Bentornati al mio viaggio attraverso le colonne sonore!

Nella prima parte vi ho parlato di film non prettamente musicali con colonne sonore epiche, dandovi anche qualche consiglio su come acquistare vinili di seconda mano con serenità (potete recuperarla dopo qui). Nella seconda parte, abbiamo esplorato la genialità dei grandi compositori che hanno dato vita a melodie senza tempo (la trovate qui). Oggi vi porto dietro le quinte dei musical di Gene Kelly, il re indiscusso del genere.

Anche se i musical non sono esattamente il vostro genere preferito, c'è un lato di questi film che non tutti conoscono: la sfida immensa che la loro realizzazione comporta. Oltre alla bellezza delle coreografie e delle canzoni, dietro ogni film c'è un mondo di preparazione fisica estenuante, di sfide tecniche sul set, e di decisioni artistiche che trasformano ogni scena in un vero e proprio spettacolo visivo. Non è solo questione di ballare e cantare, ma di raccontare una storia attraverso ogni movimento, ogni melodia, e ogni dettaglio della scenografia.
Vi racconterò curiosità e aneddoti su come Gene Kelly, con la sua dedizione maniacale alla perfezione, sia riuscito a superare queste difficoltà, contribuendo alla creazione di alcune delle sequenze più memorabili della storia del cinema. 

Per esempio, sapevate che durante la ripresa della famosa scena di "Singin' in the Rain", Kelly aveva la febbre a 39°C, o che Debbie Reynolds, che non era una ballerina professionista, ha dovuto imparare tutto da zero? 

Questi film non sono solo un omaggio alla musica, ma una dimostrazione di quanto impegno, talento e passione servano per creare una magia che dura nel tempo.

Vinile sul piatto, la puntina scende delicatamente e il leggero crepitio ci annuncia che è tutto pronto. Le note iniziano a farsi sentire, ed eccoci pronti per un nuovo viaggio musicale.

Diciamolo, Gene Kelly non avrebbe bisogno di presentazioni.

Con la sua presenza scenica magnetica, ha rivoluzionato il cinema musicale, portando la danza a un livello completamente nuovo. Nato a Pittsburgh nel 1912, Eugene Curan Kelly è un artista poliedrico, capace di eccellere come ballerino, attore, cantante, coreografo e regista. Non è solo un volto del cinema, ma una vera e propria leggenda che ha cambiato per sempre il modo in cui il pubblico vedeva i musical. La sua capacità di fondere la grazia del balletto con l'energia fisica della danza moderna ha reso ogni sua performance una celebrazione di agilità, forza e precisione.

Ma quello che molti non sanno è quanto fosse perfezionista e esigente sul set, non solo con gli altri, ma soprattutto con se stesso. Gene Kelly non si accontentava mai: coreografie innovative, numeri musicali complessi e una costante ricerca della perfezione erano il suo marchio di fabbrica. E tutto questo non era solo per spettacolarità: Kelly credeva che la danza dovesse essere parte integrante della narrazione cinematografica, e che non fosse solo un momento di intrattenimento, ma un modo per raccontare una storia.
All'interno del sistema degli studios di Hollywood, Kelly riuscì a ritagliarsi una sua indipendenza creativa, imponendo la sua visione artistica. Collaborava strettamente con registi, scenografi e compositori, trasformando i suoi film in opere d'arte complete, dove ogni dettaglio era curato al millimetro.

Nella sua vita personale, Kelly si è sposato tre volte. Il suo primo matrimonio, nel 1941, è stato con l'attrice Betsy Blair, famosa per il suo ruolo nel film Marty (di cui vi ho parlato qui). La coppia è rimasta insieme per oltre 15 anni e ha avuto una figlia, Kerry. Dopo il divorzio, Kelly si è risposato con la coreografa Jeanne Coyne nel 1960, con la quale ha avuto altri due figli, Bridget e Timothy. Purtroppo, il matrimonio è terminato tragicamente nel 1973 con la morte prematura di Coyne. Il suo terzo e ultimo matrimonio è stato con Patricia Ward, di oltre 40 anni più giovane, con cui è rimasto fino alla sua morte nel 1996.

1) Un americano a Parigi

 

Nel 1950, Arthur Freed è a capo dell'unità musicale della MGM, una posizione che si è guadagnato dopo anni di successi come paroliere e produttore, realizzando alcuni dei musical più iconici dello studio. La sua abilità nel creare grandi successi lo porta a concepire un progetto ambizioso: fondere la musica di George Gershwin con l'arte visiva dell'impressionismo francese. Freed individua nel poema sinfonico An American in Paris, composto da Gershwin nel 1928, la base perfetta per un film. Poiché George Gershwin è scomparso nel 1937, Freed contatta il fratello Ira, ottenendo i diritti della sinfonia a una condizione: nel film dovranno essere utilizzati esclusivamente i brani di George. Freed accetta con entusiasmo, immaginando già il potenziale per un capolavoro musicale.

Affida la regia a Vincente Minnelli, con cui aveva già collaborato ne Il pirata (1948), e sceglie Gene Kelly come protagonista e coreografo. Per il ruolo femminile, inizialmente destinato a Cyd Charisse, la gravidanza dell’attrice impone un cambio di piani. Kelly ricorda di aver visto due anni prima una giovane ballerina di 16 anni, Leslie Caron, mentre si esibiva con il Ballet des Champs Elysées di Roland Petit. Colpito dalla sua grazia e dal talento, vola a Parigi per farle un provino e, dopo tre giorni, Leslie viene chiamata a Hollywood.

La sceneggiatura viene affidata a Betty Comden e Adolph Green, che costruiscono una trama attorno a un giovane pittore americano a Parigi, integrando magistralmente le musiche di Gershwin – tra cui brani celebri come "I Got Rhythm" e "Love Is Here to Stay" – all'interno della narrazione. 

Johnny Green, direttore musicale della MGM, amplia l'orchestra da 50 a 72 membri per dare maggiore forza alla partitura. Saul Chaplin si occupa dell’adattamento delle composizioni di Gershwin per il film e, nonostante le iniziali preoccupazioni di alterare un’opera così importante, riesce a creare un arrangiamento perfettamente in linea con la visione di Freed.

Ma entriamo ancora di più in questo musical attraverso i suoi brani. 

Il primo di cui voglio parlarvi è I Got Rhythm. In questa scena, Jerry Mulligan (Gene Kelly) canta e balla con un gruppo di bambini per le strade di Parigi. Kelly volle che i bambini fossero figli di immigrati francesi, non professionisti, per aggiungere un tocco di autenticità e spontaneità alla scena. Il risultato è un momento perfetto: la loro energia naturale e la gioia genuina si fondono con il carisma di Kelly, creando una scena vibrante e memorabile. La canzone, con il suo ritmo travolgente, incarna appieno la sensazione di libertà e gioia di Jerry, felice della sua vita parigina.

In Tra-la-la, Jerry è al settimo cielo per la sua relazione con Lise (Leslie Caron) e condivide il suo entusiasmo con Adam (Oscar Levant). Nonostante il carattere burbero di Adam, i due cantano e ballano in un numero spensierato che celebra l’amore. Tuttavia, la realizzazione della scena non fu affatto semplice: i passi di danza, veloci e complessi, vennero eseguiti in uno spazio ristretto, rendendo il numero una sfida tecnica non indifferente.

Lo spettacolare I'll Build a Stairway to Paradise, eseguito da Henri Baurel (Georges Guétary), è un omaggio agli sfarzosi spettacoli di Broadway. Henri canta mentre sale una scintillante scala rosa, con ogni gradino che si illumina al suo passaggio. Attorno a lui, eleganti ballerine scendono le scale mentre altre, disposte ai lati, reggono candele come fossero statue. Pare che, a causa del calore intenso dei riflettori, alcune delle ballerine siano svenute durante le riprese. Il numero trasuda ambizione e lusso, riflettendo perfettamente la scala verso il successo del personaggio di Henri.

Un’altra scena memorabile è quella del Concerto in F for Piano and Orchestra. In un surreale sogno ad occhi aperti, Adam (Oscar Levant) immagina di eseguire il concerto di Gershwin, ma nella sua fantasia non è solo il pianista: è anche il direttore d’orchestra e ogni singolo musicista. Suona violini, xilofono, timpani, e applaude persino se stesso con entusiasmo. Questa sequenza, carica di ironia e umorismo, è una parodia del mondo musicale e riflette l’ego di Adam in maniera brillante e divertente.

 

La storia del brano 'S Wonderful inizia nel 1927, quando George e Ira Gershwin la scrivono per il musical Funny Face. La melodia semplice e ripetitiva di George è subito memorabile, mentre Ira aggiunge un tocco colloquiale e giocoso, eliminando la “It” dal titolo per rendere il testo più intimo. Nel film, 'S Wonderful è eseguita da Jerry e il suo amico Adam mentre si godono la vita a Parigi, celebrando la gioia di un amore che sboccia.

Infine, arriviamo al gran finale: il celebre An American in Paris Ballet, un'esplosione di colori e movimenti che rende omaggio ai grandi pittori francesi come Renoir e Toulouse-Lautrec. Il balletto, lungo 17 minuti e costato 450.000 dollari, è una vera scommessa per Freed, poiché è interamente senza dialogo. Girato su 44 set diversi, è una delle sequenze più ambiziose del film. Gene Kelly e Leslie Caron esprimono le emozioni dei loro personaggi esclusivamente attraverso la danza, creando un momento di pura magia cinematografica.

La produzione deve anche affrontare un imprevisto: Nina Foch, una delle attrici principali, contrae la varicella, causando ritardi e richiedendo l'uso di trucco pesante nelle ultime scene per coprire le cicatrici. Nonostante questi ostacoli, Un americano a Parigi ottiene un successo straordinario, vincendo sei Oscar, tra cui quello per il Miglior Film, e venendo inserito nel National Film Registry per la sua rilevanza culturale e storica.

La mia traccia preferita: Forse vi stupirò, ma il mio brano preferito in Un americano a Parigi è forse uno dei più semplici. "I Got Rhythm" non ha complesse scenografie, decine di comparse o coreografie impossibili. Eppure, tutto funziona alla perfezione. Il carisma di Gene Kelly e la genuinità dei bambini creano un'atmosfera irresistibile di pura gioia.
Se vi sembra di avere una sensazione di “fiato corto” durante l'ascolto, c'è una ragione precisa: Gershwin ha costruito la melodia su un ritmo che sembra rincorrere se stesso. Le frasi iniziali, come "I got...", sono leggermente ritardate rispetto al battito principale, creando una tensione sottile che vi tiene in sospeso. Poi, la frase "Who could ask for anything more?" arriva con un’esplosione di energia, liberando tutto il dinamismo accumulato. Questo gioco tra attesa e risoluzione rende il brano estremamente vivace, perfetto per la spensieratezza della scena.
Kelly inizia la scena come un vero e proprio direttore d’orchestra, facendo cantare i bambini sulle parole "I've got...", mentre anticipano ritmicamente il suo "rhythm". Man mano che il numero prosegue, l’entusiasmo cresce: sia Kelly che i bambini alzano il volume delle loro voci, seguiti dagli strumenti che li accompagnano. A un certo punto, i violini pizzicati entrano delicatamente, creando uno sfondo leggero per il numero di tip-tap di Kelly, che dona ulteriore ritmo alla scena. Infine, il tema musicale esplode in modo festoso con l'ingresso di archi e ottoni, fino a un finale travolgente che lascia tutti col sorriso.

 

2) Cantando sotto la pioggia

Nel 1951, dopo il successo di Un americano a Parigi, Arthur Freed, capo dell'unità musicale della MGM, decide di intraprendere un nuovo progetto musicale basato su alcune delle canzoni che lui stesso aveva scritto insieme a Nacio Herb Brown negli anni '20 e '30. Una delle canzoni chiave del progetto è la celebre "Singin' in the Rain", già utilizzata nel film The Hollywood Revue of 1929, attorno alla quale ruoterà la storia del nuovo film. L’idea di Freed è di realizzare un musical che celebri la transizione dal cinema muto a quello sonoro, ambientando la trama in quel cruciale periodo storico di Hollywood.

Dopo aver completato Un americano a Parigi, Freed propone il ruolo da protagonista a Gene Kelly, che accetta con entusiasmo e assume anche il compito di coreografare e co-dirigere il film insieme a Stanley Donen. Kelly, già uno dei più grandi nomi del musical hollywoodiano, porta la sua abilità di ballerino e la sua visione coreografica unica, trasformando il progetto in una delle opere più iconiche della storia del cinema.
A soli 16 anni, Debbie Reynolds viene eletta Miss Burbank, un concorso di bellezza che cattura l'attenzione di un talent scout della Warner Bros., che la mette sotto contratto. Dopo due anni, Reynolds passa alla MGM e ottiene il suo primo grande successo con la sorprendente performance nel film Due settimane d'amore. È grazie a questa performance che Freed decide di promuoverla al ruolo di protagonista femminile in Cantando sotto la pioggia. Nonostante non fosse una ballerina professionista, Reynolds affronta la sfida con impegno, sottoponendosi a tre mesi di prove sotto la guida severa di Kelly (e grazie anche all'aiuto di Fred Astaire che si è offerto di aiutarla).

La canzone "Make 'Em Laugh", interpretata da Donald O'Connor, viene creata appositamente per il film, anche se prende chiaramente spunto da "Be a Clown" di Cole Porter. Le riprese durano tre giorni, durante i quali O'Connor esegue acrobazie incredibili, come correre su un muro, spingendosi ai limiti fisici. A causa dell'intenso sforzo richiesto dalla scena, O'Connor, che all'epoca fumava quattro pacchetti di sigarette al giorno, viene ricoverato in ospedale dopo il termine delle riprese. 

Un altro numero di cui voglio parlarvi è "Moses Supposes". In questa scena Don e Cosmo trasformano una monotona lezione di dizione in un'esuberante performance di tip-tap. Annoiati dagli esercizi ripetitivi del loro insegnante, iniziano a giocare con lo scioglilingua "Moses supposes his toeses are roses", dando vita a una sequenza musicale caratterizzata da una melodia ostinata, ovvero un motivo musicale ripetuto insistentemente, che crea un ritmo coinvolgente e dà struttura al brano. Stanley Donen, il regista, ha definito questo numero "il miglior numero di tip-tap che sia mai stato fatto al cinema". La canzone, con il suo ritmo incalzante e le coreografie impeccabili, incarna perfettamente lo spirito ribelle e creativo dei personaggi, rendendo la scena vibrante e indimenticabile. 

Nella sequenza di "Good Morning", Reynolds, Kelly e Donald O'Connor si esibiscono in un numero energico e perfettamente coreografato. Tuttavia, per Reynolds, la scena rappresenta una delle prove più difficili della sua carriera. Dopo ore di riprese, le sue scarpe sono intrise di sangue, ma la sua performance rimane un esempio straordinario di resistenza e dedizione. La coreografia, che celebra l'amicizia e l'ottimismo dei personaggi, è una delle più memorabili del film.

Inizialmente, la canzone "Singin' in the Rain" era stata pensata come un numero corale, ma nelle revisioni successive diventa un assolo per Gene Kelly. La celebre scena viene girata il 17 luglio 1951 nel backlot della MGM, dove la luce del giorno viene oscurata con teli neri per simulare una notte piovosa. Le riprese affrontano problemi tecnici: la pressione dell'acqua cala ogni sera quando i residenti accendono gli irrigatori dei giardini. Kelly, nonostante una febbre di 39°C, si esibisce in una delle performance più iconiche della sua carriera, trasformando il semplice atto di camminare sotto la pioggia in un capolavoro di danza e cinema.

Il balletto "Broadway Melody", della durata di 13 minuti, è uno dei momenti più ambiziosi e controversi del film. Gene Kelly inizialmente pensava fosse troppo lungo, e il co-regista Stanley Donen arrivò persino a tagliarne una parte per alcune proiezioni private, temendo che interrompesse il flusso della narrazione. La sequenza è stata voluta da Arthur Freed, non da Kelly, come un grande numero spettacolare per il film, nonostante non contribuisca direttamente alla trama principale.
Il balletto racconta il sogno di Don Lockwood (Kelly), rappresentando il suo desiderio di successo a Broadway. La sequenza inizia con un imponente set dominato da insegne al neon e vivaci ballerini. La scena si sviluppa in una parabola sul successo e le tentazioni dello show business, con la comparsa della "vamp" interpretata da Cyd Charisse, simbolo della corruzione e del potere. Con il suo vestito verde, Charisse seduce il protagonista, portando con sé il richiamo del denaro e del compromesso artistico. Nel finale, il sogno del ballerino si trasforma in una visione onirica con la vamp che diventa una figura innocente e idealizzata, prima che il protagonista si risvegli. Durante questa scena, il suo lungo velo bianco viene mosso a ritmo di musica grazie a macchine del vento, che soffiano sincronizzate per creare un effetto visivamente poetico. La sequenza è un grande esempio di "cinema puro", dove la danza, la scenografia e il montaggio raccontano una storia senza dialoghi, riflettendo il conflitto interiore tra arte e successo commerciale.

La scena conclusiva del film si svolge al Grauman’s Chinese Theatre di cui è stata realizzata una copia (se non conoscete la storia di questo leggendario teatro potete recuperare il mio articolo qui), dove viene svelato che dietro il sipario, la vera voce che canta per Lina Lamont (interpretata da Jean Hagen) è quella di Kathy Selden, il personaggio interpretato da Debbie Reynolds.
 

Cantando sotto la pioggia non ha ottenuto grandi riconoscimenti al momento della sua uscita, con solo due nomination agli Oscar, ma è diventato un classico intramontabile, celebrato come uno dei migliori film della storia del cinema. Oggi è al primo posto nella lista dei migliori musical dell'American Film Institute e, nel 1989, è stato selezionato per la conservazione nel National Film Registry per la sua importanza culturale e storica.
 

La mia traccia preferita: non può che essere "Singin' in the Rain", un momento di pura magia cinematografica, in cui la gioia e la leggerezza dell'amore appena sbocciato si fondono in un'esplosione di musica e danza. La sequenza si apre con gli archi, che introducono un'atmosfera sognante e dolce, mentre Gene Kelly inizia a canticchiare "dum dim dum dum" con un sorriso accompagnato  xilofono accenna il tema principale, quasi in punta di piedi, preparando il terreno per la melodia che sta per esplodere.
Quando Kelly comincia a cantare la leggerezza dei suoi passi, quasi saltellati, è data dai fiati.
Gli archi lo seguono, riflettendo la sua spensieratezza e la leggerezza del momento. Uno dei momenti più iconici è quando si aggrappa al lampione, facendo roteare l'ombrello con nonchalance. Gli accenti sono accompagnati dagli ottoni.
Il tema musicale continua con un tripudio di archi che si intrecciano con la coreografia di tip tap, seguendo i suoi movimenti con un'energia crescente. Mentre il protagonista gioca con le pozzanghere, saltando e spruzzando acqua, gli ottoni e i piatti si fanno più presenti, accentuando il senso di gioia travolgente e la complicità con gli elementi naturali, bruscamente interrotto dal poliziotto.
Nel finale ritornano la delicatezza dello xilofono e i fiati, che accompagnano l’uscita di scena di Kelly. La musica chiude il cerchio, riportando lo spettatore alla serenità iniziale, ma con una nota di soddisfazione ed euforia.

3) Brigadoon

Se pensate che Arthur Freed, dopo il successo di Un americano a Parigi e mentre lavorava a Cantando sotto la pioggia, potesse limitarsi a un solo musical, vi sbagliate di grosso. Quell'uomo, con le mani in mano, proprio non ci riesce a stare. Nel 1951, decide infatti di acquistare i diritti di Brigadoon, il famoso musical di Broadway.
Brigadoon debutta a Broadway il 13 marzo 1947, diventando un successo immediato. È il primo grande trionfo per il compositore Frederick Loewe e il paroliere Alan Jay Lerner. Il musical si ispira alla fiaba tedesca Germelshausen, che racconta di una città che appare una volta ogni 100 anni, ma la storia viene trasportata nelle suggestive Highlands scozzesi. La magia e il mistero di questa ambientazione si fondono con una storia d'amore senza tempo, conquistando il pubblico: 581 repliche a Broadway e ben 685 a Londra. In una stagione che vede musical del calibro di Oklahoma!, Carousel e Annie Get Your Gun riempire i teatri, Brigadoon si distingue per la sua atmosfera incantata e la musica affascinante.
Freed, affascinato dal potenziale cinematografico della storia, mette il progetto in cantiere, ma la lavorazione di Cantando sotto la pioggia gli impedisce di avviarlo subito. Così Brigadoon resta in sospeso fino al 1953, quando viene finalmente ripreso. 

Per il protagonista, non ci sono dubbi: il ruolo è perfetto per Gene Kelly. Ma la scelta della partner femminile è tutt'altro che semplice. Inizialmente, il ruolo di Fiona viene assegnato a Kathryn Grayson, già al fianco di Kelly in Due marinai e una ragazza (1945), ma la Grayson lascia la MGM. Kelly vorrebbe Moira Shearer, ma gli impegni della ballerina con il Sadler Wells Ballet lo impediscono. Alla fine, viene scelta Cyd Charisse, il cui talento e grazia portano il ruolo a nuove vette. Charisse, però, viene doppiata nelle parti cantate da Carol Richards, che riesce a dare alla sua interpretazione un delicato accento scozzese.
Anche per il ruolo di Jeff ci sono incertezze. Arthur Freed spera di riunire Kelly con Donald O'Connor, ma quest'ultimo ha già lasciato la MGM. Così la parte va a Van Johnson, una scelta azzeccata, grazie al suo passato da ballerino.

Le riprese di Brigadoon si svolgono negli studi di Culver City, California, e non nelle Highlands scozzesi come inizialmente sperato. La politica di tagli al budget imposta da Dore Schary, subentrato a Louis B. Mayer, costringe la produzione a girare in studio. Ma la MGM non si risparmia. Viene creato uno dei set più spettacolari mai visti, con colline abbastanza robuste da sostenere i ballerini durante le danze. La salvia californiana, dipinta di color lavanda, simula l'erica scozzese, mentre le nebbie vengono realizzate con ghiaccio secco e vaporizzazione di olio. Gli alberi di plastica sono decorati con foglie vere e un ruscello di 23 metri scorre tra le valli del set, aggiungendo un tocco di realismo. L'art director Preston Ames crea un fondale dipinto così realistico che persino gli uccelli, volando, lo scambiano per il paesaggio reale.
La produzione setaccia anche Hollywood alla ricerca di suonatori di cornamusa, che però devono imparare a leggere la musica per eseguire le partiture del film.

Ma veniamo ai numeri musicali, "Down on MacConnachy Square" è uno dei brani più vivaci del film. Rappresenta il risveglio del villaggio, con i suoi abitanti che riprendono la vita quotidiana con la fiera del paese. Il set è pieno di colori brillanti e la coreografia sfrutta ogni angolo del villaggio per farci sentire immersi in quella comunità vibrante.

Un altro brano che spicca è "Waitin' for My Dearie", un dolce inno all'attesa del vero amore, cantato da Fiona (Cyd Charisse). Con la sua melodia sognante e malinconica, il brano cattura perfettamente il desiderio di Fiona di aspettare l'uomo giusto, anche se questo significa rimanere sola. Per lei, l'attesa del vero amore è preferibile a un matrimonio senza passione, e il suo sogno incarna un ideale romantico universale. La scena si svolge in una casa, dove Fiona, circondata dalle altre donne del villaggio, canta delle sue speranze per il futuro. Mentre le altre ragazze si mostrano più disposte ad accettare qualsiasi proposta pur di non rimanere sole, Fiona dichiara con fermezza che lei aspetterà il suo "laddie", anche se dovesse diventare una vecchia zitella. Ad un certo punto una delle ragazze, mascherata da uomo con baffi finti e una pentola in testa come cappello, la invita a ballare, portando una nota divertente alla scena. Le altre donne obiettano, dicendo che le notti senza un uomo sono interminabili, ma Fiona risponde con una frase che cattura l'essenza del suo ideale romantico: "La notte è ancora più lunga quando l'uomo non è quello giusto."

Non possiamo poi dimenticare "The Chase", un numero coreografato con estrema precisione che si snoda in una caccia drammatica. Gli uomini del villaggio inseguono Harry Beaton, che tenta di fuggire, sapendo che la sua fuga spezzerà il miracolo di Brigadoon. La tensione cresce con ogni passo di danza, culminando nel tragico destino di Harry. Ma la scena non rappresenta solo una caccia fisica: è anche il riflesso del dilemma interiore di Tommy, diviso tra il desiderio di tornare alla sua vita reale e la tentazione di rimanere nel mondo magico di Brigadoon. Questo balletto, pur nella sua intensità, esprime il tema centrale del film: l'amore che trascende il tempo e lo spazio.

Brigadoon, costato la considerevole cifra di 3 milioni di dollari, ottiene un più che discreto successo al botteghino con un incasso di 2,25 milioni di dollari, ma non riesce a recuperare completamente i costi di produzione. Il film viene nominato a tre Oscar: Migliore scenografia, Migliori costumi e Miglior sonoro. Tuttavia, nonostante il riconoscimento dell'Academy, Brigadoon non porta a casa nessuna statuetta.

La mia traccia preferita: Ok, qui ho davvero avuto difficoltà a scegliere, ma alla fine ha prevalso la magia di The Heather on the Hill. La canzone si apre con delicate note di flauto traverso, quasi come se fosse un risveglio graduale. Poi, pian piano, arrivano gli archi, accompagnando questo passaggio dal dormiveglia al sogno, e infine, la voce di Gene Kelly, che entra sussurrata e piena di un'aria sognante. Gli ottoni, in particolare il corno, aggiungono maestosità e profondità alla scena. Con il progredire della canzone, il ritmo diventa più vivace, e anche la voce di Kelly cresce in potenza, conferendo un senso di espansione e libertà. Ad un certo punto, Kelly lascia che siano gli archi a prendere il sopravvento, creando un’atmosfera quasi onirica, accompagnata dall'arpa che amplifica il senso di sogno. È in questo momento che inizia la coreografia sognante tra Gene Kelly e Cyd Charisse, un vero e proprio balletto della natura, con un cesto di vimini che si unisce a loro come fosse un'estensione dei loro corpi, seguendo i loro movimenti armoniosi. Un dettaglio divertente: quell'erica che sembrano raccogliere non è affatto erica, ma salvia dipinta di viola.

Ci tengo però a menzionare anche la dolcissima Waitin' for My Dearie, che mi ha ricordato Getting to Know You da "Il Re ed Io" e June Bride da "Sette spose per sette fratelli". Infine, la canzone che porta il titolo del film, Brigadoon, è una melodia suggestiva e avvolgente: la prima volta che l’ho ascoltata, mi è rimasta in testa per ore!

 “Sono stanco di accamparmi all’aperto. È arrivato il momento di costruire qualcosa che duri per sempre”.

È con queste parole che William Randolph Hearst si rivolge all'architetto Julia Morgan, affidandole il progetto per trasformare il suo ranch di San Simeon, sulla costa della California tra San Francisco e Los Angeles, in qualcosa di ben più solido di una tenda da campeggio. Nessuno, in quel momento, avrebbe immaginato che quel semplice desiderio si sarebbe evoluto in una costruzione di proporzioni mastodontiche, destinata a diventare una delle residenze più famose della storia: Hearst Castle.

Cosa rende la storia di questo luogo così affascinante da volerla condividere con tutti voi?”

Tutto inizia da William Randolph Hearst, uno dei più influenti magnati dell'editoria e dello spettacolo del XX secolo, a cui si è ispirato Orson Welles per il film Quarto Potere. Questa dimora doveva riflettere il suo gusto per il lusso e il suo potere sui media e la società. Non bastava una semplice casa: Hearst voleva un castello che celebrasse la sua grandezza e il suo status.

L’altra protagonista di questa storia è Julia Morgan, la prima donna a laurearsi alla prestigiosa École des Beaux-Arts di Parigi e pioniera dell’architettura negli Stati Uniti. È a lei una delle poche donne del tempo a lavorare come architetto, che Hearst affida l'incarico di trasformare il suo sogno in realtà. Morgan ha fuso l’eleganza delle architetture europee con la natura selvaggia e i materiali californiani, creando qualcosa di unico. Hearst Castle rappresenta l'incredibile ingegno di una donna che ha aperto la strada a generazioni future.

Infine, Hearst Castle è stato teatro di feste leggendarie. Le sue stanze hanno ospitato le più grandi star di Hollywood, insieme a produttori e registi di fama mondiale. Clark Gable, Charlie Chaplin, Greta Garbo e Cary Grant, e tante altre celebrità hanno partecipato a eventi sfarzosi e a tema che sono diventati parte del mito di questo luogo straordinario, rafforzando il fascino senza tempo di Hearst Castle.

Il Magnate visionario

William Randolph Hearst nasce nel 1863 a San Francisco, figlio di un senatore e imprenditore minerario. Cresce in una famiglia benestante e riceve un'educazione d'élite, prima alla St. Paul’s School nel New Hampshire e poi ad Harvard, da cui viene espulso per il suo comportamento ribelle, anche se questo non gli impedirà di costruire una carriera straordinaria.
Nel 1887 eredita dal padre la gestione del San Francisco Examiner e lo trasforma in uno dei giornali più letti della città, grazie a uno stile sensazionalistico che attira i lettori. Nel 1895 acquisisce il New York Journal, entrando in competizione con Joseph Pulitzer. Grazie alla sua espansione, Hearst riesce a creare un impero mediatico che influenzerà profondamente l'opinione pubblica americana.
Oltre al mondo del giornalismo, Hearst si appassiona al cinema, e nonostante il matrimonio con Millicent Willson e i loro cinque figli, la sua relazione con l'attrice Marion Davies diventerà una delle più significative della sua vita. Hearst investe ingenti risorse nella carriera di Marion, producendo film su misura per lei e garantendole successo attraverso i suoi giornali.
Negli anni '20 e '30, il suo impero mediatico si estende a giornali, riviste, radio e cinema, rendendolo uno degli uomini più potenti d’America.

La Pioniera dell'architettura

Nella stessa San Francisco in cui nasce William Randolph Hearst, undici anni dopo, nel 1872, viene al mondo Julia Morgan, la donna che lo avrebbe aiutato a realizzare il suo grande sogno. Cresciuta in una famiglia che incoraggia la sua curiosità e passione per l’ingegneria e l’architettura, Julia si laurea in ingegneria civile presso la University of California, Berkeley nel 1894, poiché in California non esistono scuole di architettura.
Dopo la laurea, lavora nello studio di Bernard Maybeck, architetto innovatore della Bay Area, che la sprona a trasferirsi a Parigi per studiare all'École des Beaux-Arts, la scuola di architettura più prestigiosa del mondo. Nel 1897, quando le donne vengono finalmente ammesse ai corsi, Julia si iscrive e, nel 1902, diventa la prima donna a laurearsi in architettura nella storia della scuola.
Tornata negli Stati Uniti, dopo una collaborazione con John Galen Howard, apre il proprio studio. Uno dei suoi primi incarichi di rilievo è la ricostruzione dell’Hotel Fairmont di San Francisco, distrutto dal terremoto del 1906, dove dimostra il suo talento nell'uso del calcestruzzo armato, una tecnologia d’avanguardia.
Il suo talento attira l’attenzione di Phoebe Hearst, madre di William Randolph, che la introduce al figlio, dando vita a una collaborazione destinata a segnare la storia. Il loro primo progetto insieme è l’Hearst Examiner Building a Los Angeles, realizzato tra il 1913 e il 1915.
Nel 1919, dopo la morte di Phoebe, William eredita l’immenso patrimonio di famiglia e decide di trasformare il ranch di San Simeon in qualcosa di leggendario: Hearst Castle.

Dalla carta alla realtà

L'idea iniziale di Hearst per 'La Cuesta Encantada' (la collina incantata) era quella di un rifugio semplice, ispirato ai bungalow californiani. Immaginava una serie di strutture con tetti a bassa pendenza, materiali naturali e un'estetica essenziale, che riflettesse la filosofia dei cottage del New England e dell'architettura giapponese in legno. Questa concezione iniziale prevedeva linee pulite e armoniose, utilizzando materiali locali per creare un'architettura funzionale e rispettosa dell’ambiente.
Questo sogno rustico si trasformò rapidamente in un complesso monumentale che sembra crescere e svilupparsi come un mosaico infinito per ospitare le enormi collezioni d'arte di Hearst e replicare le decorazioni dei castelli e delle cattedrali che aveva ammirato nei suoi viaggi in Europa (il progetto impegnerà Hearst e la Morgan per 26 anni).

L'intero complesso comprende l’edificio principale, Casa Grande, e tre cottage: Casa del Mar per la vista mozzafiato sull'Oceano Pacifico (con le sue 20 stanze, Hearst ci ha vissuto dal ‘23 al ‘27), Casa del Sol, che deve il suo nome all’abbondante luce naturale (formata da 18 stanze, riservata agli ospiti), e Casa del Monte, chiamata così per la sua vicinanza ai rilievi di Santa Lucia (la più piccola, composta da 10 stanze, che è stata la prima residenza di Hearst mentre il Ranch prendeva forma).

Tour di Casa Grande

La facciata di Casa Grande a Hearst Castle è ispirata all'architettura spagnola, in particolare alla chiesa di Santa Maria la Mayor a Ronda, in Spagna. Il maestoso edificio presenta due torri campanarie gemelle, ciascuna con 18 campane, che donano un aspetto quasi religioso all'insieme.
All’ingresso, un monumentale cancello in ferro battuto del XVI secolo, sormontato da una griglia a ventaglio in stile spagnolo, accoglie i visitatori.

Attraversando il maestoso ingresso, ci si trova di fronte all'immensa Assembly Room. Qui, ogni sera, William Randolph Hearst accoglieva gli ospiti con un cocktail di benvenuto, anche se l’alcol era consentito solo durante la cena.
Il soffitto a cassettoni in legno proviene da un palazzo italiano mentre alle pareti si trovano dei banchi provenienti dal coro di una chiesa. Il protagonista della sala è senza dubbio l’imponente caminetto rinascimentale, originario di un castello della Borgogna, accanto a quattro preziosi arazzi ispirati agli affreschi di Giulio Romano, raffiguranti episodi della vita di Scipione l’Africano.
Lunga 32 metri, la sala era così vasta che Hearst fece installare telefoni a entrambe le estremità per facilitare le conversazioni. L'intera casa era equipaggiata con uno dei primi sistemi audio, permettendo agli ospiti di scegliere la musica tramite un fonografo diffuso in tutte le stanze.
Nascosta accanto al caminetto, una porta segreta conduce, tramite un ascensore, all’appartamento personale di Hearst permettendogli di sorprendere gli ospiti con ingressi inaspettati.

Entriamo nella sala da pranzo, il Refectory, chiamato così perchè richiama il refettorio di un monastero. Il soffitto, un capolavoro in legno del XVI secolo, è composto da 15 grandi cassettoni decorati con sculture di Santi a grandezza naturale. Lungo le pareti ritroviamo i banchi del coro provenienti da una Cattedrale in Catalogna, mentre i vivaci stendardi di seta del Palio di Siena, appesi lungo i lati, aggiungono una nota di colore e movimento alla sala.
Al centro, le lunghe tavole in noce italiano accolgono gli ospiti. William Randolph Hearst sedeva sempre al centro della tavola principale, con Marion Davies di fronte a lui. L'illuminazione era garantita da candelabri d'argento, che riportavano alla mente le atmosfere delle chiese medievali. Nonostante l'eleganza e il lusso, su ogni tavolo spiccavano le bottiglie di ketchup Heinz e i tovagliolini di carta, un dettaglio che richiamava l'umiltà delle origini del ranch.

Nella Sala da biliardo, due imponenti tavoli attendono gli ospiti per sfide all'ultimo colpo. La stanza è decorata con un soffitto spagnolo del XV secolo, dipinto con scene di vita cortese, mentre lungo la parete troviamo un raro arazzo Millefleur fiammingo del XV secolo e un caminetto francese. Qui, uomini e donne si sfidavano a biliardo o pool, e la nipote di Marion Davies, Pat Lake — che molti ritengono fosse la figlia segreta di Hearst e Davies — ricordava che queste partite erano un momento di grande convivialità tra gli ospiti.

Nell'ala ricreativa ci accoglie anche il sontuoso Teatro privato di Hearst, con i suoi 50 posti a sedere, pronto a proiettare le anteprime più esclusive. Le pareti sono rivestite di damasco rosso e sono adornate da statue dorate che conferiscono alla sala un’eleganza classica.
In questo teatro, Hearst proiettò anche una copia di "Via col vento", che aveva ottenuto mesi prima della premiere ufficiale ad Atlanta. Ogni sera il film veniva proiettato due volte, una per gli ospiti e una per la servitù.
In caso foste di passaggio e desideriate vivere l'esperienza, con una spesa di circa 950$ è possibile organizzare una cena con proiezione privata all’interno di questa storica sala, un’opportunità unica per rivivere il lusso dei tempi di Hearst.

Concludiamo il piano terra con la visita alla Cucina, l'unica della tenuta A pranzo, gli ospiti potevano servirsi a buffet, mentre la cena offriva un menù diverso ogni sera, attentamente deciso da Hearst il quale anticipava per iscritto anche il titolo del film che sarebbe stato proiettato nel teatro privato. Praticamente tutto il cibo servito – manzo, cervo, pollame, pesce, uova, verdure e frutta – veniva prodotto nella tenuta stessa, garantendo freschezza e sapore autentico. Lo staff comprendeva il capo chef, il suo assistente, il pasticciere e lo chef per i dipendenti, affiancati da due maggiordomi e un team di camerieri. Al piano interrato si trovava la Cantina dei vini, protetta da pesanti porte di ferro e accessibile solo tramite le chiavi che Hearst custodiva personalmente, dove conservava una collezione di bottiglie pregiate, anche durante il proibizionismo.

Ora saliamo ai Piani Superiori, dove l'atmosfera diventa più intima e personale, riservata principalmente agli ospiti e alla famiglia di William Randolph Hearst. Situata esattamente sopra l'Assembly Room, la Main Library, destinata agli ospiti, presenta un soffitto basso decorato in stile ispano-moresco e pannelli di legno lungo le pareti che rendono l’ambiente accogliente e tranquillo, contiene oltre 5.384 volumi, inclusa una collezione di 150 vasi greci.  

Proseguiamo fino al terzo piano di Casa Grande, dove si nascondono gli spazi più intimi e personali.

La Gothic Suite è composta dalla camera da letto di Hearst, dalla camera di Marion Davies e da una zona salotto. Questa suite, completata nel 1927, riflette appieno l'amore di Hearst per l'arte gotica e i dettagli storici. Il soffitto della camera di Hearst è uno dei tesori più preziosi dell’intero castello, un'opera d'arte risalente al XIV secolo, proveniente da Teruel, in Aragona, Spagna, composto da archi a coste in legno policromo. Sebbene sia dominata da tonalità scure, la stanza è sapientemente illuminata grazie alle finestrature di cleristorio e da eleganti lanterne marocchine.Le pareti della camera sono adornate con fotografie di famiglia e opere religiose rinascimentali, un riflesso degli interessi personali di Hearst. Tra queste spicca una preziosa "Madonna con Bambino" della scuola senese di Duccio di Buoninsegna, uno dei pezzi più pregiati dell'intera collezione di Hearst.
 

Nella camera di Marion Davies, il protagonista è un elegante letto intagliato, con una testiera in legno riccamente decorata. Il soffitto ha un intricato disegno geometrico a stelle dorate su fondo blu, un omaggio al gusto moresco. 

La Gothic Library era il luogo dove William Randolph Hearst trascorreva gran parte delle sue giornate, immerso nei suoi libri e nei suoi studi. Questo spazio, ricco di fascino gotico, è decorato con un prezioso soffitto spagnolo del XV secolo, sapientemente inserito tra archi di cemento e dipinto da Camille Solon. Le librerie fiorentine con grate decorative custodiscono una vasta collezione di libri storici, testimoni della passione di Hearst per la cultura e l'arte.

Situata nelle torri campanarie, la Celestial Suite è stata descritta da Hedda Hopper che ci ha dormito spesso come uno “scrigno”. Composta da due camere ottagonali e un salottino, la suite è dotata di finestre i cui vetri sono stati trattati per far apparire la stanza sempre illuminata dal sole, anche nelle giornate nuvolose. Questa suite ha ospitato personaggi illustri come Winston Churchill e George Bernard Shaw. 

La Doge Suite prende il nome dai lussuosi appartamenti dei dogi veneziani. Il suo elemento distintivo è il balcone in marmo istriano, ispirato a quello del Palazzo Ducale di Venezia, da cui si gode una splendida vista sui giardini e sull'oceano.
Il soffitto proviene da un palazzo italiano del XVIII secolo, precedentemente acquistato dall'architetto Stanford White per la sua casa a New York. Dopo la sua morte, Hearst lo acquistò durante un'asta. Le pareti, rivestite di seta blu, fanno da cornice a un ambiente che evoca lo splendore del barocco. 

Gli esterni spettacolari

Usciamo dagli interni di Casa Grande per esplorare i magnifici spazi esterni, dove arte e natura si incontrano in armonia. La grande terrazza, affacciata sull’oceano, presenta un laghetto con nifee e pesci, con al centro una scultura di Galatea sul delfino di Giovanni Ansiglioni, non lontano da una copia delle Tre Grazie di Antonio Canova .

Casa Grande è collegata ai cottage circostanti attraverso un viale pavimentato, l'Esplanade. È qui che sorge una delle fontane più particolari della tenuta: una fontana in stile Art Deco, decorata con antiche statue della dea egizia Sekhmet, risalenti alle dinastie egizie del XVIII e XIX secolo (circa 1550-1189 a.C.). 

Passeggiando per il viale delle azalee, che Cary Grant aveva affettuosamente soprannominato "il viale degli amanti", ci si ritrova in un’area tranquilla e ombreggiata, adornata da panchine di marmo, perfette per concedersi un momento di relax in un ambiente naturale e intimo.
Attraversando la Terrazza panoramica si scende lungo una maestosa doppia scalinata che porta all'imponente Piscina di Nettuno, una delle meraviglie di Hearst Castle. Lungo il percorso si incontrano due porte che nascondono 24 spogliatoi con altrettante docce, perfettamente integrate nell’architettura monumentale.
Il colonnato curvo, che avvolge l'area, incornicia il tempio romano al centro della scena, la cui facciata è decorata con un complesso scultoreo raffigurante il Dio Nettuno. 

Al centro della vasca è posizionata la statua della Nascita di Venere, realizzata dallo scultore Charles Cassou. Intorno alla piscina si trovano altre quattro statue che rappresentano ninfe, cigni e cherubini. Di notte, l'illuminazione veniva garantita da eleganti lampade ispirate all'antica Roma.
La Piscina di Nettuno è comparsa nel film Spartacus con Kirk Douglas e nel video musicale di Lady Gaga per la canzone G.U.Y..
 

Ma se pensate che a William Randolph Hearst potesse bastare una sola piscina, vi sbagliate di grosso! Vi presento la Piscina Romana, una splendida piscina al coperto situata proprio dietro i campi da tennis (ah, non ve l'avevo detto? Sì, ci sono anche quelli!). Hearst commissionò a Julia Morgan la sua realizzazione, traendo ispirazione da due monumenti italiani che aveva visto durante i suoi viaggi: le Terme di Caracalla e il Mausoleo di Galla Placidia a Ravenna.
Interamente rivestita di mosaici blu, con tessere di vetro fuse con fogli d'oro, questa piscina è decorata con creature mitologiche marine come sirene e mostri marini, mentre alle pareti si trovano otto statue raffiguranti divinità e atleti romani. Completano il tutto lampade scolpite a mano in marmo e alabastro.
 

Credete che Hearst si sia accontentato di avere nel proprio ranch cavalli e bufali? Il suo zoo privato era decisamente da togliere il fiato. Parliamo di una vera e propria collezione di animali esotici: leoni, tigri, giaguari, elefanti, giraffe, cammelli, yak, zebre, scimmie, ma non finisce qui! C'erano persino antilopi e canguri che scorrazzavano nella tenuta.

 

 Le feste leggendarie e gli ospiti famosi

Ogni anno, il 30 aprile, Marion Davies organizzava una festa indimenticabile per il compleanno di William Randolph Hearst, coinvolgendo le più grandi star di Hollywood in celebrazioni sfarzose e a tema.

• 1932: Festa dei Bambini

In questa festa, gli ospiti dovevano travestirsi da bambini, regalando momenti di puro divertimento. Clark Gable, solitamente icona di virilità, fece ridere tutti vestito da boy scout, mentre la sempre sofisticata Joan Crawford sorprese tutti in un adorabile abito da bambina, completo di cappellino e cerchio. Tra gli invitati spiccavano anche Douglas Fairbanks, Bette Grable, Constance Bennett, Norma Shearer insieme al marito Irving Thalbergche contribuirono all’atmosfera giocosa della serata.

• 1933: 49er Party

In occasione del 70° compleanno di Hearst, fu organizzata la famosa 49er Party, ispirata alla febbre dell’oro del 1849. Il tema richiamava l'epoca dei pionieri americani, e la tenuta fu decorata con covered wagons (i carri coperti utilizzati dai pionieri per attraversare l'America nel XIX secolo). La MGM inviò sarte e costumisti per rendere perfetto ogni dettaglio, mentre star come Louella Parsons parteciparono con abiti a tema. L’atmosfera era scintillante, con gli ospiti che indossavano costumi da veri pionieri.

• 1934: Festa Tirolese

Nel 1934, Hearst Castle si trasformò in una festa ispirata ai costumi tirolesi, dove gli ospiti indossavano abiti tradizionali alpini. Gloria Swanson, Jean Harlow, e Constance Bennett sfoggiarono costumi colorati, mentre Harpo Marx animava la serata con i suoi scherzi. L’atmosfera evocava la bellezza delle Alpi e il fascino della cultura tirolese.

• 1938: Personaggi Storici

Il tema del 1938 fu "personaggi storici", e Norma Shearer arrivò vestita da Maria Antonietta, direttamente dal set del suo ultimo film “Marie Antoinette”. Tuttavia, la scelta non fu ben accolta da Marion Davies, che si sentì offesa poiché Hearst aveva sperato che quel ruolo andasse a lei. L’abito voluminoso di Norma costrinse persino a rimuovere le porte per farla entrare, e la pesante parrucca la fece lasciare la festa in anticipo, con un forte mal di testa. Alla festa era presente anche Hedy Lamarr con Reginald Gardiner, e l’attrice indossava anche lei uno dei meravigliosi abiti realizzati dallo stilista Adrian per “Marie Antoinette”.
 

Oltre alle feste, Hearst Castle fu il palcoscenico di scherzi e momenti esilaranti tra le star di Hollywood. Uno degli aneddoti più divertenti riguarda Cary Grant e il figlio di William Randolph Hearst, William Jr.. I due, grandi amici, si divertivano spesso a fare burle. Un giorno, decisero di salire su un aereo e lanciare farina sulla pista di atterraggio del piccolo aeroporto privato del ranch (ah, non ve l'avevo detto? Sì, Hearst Castle aveva anche un proprio aeroporto per far arrivare gli ospiti più illustri). Dopo aver cosparso di bianco tutta l'area, i due scherzosi amici si aspettavano di suscitare solo risate.
Tuttavia, William Hearst Senior non la prese affatto bene: infuriato, ordinò che le valigie di Cary Grant fossero immediatamente preparate e messe fuori dalla porta, segno che il loro scherzo aveva superato i limiti. Solo grazie all’intervento diplomatico di Marion Davies, Grant fu riammesso e il conflitto si risolse pacificamente.

Un altro episodio divertente riguarda Harpo Marx, che durante una festa rubò le pellicce delle signore e le mise sulle statue del giardino, provocando risate generali e lasciando sbalordite le invitate che cercavano i loro preziosi indumenti.

Tra gli altri ospiti ricordiamo James Stewart, Greta Garbo, Bette Davis, Charlie Chaplin, David Niven, Carole Lombard, i fratelli John e Lionel Barrymore con le rispettive mogli, Gary Cooper, Barbara Stanwyck solo per dirne alcuni.

 Un’eredità senza tempo

Dopo la morte di William Randolph Hearst nel 1951, il castello, un tempo simbolo del suo potere e lusso, fu donato allo Stato della California, diventando nel 1957 un parco storico statale e una delle attrazioni turistiche più amate.
E Julia Morgan? Dopo aver realizzato Hearst Castle, proseguì la sua carriera, firmando oltre 700 progetti, molti per organizzazioni femminili che la supportarono in un settore dominato dagli uomini. Si ritirò nel 1951 e, nel 2014, 57 anni dopo la sua morte, è diventata la prima donna a ricevere, seppur postuma, la Gold Medal dell'American Institute of Architects, sigillando così per sempre la sua eredità nell'architettura.
Hearst Castle non è solo pietra e mattoni, è il sogno di due persone che hanno osato immaginare l’impossibile. William Randolph Hearst ha voluto costruire più di un semplice castello; ha voluto lasciare un segno indelebile nel mondo. E Julia Morgan, con il suo talento, lo ha reso realtà, creando qualcosa di più grande di entrambi: un luogo che vive oltre il tempo.
Oggi, mentre attraversiamo le sue stanze o ammiriamo i suoi giardini, siamo testimoni di una storia che ha saputo intrecciare potere, arte e visione. Hearst Castle è un ricordo vivente di un'epoca irripetibile, e ci ricorda che i sogni, se abbastanza audaci, possono sopravvivere ai loro creatori, continuando a ispirare per generazioni. 

ULTIMO MA NON PER IMPORTANZA: Se volete rimanere aggiornati sui miei articoli potete iscrivervi alla Newsletter che ho creato, è sufficiente cliccare su questo link https://blogfrivolopergenteseria.substack.com basta inserire la vostra mail e cliccare Subscribe, riceverete via mail la conferma dell'avvenuta iscrizione e ogni settimana quando uscirà un nuovo articolo sul blog verrete avvisati. Vi ringrazio per sostenermi sempre!

È sorprendente come un argomento che non avrei mai pensato di approfondire sia riuscito a catturarmi completamente. Anche in questa nuova tappa del nostro viaggio, i cocktail continuano a rivelarsi molto più che semplici bevande: sono testimoni di storie affascinanti e di momenti iconici del cinema classico. Per chi ha seguito i miei articoli precedenti, saprete già quanto mi sia appassionata al legame tra questi drink e le pellicole che hanno fatto la storia del cinema. Se ve li siete persi, potete recuperarli qui, qui e qui, ma non preoccupatevi, anche oggi ci sarà tanto da scoprire!

Lo avreste mai detto che a contribuire al successo del cocktail più antico del mondo, inventato nel 1841, è stato un gesto di ribellione femminile? Nel 1949, un gruppo di donne decise di infrangere le regole e cambiò per sempre la storia di un bar famosissimo a New Orleans. Ma questa è solo una delle tante storie che rendono i cocktail protagonisti non solo nei bicchieri, ma anche nelle pagine della storia.

Immaginate un farmacista, alle prese con un intruglio di foglie di coca, noci di cola e una spruzzata di acqua frizzante. La sua missione? Creare una bevanda che fosse stimolante, rinfrescante, e capace di lenire i dolori di una ferita di guerra. E proprio da quel miscuglio, nato per caso, prende vita una delle bevande più famose al mondo. Sì, avete capito bene: così è nata la Coca-Cola, ingrediente fondamentale del Cuba Libre. Oppure sapevate che il nome Bloody Mary non ha nulla a che vedere con la regina inglese Maria la Sanguinaria, ma piuttosto con un episodio curioso che coinvolse una donna di nome Mary e un vestito bianco macchiato di succo di pomodoro?

Come dite? Volete sapere la connessione con i film dov’è? Non temete, ogni cocktail sarà accompagnato dal film in cui è stato protagonista. I nostri compagni di viaggio oggi saranno star del calibro di Katharine Hepburn, Spencer Tracy, Joan Crawford e Robert Mitchum. Allacciate le cinture, perché sarà un viaggio sorprendente!

1) Sazerac

La Storia

Preparatevi, perché la storia che sto per raccontarvi è quella del cocktail considerato il primo della storia: il Sazerac. Questo celebre drink nasce nel cuore del Quartiere Francese di New Orleans, grazie a Antoine Amédée Peychaud, un farmacista di origine haitiana che si è stabilito in città all’inizio del XIX secolo. Nel 1841, Peychaud ha aperto la sua farmacia su Royal Street, dove ha iniziato a servire un drink speciale ai suoi amici, mescolando il cognac Sazerac-de-Forge et Fils, prodotto a Limoges, in Francia, con il suo personale Peychaud’s Bitters, una miscela di amari tramandata nella sua famiglia.
Il cognac scelto per questo drink proveniva dalla distilleria fondata da Bernard Sazerac de Forge a Limoges nel 1782. La sua azienda è diventata famosa per l’esportazione di brandy negli Stati Uniti, particolarmente apprezzato a New Orleans, una città fortemente influenzata dalla cultura francese.
Una sera Peychaud ha invitato alcuni amici nella sua farmacia e ha servito loro un drink che ha riscosso subito grande successo. Tra gli ospiti c’era Sewell T. Taylor, un commerciante di bevande che, impressionato dalla miscela, ha stretto un accordo con Peychaud per commercializzarla. Taylor ha iniziato a servire il cocktail nel suo Merchant’s Exchange Coffee House e ha apportato le prime modifiche, aggiungendo zucchero e assenzio, elementi che hanno conferito al cocktail il suo caratteristico profilo aromatico.

Intorno al 1870, però, una devastante epidemia di fillossera ha colpito i vigneti francesi, rendendo difficile la produzione di cognac. A quel punto, il whiskey di segale ha preso temporaneamente il posto del cognac nella preparazione del Sazerac. Tuttavia, grazie a nuove tecniche di produzione, la fillossera è stata debellata e il cognac Sazerac-de-Forge et Fils è tornato nella ricetta originale del cocktail.

L’introduzione dell’assenzio viene attribuita al bartender Leon Lamothe, che sul finire dell'Ottocento  ha aggiunto questa componente fondamentale al drink. Tuttavia, quando l’assenzio è stato proibito negli Stati Uniti nel 1912, è stato sostituito con l’Herbsaint, un liquore aniceo prodotto localmente. Quando l’assenzio è stato legalizzato nuovamente, è tornato nella ricetta, riportando il Sazerac alle sue origini.

Verso la fine del XIX secolo, Thomas Handy, allora gestore del Sazerac Coffee House, ha consolidato la ricetta e ha fondato la Sazerac Company, che ancora oggi produce il celebre cocktail insieme al Peychaud’s Bitters e all’Herbsaint.

Un evento leggendario che ha ulteriormente consolidato la fama del Sazerac è passato alla storia come lo "Stormin' of the Sazerac", l'assalto del Sazerac. Nel 1949, le donne non erano ammesse nei bar di New Orleans, tranne che durante il Mardi Gras (Carnevale). Tuttavia, il 26 settembre di quell'anno, un gruppo di donne fece irruzione nel Sazerac Bar del Roosevelt Hotel chiedendo di essere servite, rompendo una tradizione di lunga data. Questo evento non solo segnò un momento di rottura con il passato, ma divenne un simbolo del cambiamento sociale e dell'emancipazione femminile. L'hotel, intravedendo un'opportunità di marketing, trasformò l'accaduto in un evento per promuovere la nuova apertura del bar, continuando la tradizione celebrandola negli anni successivi come una festa annuale che ricorda l’episodio. 

Il nome

Battezzato in onore del pregiato cognac Sazerac-de-Forge et Fils, utilizzato da Antoine Amédée Peychaud per creare il cocktail nella sua farmacia nel cuore di New Orleans a metà del XIX secolo, il Sazerac deve il suo nome al distillato francese che ne definì il carattere distintivo. Questo cognac fu così fondamentale per la ricetta originale che divenne parte integrante dell'identità del drink, trasformandolo in uno dei primi cocktail iconici della storia americana.

La ricetta

    5 cl di Cognac
    1 cl di Assenzio
    1 zolletta di zucchero
    2 gocce di Peychaud's Bitter

Come viene servito

Il bicchiere in cui servire questo cocktail è il tumbler basso, un bicchiere compatto e robusto. La guarnizione è una semplice scorza di limone, che viene strofinata sul bordo per sprigionare gli oli essenziali e intensificare l’aroma.

In quale film lo abbiamo visto

                     Lo Stato dell'Unione del 1948 con Katharine Hepburn e Spencer Tracy

Mentre si prepara la serata del discorso televisivo, Spike, il responsabile della comunicazione della capagna elettorale del candidato interpretato da Spencer Tracy, informa il maggiordomo: "Verranno il giudice e la signora Alexander. Sa preparare un Sazerac?" (in realtà per un errore nella versione italiana lo chiameranno per tutto il tempo Serazac). Il maggiordomo, un po' incerto, risponde: "Se non sbaglio, è con l’assenzio... È una forma di suicidio", e Spike, sempre ironico, aggiunge: "Non lo provatate, vi si incendierebbero i vestiti. La signora ne beve a volontà. Il giudice beve bourbon".
Quando gli ospiti arrivano, il maggiordomo conferma le preferenze, e il giudice, divertito, dice: "Mi hai letto nel pensiero". La moglie del giudice, però, scherza con il maggiordomo: "Scommetto che non indovini cosa voglio", al che lui risponde sicuro: "Sazerac", e il giudice aggiunge con affetto: "Amor mio, ormai tutti conoscono i tuoi gusti". La signora Alexander, non del tutto convinta della sicurezza del maggiordomo, chiede che sia suo marito a prepararlo. Dopo aver sorseggiato il drink, si complimenta con lui: "Questo è il miglior Sazerac che abbia mai bevuto!"

Più avanti, durante i lunghi discorsi dei sostenitori, la signora Alexander dice scherzando al marito: "Se devo stare a sentire dei lunghi discorsi, sarà meglio che mi prepari un altro Sazerac". Contemporaneamente, Mary scopre la manipolazione di Kay Thorndyke su suo marito e decide di bere per dimenticare. Prende uno dei Sazerac dalle mani del giudice, mentre Conover le dice: "È dinamite quella!" Mary, già un po' brilla, risponde: "Se a Grant piacciono i prezzi alti, voglio diventare un po' alticcia anch'io". 

Dopo averne bevuto un altro, esclama: "Mio Dio, sono davvero forti". La signora Alexander ride e conferma: "Direi di sì!"

Mary, sorpresa, chiede: "Cosa c'è dentro?". La signora Alexander risponde candidamente: "Non lo so!". Incredula, Mary ribatte: "Vuole dire che lo bevete da anni e non sapete di cosa è fatto?". La signora conclude con un sorriso: "Non importa, cara, basta che mi mettano allegria!" Le due donne iniziano a ridere in maniera incontrollabile, soprattutto dopo che il giudice è arrivato con un vassoio pieno di Sazerac. Mary sempre più brilla rischia di mandare all'aria la diretta televisiva.

Se non avete mai visto questo film potete recuperarlo qui, ve lo consiglio perchè è di un'attualità disarmante.

2) Bloody Mary

La Storia

Il Bloody Mary è un grande classico della miscelazione e la sua storia, ricca di fascino e mistero, si intreccia tra leggende e realtà. Non è solo un drink, ma una leggenda liquida che ha conquistato generazioni di appassionati in tutto il mondo. Ma per scoprire le sue origini, dobbiamo fare un viaggio nel tempo, attraversando oceani e continenti, per incontrare due protagonisti chiave che ne hanno plasmato la storia.

Per parlare del primo protagonista, ci spostiamo nella Parigi degli anni '20, nel cuore di una città vibrante e cosmopolita. Qui troviamo Fernand "Pete" Petiot, un giovane barman che, nel suo percorso, ha cambiato per sempre la storia del cocktail. Nato nel 1900, Petiot ha iniziato la sua carriera aiutando i genitori nella gestione di una pensione, ma ben presto ha fatto il salto verso il mondo della miscelazione, approdando al famoso New York Bar di Parigi. Questo bar, un tempo gestito dall’ex fantino americano Tod Sloan, diventa la culla della sperimentazione per Petiot quando Harry MacElhone lo ha acquistato, ribattezzandolo Harry’s New York Bar.
È proprio in questo contesto, nel cuore della Parigi ruggente degli anni '20, che Petiot ha iniziato a sperimentare una nuova combinazione di ingredienti: vodka e succo di pomodoro. In un’intervista del 1966, Petiot ha raccontato di aver mescolato per la prima volta vodka e succo di pomodoro, creando una prima versione rudimentale del Bloody Mary. Tuttavia, è stato solo dopo il suo trasferimento a New York, nel King Cole Bar del St. Regis Hotel, che il drink ha preso forma. Si racconta che un giorno, il principe russo Serge Obolensky ha chiesto a Petiot di preparare una bevanda più piccante. In quell’occasione, Petiot ha aggiunto il tabasco, completando la ricetta che conosciamo oggi.
Ma per comprendere appieno l'origine del Bloody Mary, dobbiamo attraversare l'oceano Atlantico e tornare indietro di qualche anno, per incontrare l'altro protagonista di questa storia: George Jessel, attore e intrattenitore americano. Nato a New York nel 1898, Jessel è diventato una figura ben nota negli ambienti mondani dell’epoca. Nel 1927, durante un soggiorno a Palm Beach, Jessel ha raccontato di aver chiesto al bartender di miscelare vodka, succo di pomodoro, salsa Worcestershire e limone per alleviare i postumi di una sbornia. Secondo il suo racconto, una giovane donna di nome Mary Brown Warburton, presente durante la preparazione, si è versata accidentalmente il drink sul vestito e ha scherzato dicendo: "Adesso puoi chiamarmi Bloody Mary!". Da quel momento, il nome ha preso piede, e Jessel ha continuato a promuoverlo per anni.
Nel 1964, Petiot ha dichiarato al New Yorker che, sebbene Jessel fosse stato il primo a combinare vodka e succo di pomodoro, è stato lui a trasformare quel mix in ciò che conosciamo oggi, aggiungendo spezie come sale, pepe, tabasco e Worcestershire sauce. Questo ha dato vita alla versione definitiva del Bloody Mary, che nel tempo è diventato uno dei cocktail più celebri del mondo.
Il Proibizionismo ha avuto anche un ruolo nella storia di questo drink. Durante gli anni della messa al bando dell'alcol negli Stati Uniti, la vodka era difficile da reperire, e il gin spesso la sostituiva nella ricetta, dando origine a un cocktail chiamato Red Snapper. Solo con la fine del Proibizionismo e grazie alla promozione della vodka Smirnoff negli anni '40, la ricetta originale del Bloody Mary con vodka è tornata alla ribalta.

Il nome

Si è detto che dietro il nome di questo cocktail ci sia la sanguinaria regina Maria Tudor d'Inghilterra, soprannominata "Bloody Mary" per la sua repressione contro i protestanti. Tuttavia, c'è anche la versione raccontata da George Jessell, secondo cui il cocktail prese il nome quando Mary Brown Warburton sporcò il suo vestito di succo di pomodoro durante il primo assaggio della bevanda.

La ricetta

    4,5 cl di vodka
    9 cl di succo di pomodoro
    1,5 cl di succo di limone fresco
    2 gocce di salsa Worcestershire
    Tabasco

Come viene servito

In un highball glass, un bicchiere alto e stretto. Viene guarnito con un gambo di sedano e una fetta di limone, che aggiungono un tocco fresco e decorativo.

In quale film lo abbiamo visto

Delitto sulla spiaggia del 1955 con Joan Crawford e Jeff Chandler

La trama ruota attorno a una ricca vedova che torna nella villa sulla spiaggia, precedentemente affittata a una donna morta in circostanze misteriose. Qui la vedova incontra Drummond, un giovane e affascinante marinaio che vive nella casa vicina insieme a una coppia che si finge la sua famiglia, Osbert e Queenie Sorenson. In realtà, il marinaio è un truffatore, complice di una coppia di imbroglioni che prendono di mira donne sole di mezza età.
In una delle scene sulla spiaggia, i coniugi Sorenson si uniscono a Drummond, che sta prendendo il sole. Osbert Sorenson prende un thermos contenente succo di pomodoro, lo versa nei bicchieri, aggiunge della vodka, e offre il cocktail a sua moglie, Queenie. Nella versione originale le chiede Bloody Mary? anche se nel doppiaggio italiano si perde il riferimento diretto, poiché viene tradotto semplicemente con "vuoi da bere?".

3) Cuba Libre

La Storia

È uno dei cocktail più celebri, legato a un momento storico cruciale: l'indipendenza di Cuba, ottenuta nel 1898 grazie all’intervento degli Stati Uniti nella guerra ispano-americana. Si narra che per celebrare la vittoria, i ribelli cubani e i soldati americani brindarono con una bevanda composta da rum e Coca-Cola, esclamando "Por Cuba libre" per festeggiare la libertà appena conquistata. Questo brindisi, che combinava i simboli di Cuba e degli Stati Uniti, sarebbe stato l’inizio del celebre cocktail che racchiudeva l’essenza della lotta per l’indipendenza.
Ma come spesso accade con i grandi classici, la storia del Cuba Libre è avvolta da una serie di racconti affascinanti, e io ve li racconterò tutti. Prima di scoprili però dobbiamo fare un passo indietro per conoscere uno dei suoi due ingredienti fondamentali: la Coca-Cola.
Siamo nel 1886, ad Atlanta, in Georgia. Dovete sapere che, in questo momento storico, la Georgia sta vivendo un grande boom produttivo: le industrie crescono, e gli operai sono sottoposti a lunghissime giornate di lavoro estenuanti. A peggiorare le cose, è stato da poco introdotto il divieto di vendita e consumo di alcol, lasciando un vuoto nel mercato delle bevande stimolanti. È in questo contesto che il chimico e farmacista John Stith Pemberton inizia a lavorare a una soluzione.
Non solo vuole creare una bevanda capace di rinvigorire gli operai stremati, ma Pemberton ha anche un motivo personale per la sua ricerca: dopo essere rimasto ferito nella Guerra Civile, è diventato dipendente dalla morfina e sta cercando un rimedio alternativo. Nel suo laboratorio, combina estratti di foglie di coca e noci di cola, noti per le loro proprietà energizzanti, creando una miscela dal gusto caramellato e rinfrescante. Per renderla ancora più piacevole e adatta al mercato, aggiunge anche acqua frizzante, e così nasce la Pemberton’s French Wine Coca, inizialmente promossa come un tonico terapeutico.

L'8 maggio 1886, Pemberton vende il primo bicchiere di questa bevanda alla Jacobs' Pharmacy di Atlanta, al prezzo di 5 centesimi. Ma la bevanda ha bisogno di un’identità più forte per emergere davvero. Qui entra in gioco il suo contabile, Frank M. Robinson, che non solo propone il nome Coca-Cola, ispirato agli ingredienti principali, ma disegna anche il logo con quel corsivo elegante che diventerà uno dei marchi più riconoscibili al mondo.
Dopo la morte di Pemberton, l'imprenditore Asa Candler intuisce il potenziale della bevanda e nel 1887 ne acquista i diritti. Con una strategia di marketing innovativa, tra cui la distribuzione di coupon gratuiti, Candler riesce a far conoscere la Coca-Cola in tutti gli Stati Uniti. Nel 1892, fonda la The Coca-Cola Company e, entro il 1895, la bevanda è distribuita in tutto il paese. L’espansione internazionale ha inizio nel 1899, con Cuba come prima destinazione.
Oltre alla leggenda del brindisi tra soldati americani per celebrare l'indipendenza dell'isola, ci sono altre storie che aggiungono ulteriore fascino a questo drink iconico.
Una delle versioni più intriganti ci porta a Fausto Rodriguez, un giovane messaggero cubano che, nel 1900, entrò in un bar a L'Avana con un ufficiale americano di nome Russell. Mentre erano lì, Russell ordinò una bevanda semplice ma rivoluzionaria: Rum Bacardi e Coca-Cola. Gli altri soldati americani, incuriositi, provarono il mix e, non sapendo come chiamarlo, qualcuno propose di battezzarlo Cuba Libre, un omaggio alla libertà appena conquistata da Cuba.

Un altro racconto affascinante si svolge a Washington, nell'ottobre del 1898, quando la Commissione Rivoluzionaria Cubana si recò negli Stati Uniti per incontrare il presidente William McKinley. Durante questo evento ufficiale, i delegati cubani furono accolti con un drink servito in bicchieri ornati da bandierine cubane e americane. Anche in questo contesto, il drink venne chiamato Cuba Libre, a simboleggiare l’unione e la collaborazione tra i due paesi.

Il nome

"Cuba Libre", che significa "Cuba Libera", è il grido celebra l’indipendenza di Cuba dalla Spagna nel 1898. È simbolico dell’unione tra il rum cubano e la Coca-Cola americana, rappresentando la libertà dell’isola.

La ricetta

    5 cl di rum bianco
    12 cl di Coca-Cola
    1 cl di succo di lime fresco

Come viene servito

In un highball glass. La guarnizione classica è una (o più)  fetta di lime, che aggiunge un tocco di acidità e freschezza.

In quale film lo abbiamo visto 

Le catene della colpa del 1947 con Robert Mitchum e Jane Greer

Nel film Le catene della colpa, Jeff (interpretato da Robert Mitchum) rintraccia Kathie Moffat in un bar di Acapulco, dove lei sha ordinato un Cuba Libre (anche se nella versione italiana è stato tradotto con "birra"). Jeff, incaricato dal gangster Nick Sterling di trovarla perché è scappata con una somma di denaro rubata, si avvicina al suo tavolo e inizia a conversare con lei. Le dice: "Potrei andare alla scogliera a guardare il mare come un turista, ma non c'è gusto se non c'è qualcuno a cui dire: 'Bella vista, vero?' Lo stesso vale per le chiese, le rovine, il chiaro di luna o un Cuba Libre."

4) Knickerbocker

La storia

 Forse non avete mai sentito parlare del Knickerbocker cocktail, ma il nome potrebbe suonarvi familiare grazie alla squadra di basket dei New York Knicks (abbreviazione di Knickerbockers). Il termine "Knickerbocker" affonda le sue radici nei primi coloni olandesi che fondarono New York, allora chiamata New Amsterdam. Dovete sapere che la popolazione della New York del XIX secolo era divisa in due gruppi distinti: gli Yankee e i Knickerbockers. Gli Yankee, provenienti dal New England e di origine puritana, erano noti per essere riservati, abili uomini d'affari, e piuttosto avversi a qualsiasi forma di esuberanza. Al contrario, i Knickerbockers, di discendenza olandese e ugonotta, erano festaioli, amavano bere, le corse dei cavalli e i banchetti, ma erano anch’essi eccellenti uomini d'affari. Indossavano i tipici pantaloni alla zuava, larghi e legati sotto il ginocchio, chiamati knickers, che offrivano grande comfort e libertà di movimento, perfetti per le attività quotidiane e per lo sport.

Il termine Knickerbocker divenne quindi sinonimo di un newyorkese ribelle e chiassoso, e rimase legato alla città e al suo carattere esuberante.
Si può ipotizzare che il Knickerbocker cocktail sia stato così chiamato come tributo a questo gruppo di newyorkesi dal temperamento vivace. Spesso erroneamente attribuito alla creazione nel famoso Knickerbocker Hotel di New York, questo cocktail compare in realtà molto prima. La sua prima apparizione documentata si trova nella Guida del Bar-Tender di Jerry Thomas, pubblicata nel 1862, la prima guida di cocktail mai pubblicata negli Stati Uniti. Thomas, noto come il "padre della mixologia americana", ha lavorato in molte città degli Stati Uniti, ma ha trascorso gran parte della sua carriera proprio a New York.
A differenza di molti drink dell’epoca, che erano forti e secchi, come il Manhattan o l’Old Fashioned, il Knickerbocker ha una base di rum e utilizza ingredienti dolci come il sciroppo di lamponi e il curaçao all’arancia. Questo gli conferisce una dolcezza fruttata che era meno comune nei cocktail del XIX secolo, ma che sarebbe diventata più popolare nei decenni successivi, con l’introduzione di cocktail tropicali e drink più leggeri.

Il nome

Si riferisce ai discendenti olandesi di New York che indossavano pantaloni alla zuava, i "knickers". Il cocktail è un omaggio a questi newyorkesi vivaci e festaioli del XIX secolo, noti per il loro amore per le celebrazioni e la loro energia.

La ricetta
    7,5 cl di rum
    0,5 cl di curaçao all’arancia
    1,5 cl di sciroppo di lamponi
    1,5 cl di succo di lime

Come viene servito

Viene servito in un bicchiere old-fashioned e guarnito con mezzo lime e frutti di bosco di stagione, che aggiungono colore e un tocco decorativo al cocktail.

In quale film lo abbiamo visto  

L’uomo ombra del 1934 con William Powell e Myrna Loy

Anche se non viene espressamente nominato nel film, il Knickerbocker è citato nel romanzo di Dashiell Hammett da cui è tratto, dove viene descritto come il cocktail preferito da Dorothy, personaggio interpretato da Maureen O’Sullivan. Possiamo quindi ipotizzare che il drink che Dorothy beve al bancone del bar sia proprio un Knickerbocker, dato che il bicchiere utilizzato nel film è simile a quello tipicamente usato per servire questo cocktail.

Così, mi congedo da questo capitolo con la certezza che ci saranno ancora tante storie da scoprire, pronte a essere svelate "in un sorso".

ULTIMO MA NON PER IMPORTANZA: Se volete rimanere aggiornati sui miei articoli potete iscrivervi alla Newsletter che ho creato, è sufficiente cliccare su questo link https://blogfrivolopergenteseria.substack.com basta inserire la vostra mail e cliccare Subscribe, riceverete via mail la conferma dell'avvenuta iscrizione e ogni settimana quando uscirà un nuovo articolo sul blog verrete avvisati. Vi ringrazio per sostenermi sempre!