell’imprenditore Henry Flagler. Il prolungamento della linea ferroviaria lungo la costa orientale apre l’accesso a zone fino a quel momento isolate, attirando pionieri agricoli e investitori desiderosi di sfruttare il potenziale di queste aree poco sviluppate.

Tra i primi ad accogliere la sfida di trasformare queste terre selvagge c’è John Collins, un agricoltore e imprenditore del New Jersey. Attirato dal clima mite e dalle prospettive di sviluppo agricolo, Collins acquista grandi appezzamenti di terra con l’intento di coltivare noci di cocco e avocado. Tuttavia, si rende presto conto che le terre che ha acquistato sono ben lontane dall’essere pronte per l’agricoltura. Paludi e mangrovie ostacolano i suoi piani, ma Collins non si lascia scoraggiare. Determinato a trasformare questa regione, avvia un progetto ambizioso di bonifica, drenando l’acqua stagnante e creando canali. Il suo sforzo comincia a prendere forma, ma per connettere la sua terra alla città, Collins ha bisogno di un collegamento solido con la terraferma. Così, con l’aiuto di prestiti e finanziamenti, avvia la costruzione di un ponte di legno lungo 4 km, destinato a diventare il più lungo al mondo al suo completamento.

Quando i fondi di John Collins si esauriscono e la costruzione del ponte si ferma, interviene Carl Fisher, un imprenditore visionario originario dell’Indiana, già famoso per aver fondato l’autodromo Indianapolis Motor Speedway, uno dei circuiti automobilistici più celebri del mondo. Fisher decide di finanziare il completamento del Collins Bridge in cambio di terreni e comincia a sviluppare la sua visione di un rifugio esclusivo per i ricchi e famosi, con ville, hotel e spiagge dorate che avrebbero attirato l’élite americana.

Snobbato dalle élite aristocratiche di Palm Beach, Fisher decide di creare il proprio rifugio invernale per coloro che, come lui, cercano lusso e avventura lontano dalle destinazioni tradizionali. Dopo aver investito nel progetto del ponte, inizia a dragare canali, pompare sabbia e modellare il paesaggio per realizzare una destinazione capace di competere con le località turistiche più prestigiose.  Pianta fiori tropicali, palme maestose e altre piante esotiche, conferendo alla zona un aspetto da sogno. 
Ma Fisher sa che non basta costruire strade e abitazioni per attrarre i turisti. Con la stessa determinazione che lo aveva portato a creare l’Indianapolis Motor Speedway, aggiunge un tocco di lusso senza pari: costruisce casinò con piscina, campi da golf, campi da polo, giardini da tè e campi da tennis. Il suo obiettivo è creare un’esperienza completa e indimenticabile per i ricchi industriali e imprenditori del tempo.

Mentre Carl Fisher continua a sviluppare la sua visione per questa zona ancora in trasformazione, anche i fratelli John e James Lummus, due banchieri di Miami, vedono il potenziale di quella che presto diventerà una destinazione di lusso e si uniscono all’impresa, fornendo finanziamenti fondamentali per lo sviluppo delle infrastrutture necessarie. Grazie ai loro investimenti, le strade cominciano a prendere forma, e i primi edifici sorgono lungo la costa. Case eleganti e strutture ricettive iniziano a punteggiare l’area, attirando i primi turisti e investitori, e dando vita a quello che viene ricordato come il primo boom immobiliare della regione. Con l’arrivo dei primi acquirenti, la costa si anima e inizia a delinearsi l’aspetto di una vera e propria città balneare, che presto vedrà un’esplosione di attività e la costruzione di numerosi hotel di lusso.

Ora bisogna solo vendere un’idea

Quando il paesaggio di paludi bonificate e spiagge dorate inizia a prendere forma, Carl Fisher sa bene che, per trasformare questo nuovo paradiso in una destinazione ambita dalle élite americane, ha bisogno di una strategia pubblicitaria innovativa. Entra così in gioco Steve Hannigan, un brillante pubblicitario che diventerà in seguito famoso anche per il lancio di Sun Valley, la località sciistica preferita dalle Star (di cui vi ho parlato qui). Hannigan capisce subito che il segreto per attirare visitatori da tutto il paese non sta solo nella costruzione di strutture lussuose, ma nella creazione di un’immagine affascinante e irresistibile.

Steve Hannigan qualche anno più tardi, all'epoca del fidanzamento con l'attrice Ann Sheridan

La sua strategia è semplice quanto geniale: dipingere Miami Beach come un luogo per sfuggire al freddo dell’inverno. Con slogan memorabili come “Miami Beach, dove l’estate trascorre l’inverno” e “La cosa più vicina al paradiso che conosciamo”, Hannigan crea una serie di campagne pubblicitarie che invadono giornali, riviste e persino cartelloni a Times Square. Fotografie di spiagge luminose e palme mosse dalla brezza vengono diffuse ovunque, rafforzando l’idea di una destinazione tropicale eterna, perfetta per chi desidera sfuggire ai rigori dell’inverno. Hannigan incoraggia anche la copertura mediatica continua di Miami Beach, inviando migliaia di comunicati stampa e foto ad editorialisti come Walter Winchell e Ed Sullivan, consolidando l’immagine di Miami Beach come un rifugio glamour. 

Hotel da sogno

 

Dietro al primo hotel di Miami Beach, il Flamingo, costruito nel 1920, c’è lo stesso Carl Fisher. Quando apprende che il Presidente americano Warren G. Harding sta pianificando un viaggio in Florida per l’inverno del 1920-1921, Fisher vede subito l’opportunità perfetta per promuovere il Flamingo. Dopo aver esercitato la sua influenza con senatori amici e offerto una suite gratuita in uno dei cottage dell’hotel, riesce a convincere Harding a fermarsi. Durante la visita, Harding loda pubblicamente la bellezza e l’attrattiva di Miami Beach, definendo la sua crescita “magica” e promettendo di tornare. Questo elogio presidenziale genera una straordinaria pubblicità per Miami Beach e il Flamingo Hotel, rafforzandone la reputazione come principale destinazione turistica invernale per l’élite americana.

 

Fisher, sempre alla ricerca di modi per promuovere Miami Beach, organizzava regate di motoscafi nelle acque tranquille della Biscayne Bay, proprio di fronte al Flamingo. Queste gare di velocità erano concepite per intrattenere i ricchi ospiti del Flamingo e per attrarre turisti sofisticati, offrendo loro uno spettacolo emozionante in un ambiente esclusivo. Fisher vedeva nelle acque della baia il luogo ideale per queste competizioni, evitando deliberatamente le affollate spiagge oceaniche.