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Cosa mai potranno avere in comune un texano irriverente e un duca siciliano raffinato?

Facciamo un passo indietro, esattamente a quando mi imbatto in un’immagine dal film Incantesimo (1938) con Katharine Hepburn. Una foto che avevo già visto, ma questa volta, nella tranquillità del momento, il mio sguardo si sofferma su un dettaglio che non avevo mai notato prima: un anello indossato sul mignolo, un gioiello unico, con tre diamanti pendenti che sembrano quasi sospesi.
Che oggetto curioso, ho pensato. Mi sono chiesta chi potesse averlo disegnato.

La curiosità mi ha spinta a cercare altre immagini dal film, ed è lì che ho visto qualcosa di ancora più singolare: una spilla a forma di mano. Sembrava fare il numero quattro, ma scoprendo di più ho capito che rappresentava la lettera W del linguaggio dei segni. Ancora una volta, la domanda si è riproposta: chi aveva creato questi gioielli così particolari? Il nome comparso in tutte le mie ricerche era Paul Flato, un designer americano la cui storia sembrava tanto straordinaria quanto le sue creazioni.

Più scavavo, più emergevano dettagli incredibili. Flato era un genio creativo, brillante e ironico, capace di trasformare simboli quotidiani e idee surreali in capolavori indossabili. Ma non era solo. Durante le mie letture, un altro nome ha catturato la mia attenzione: Fulco di Verdura, duca siciliano con un talento naturale per l’arte e il design. Fulco aveva lasciato la sua Palermo per lavorare a Parigi con Coco Chanel, prima di approdare negli Stati Uniti, dove il suo stile inconfondibile avrebbe conquistato Hollywood.

Due uomini, diversi per origini e temperamento: Flato, texano irriverente con un’ironia affilata; Verdura, aristocratico raffinato che portava nei suoi gioielli la luce del Mediterraneo. Eppure, entrambi hanno scritto una pagina indelebile nella storia del cinema, dell’arte e della moda, rubando la scena alle case più blasonate di Parigi e New York.

Con questo articolo voglio raccontarvi come ci sono riusciti.

Paul Flato

Nel 1927, forte del successo e della sua crescente reputazione, Flato decide di mettersi in proprio. Apre il suo primo negozio al numero 1 di East 57th Street, all’angolo con la Quinta Strada, una posizione che lo colloca nel cuore del lusso newyorkese. La boutique diventa rapidamente un punto di riferimento per un’élite sofisticata. Anche se Flato non disegna personalmente i gioielli, guida con precisione il lavoro del suo team di designer capaci di dare forma alla sua visione e trasformare le sue idee in gioielli che hanno fatto epoca. Tra questi spiccano Adolph Klety, maestro dei gioielli in platino e diamanti caratterizzati da motivi morbidi e naturali che Flato amava definire “drippy” (fluide e gocciolanti), e George Headley, noto per i suoi design decorativi e audaci, spesso giocosi, che riflettevano lo spirito ironico del marchio. E poi c’è Fulco di Verdura, un giovane aristocratico siciliano che collabora con Flato fino al 1939, quando decide di mettersi in proprio. La loro collaborazione aggiunge un ulteriore tocco di raffinatezza e creatività alle collezioni di Flato, rendendo il marchio ancora più ambito tra le élite di New York e Hollywood.

Negli anni ’30, Paul Flato diventa uno dei designer più audaci e innovativi della gioielleria americana. Il suo stile, ricco di ironia e originalità, rivoluziona le convenzioni, trasformando ogni gioiello in un’opera d’arte capace di raccontare una storia. Flato si distingue per la capacità di reinterpretare oggetti e simboli quotidiani con un tocco giocoso e sofisticato: mani stilizzate, lettere del linguaggio dei segni, piedi, telefoni, buste e persino ambulanze diventano spille, ciondoli e bracciali. Ogni creazione è unica e racconta qualcosa di personale, catturando l’immaginazione di chi la osserva.

Negli anni ’30, la boutique di Flato diventa una tappa obbligata per la società newyorkese. Organizza sfilate al Ritz-Carlton, dove le debuttanti indossano le sue creazioni, e conquista le pagine di riviste prestigiose come Vogue e Harper’s Bazaar. Il suo nome diventa sinonimo di innovazione e raffinatezza.

Nel 1937, Flato punta a espandere il suo regno. Apre una seconda boutique su Sunset Boulevard, a Los Angeles, proprio di fronte al celebre locale Trocadero, frequentato dalle star di Hollywood. L’edificio stesso, descritto come una fusione di monumentalità egizia, splendore babilonese e armonia greca, rifletteva lo stile audace e sofisticato del gioielliere. Per l’inaugurazione, Flato si affida a Constance Collier, icona del teatro e del cinema, che diventa una sorta di sponsor hollywoodiano per il designer. Nota per i suoi ruoli in Intolerance di D.W. Griffith e Stage Door accanto a Katharine Hepburn e Ginger Rogers, Collier garantisce all’evento un’aura di eleganza e prestigio, attirando una folla selezionata (io la ricordo per il mio amato Nodo alla gola di Hitchcock, di cui vi ho parlato qui).

Tra i partecipanti all’inaugurazione spicca Elsa Schiaparelli, rivale di Coco Chanel e pioniera della moda surrealista. La stilista, affascinata dalla creatività di Flato, sceglie di acquistare una spilla a forma di cactus disegnata da Fulco di Verdura, un’allusione ironica alle convenzioni floreali dell’epoca. Questo gesto sancisce il legame tra la maison Flato e il mondo del design visionario, confermando il marchio come un punto di riferimento per l’élite internazionale.

È un successo immediato: le sue creazioni iniziano a comparire non solo nelle vite private delle dive, ma anche sul grande schermo. Attrici del calibro di Greta Garbo, Katharine Hepburn e Joan Crawford scelgono i suoi gioielli, consacrandolo come il gioielliere delle stelle e del glamour hollywoodiano.

Uno dei pezzi di Flato che mi ha particolarmente incuriosito è il “Gold Digger bracelet”, un bracciale che combina elementi simbolici legati alla corsa all’oro. Include una pergamena con l’atto di proprietà, un piccone, una carriola, una vanga, un setaccio e una pepita d’oro, trasformati in dettagli preziosi e raffinati, ispirati ai musical di Berkeley. 

Un’altra creazione celebre è il cuore di Millicent Rogers, un capolavoro nato dalla collaborazione tra il designer e l’ereditiera della Standard Oil. Il “Millicent Rogers Heart” è una spilla in rubini, zaffiri, diamanti colorati e smalto, con un grande cuore rosso coronato da un drappo di zaffiri e il motto Verbum Carro (“Il verbo si è fatto carne”), attraversato da una freccia in diamante giallo. Questo gioiello, simbolo di passione e audacia, è stato indossato spesso da Millicent Rogers ed è diventato uno dei pezzi più iconici della collezione Whimsies, lanciata da Flato negli anni ’30. Venduto all’asta da Christie’s nel 2014, ha raggiunto la cifra di 425.000 dollari, a dimostrazione del suo valore artistico e storico.

I suoi gioielli diventano protagonisti anche sul grande schermo, come dimostra Incantesimo (1938). In questo film, Katharine Hepburn indossa alcuni dei suoi pezzi più riconoscibili. Tra questi c’è l’“Egyptian toe ring”, un anello ispirato a un pezzo acquistato da Flato in Egitto per soli due dollari. Tornato a New York, Flato chiede ai suoi artigiani di ricrearlo in platino e diamanti, aggiungendo tre piccoli pendenti che sembrano quasi fluttuare. 

In un’altra scena del film, Hepburn sfoggia una delle spille “initial clips” di Flato, che rappresentano lettere del linguaggio dei segni. La spilla, una mano stilizzata che forma la lettera W (come il cognome della madre della protagonista nella storia) riflette perfettamente lo spirito creativo e giocoso del designer.

Un altro esempio di Flato sul grande schermo appare in Non tradirmi con me (1941), con Greta Garbo. In questo film, la diva indossa alcuni dei pezzi più straordinari del designer, tra cui due spille a forma di farfalla, posizionate sulle spalle, e una coppia di spille “swirl” tra i capelli. Nonostante l’uso di questi gioielli straordinari, il film è un insuccesso. Il pubblico e la critica non apprezzano il tentativo di trasformare l’immagine eterea e drammatica di Garbo in quella di una figura più leggera e spensierata. Perfino le sue scene di danza, abbinate ai costumi meno ricercati del solito, risultano poco convincenti. Neppure il tocco scintillante di Flato riesce a salvare una produzione che molti considerano dissonante rispetto alla personalità dell’attrice. Questo sarà l’ultimo film della sua carriera, un addio amaro per una star di tale calibro.

Come disse il mio prof di cinema durante una lezione “Non si può mettere Greta Garbo sugli sci”.

Dopo una carriera scintillante, la vita di Paul Flato prende una svolta drammatica negli anni ’40. Nel 1943 viene accusato di aver impegnato gioielli per un valore di 100.000 dollari, affidatigli da colleghi e clienti. Nonostante Flato abbia sempre proclamato la sua innocenza, viene condannato a 16 mesi di reclusione nella prigione di Sing Sing. Solo in seguito si scoprirà che i gioielli erano stati rubati dal taschino di un abito dal suo sarto. Ma ormai la sua reputazione è compromessa.

Rilasciato nel 1945, Flato lascia gli Stati Uniti e si trasferisce a Città del Messico, dove rimane fino al 1953. Durante questo periodo, combatte contro una possibile estradizione per nuove accuse di furto e falsificazione legate a una truffa orchestrata da una cartomante, che sosteneva di vantare crediti nei suoi confronti. L’uomo che aveva definito il lusso e il glamour hollywoodiano vive ora nell’ombra, lontano dai riflettori.
Negli anni successivi, Flato cerca di riprendere il controllo della sua vita. Nel 1970 ritorna a Città del Messico, dove apre un negozio di gioielli nella trendy Zona Rosa. Qui lavora in relativa anonimato, lontano dall’industria che una volta lo aveva celebrato. Nel 1990, ormai anziano, decide di tornare in Texas per trascorrere i suoi ultimi anni circondato dalla famiglia.
Paul Flato si spegne nel 1999, a 98 anni, lasciando un’eredità di creatività e innovazione che continua a ispirare. I suoi gioielli, amati dalle star e apprezzati dagli appassionati, non sono semplici accessori, ma opere d’arte che raccontano storie. Anche nella caduta, Flato non ha mai rinunciato alla sua passione per la bellezza e il design. È proprio questo spirito, insieme alla sua audacia, a renderlo una figura indimenticabile nella storia della gioielleria e del cinema.

Fulco di Verdura

Fulco Santostefano della Cerda, Duca di Verdura e Marchese di Murata la Cerda, cresce a Palermo in un’epoca che sembra uscita da un romanzo, tra saloni affrescati, giardini di zagara e una società che vive il suo ultimo, dorato splendore. È il 20 marzo 1898 quando nasce in una delle famiglie più illustri della nobiltà siciliana. Tra i suoi antenati ci sono pionieri e principi, ma è la cultura che respira nella sua famiglia a lasciare il segno. Fulco è cugino di Giuseppe Tomasi di Lampedusa, il futuro autore de Il Gattopardo, e come lui cresce immerso nella bellezza e nell’eleganza, un ambiente che accende la sua innata sensibilità artistica.
Villa Niscemi, dove trascorre gran parte della sua infanzia, è un simbolo di questo mondo ormai lontano: una dimora ricca di storia, dove arte e natura convivono in armonia. Fulco assorbe ogni dettaglio, ogni sfumatura di quel mondo, coltivando uno stile che anni dopo avrebbe tradotto in gioielli capaci di raccontare storie.

Ma il destino di Fulco è quello di andare oltre le mura di Villa Niscemi. Nel 1919, un incontro segna il primo grande cambiamento della sua vita. Durante il suo viaggio di nozze a Palermo, Cole Porter, brillante compositore americano, e sua moglie Linda partecipano a una delle feste organizzate dalla famiglia di Fulco. Linda è affascinata dal giovane duca, dal suo carisma e dalla sua spiccata vena creativa. Non è solo un aristocratico con modi impeccabili: c’è qualcosa in lui che parla di arte, di potenziale inesplorato. È Linda a incoraggiarlo, a spingerlo a sognare più in grande. L’amicizia nata con i Porter non si spegnerà mai, e Fulco si troverà presto al centro di un mondo nuovo, fatto di artisti, intellettuali e personalità di spicco.

Ti presento Chanel

Il secondo grande incontro della sua vita avviene nel 1925. A Venezia, durante un ballo organizzato proprio dai Porter, Fulco incontra Coco Chanel. Lei, già regina della moda e icona di modernità, rimane immediatamente colpita dal suo stile e dalla sua raffinatezza. Fulco ha un’eleganza che non è solo esteriore: è nel modo in cui parla, in come osserva il mondo. Chanel, con il suo infallibile istinto per il talento, vede in lui qualcosa di unico. L’anno successivo, Fulco ricambia l’invito organizzando un sontuoso ballo in maschera a Palermo, spendendo tutta la sua eredità per creare un evento memorabile. Chanel, invitata d’onore, è ancora più affascinata e gli propone di trasferirsi a Parigi per collaborare con lei. A Parigi, Fulco inizia a lavorare nella maison di Rue Cambon come designer di tessuti, ma Chanel capisce subito che la sua vera vocazione è altrove. Insoddisfatta di alcuni gioielli donati dai suoi ammiratori, Chanel affida a Fulco la rielaborazione di quei pezzi. Fulco accoglie la sfida e dà vita a creazioni che uniscono la tradizione alla modernità, rompendo con le convenzioni del tempo. Tra le sue opere più celebri ci sono i bracciali con la Croce di Malta, decorati con smalti colorati e pietre preziose, che Chanel indossa ogni giorno al punto da consumarli. Fulco dimostra una straordinaria capacità di reinterpretare simboli storici, trasformandoli in gioielli audaci e innovativi.

Nel 1934, tuttavia, Fulco sente che è arrivato il momento di voltare pagina. Con il suo caro amico, il barone Nicolas de Gunzburg, intraprende un viaggio attraverso gli Stati Uniti. A bordo di una Packard, i due esplorano Palm Beach, Beverly Hills e altre mete iconiche, incontrando persone che cambieranno il corso della carriera di Fulco. In una delle loro avventure, rimasti senza benzina, Fulco riempie un fiasco d’argento con carburante per proseguire il viaggio, un episodio che racconta il suo spirito intraprendente e creativo.
Arrivato a New York, Fulco entra nel mondo della gioielleria americana grazie a Paul Flato, il gioielliere più celebre dell’epoca. Collaborando come designer freelance, Fulco affina ulteriormente il suo talento, lavorando con pietre preziose e creando pezzi unici. Quando Flato apre la sua boutique a Los Angeles, Fulco si trasferisce lì, contribuendo al successo della casa e gestendo direttamente le operazioni del negozio hollywoodiano.
Ma Fulco non è destinato a restare nell’ombra di qualcun altro. Nel 1939 decide di mettersi in proprio, un passo audace che segna l’inizio della sua trasformazione in uno dei gioiellieri più iconici del XX secolo. Il mondo di Fulco non è più quello dei saloni di Villa Niscemi, ma le sue creazioni continuano a portare con sé la luce e l’eleganza della sua Palermo.

È il primo settembre 1939 quando Fulco di Verdura inaugura il suo atelier al 712 della Fifth Avenue a New York. È un momento cruciale: mentre l’Europa scivola nella Seconda Guerra Mondiale, Fulco è pronto a lasciare il segno nel mondo della gioielleria, seguendo una visione tutta sua. Con il supporto finanziario di Cole Porter e Vincent Astor, apre un elegante showroom che riflette il suo stile: audace, sofisticato, profondamente personale.

Non ci vuole molto perché il suo nome diventi sinonimo di creatività ed eleganza. I gioielli di Verdura sono diversi da tutto ciò che il mercato offre in quel momento. Fulco trasforma simboli quotidiani e naturali in opere d’arte sorprendenti, fondendo tradizione e modernità. Le sue creazioni evocano la luce e i colori della Sicilia, a volte con rimandi all’opulenza barocca: tonalità vivaci, linee ornate, dettagli che parlano di una cultura ricca e stratificata.

I pezzi iconici

Le spille create da Fulco di Verdura non erano semplici ornamenti, ma veri e propri "pezzi da conversazione". La loro originalità e il simbolismo che portavano con sé non solo attiravano l’attenzione, ma diventavano spesso un ottimo argomento per rompere il ghiaccio durante occasioni sociali. Indossare una delle sue creazioni significava portare con sé un’opera d’arte, capace di completare un abito e al tempo stesso di suscitare curiosità.
Uno dei suoi gioielli più celebri è il “Wrapped Heart” (cuore legato), un capolavoro di cabochon di rubini avvolti in un morbido nastro d’oro annodato con maestria. Questo simbolo di romanticismo e passione è stato scelto da Tyrone Power come regalo per la moglie Annabella a Natale nel 1941, ma è anche stato acquistato da Oleg Cassini per Gene Tierney.

Un altro pezzo iconico è la spilla Melagrana, che celebra la fertilità e la prosperità. Realizzata in oro e tempestata di rubini che simulano i semi del frutto, rappresenta un legame diretto con la natura e con l’eredità mediterranea di Verdura. 

Similmente ispirate alla natura, le spille Conchiglie e delfini evocano il mare e il fascino del Mediterraneo, con gemme colorate e dettagli che sembrano una poesia dedicata alla vita marina. 

Tra le creazioni legate alla natura spiccano anche le foglie autunnali, catturate con zirconi che replicano i colori dei boschi e montate su eleganti strutture in oro giallo (io me ne sono innamorata follemente ma costano 80.000 euro, quindi direi che passo).

Tra i suoi pezzi più amati c’è anche il bracciale "Curb-Link", uno dei preferiti di Greta Garbo. Le sue maglie arrotondate e lisce, impreziosite da diamanti, combinano un design sobrio ed elegante con una bellezza intramontabile.

Un altro esempio della sua genialità sono gli orecchini e la spilla "Target", decorati con anelli concentrici di pietre preziose e minuscole frecce. Questi gioielli incarnano humour e raffinatezza, trasformando il simbolismo del bersaglio in un oggetto di irresistibile eleganza.

Il suo atelier di New York divenne presto un punto di riferimento per l’élite americana. Tra i suoi clienti figuravano le sorelle Cushing, icone della società newyorkese. Per Betsey Cushing Whitney, Verdura creò una tiara audace e raffinata, ispirata alle piume degli Indiani d’America, indossata durante un ricevimento a Buckingham Palace.

Le sue creazioni non si limitarono ai salotti, ma arrivarono anche sul grande schermo.
Joan Fontaine non aspettava che gli uomini le regalassero gioielli: se li comprava da sola. E in Il sospetto (1941), indossa una delle sue creazioni più straordinarie. La spilla, ispirata al dio romano Mercurio, presenta due topazi rosa a forma di pera da circa 35 carati ciascuno, incorniciati da ali in oro magnificamente incise e arricchite da diamanti, evocando i piedi alati del dio. Un dettaglio mitologico che aggiunge fascino e mistero al thriller di Alfred Hitchcock.

In Ape regina (1955), Joan Crawford non si limita a indossare costumi drammatici e impeccabili: molti dei gioielli che vediamo sullo schermo appartengono alla sua collezione personale. Tra questi, spicca una spilla a forma di cuore stilizzato, realizzata interamente in brillanti. Per aggiungere ancora più luminosità alla scena, Joan decide di indossare il gioiello come un ciondolo, agganciandolo a una collana di diamanti altrettanto sfolgorante. Se avete occasione di vedere il film, vi sfido a non rimanere ipnotizzati dal bagliore dei suoi gioielli, che sembrano quasi un’estensione della sua personalità imponente e carismatica.

Ma questo non è l’unico momento in cui quel cuore scintillante ha lasciato il segno. Lo stesso gioiello sarà protagonista di una serata iconica: gli Oscar del 1963. Dopo la mancata candidatura per il suo ruolo in Che fine ha fatto Baby Jane?, Joan si offre di ritirare il premio per Anne Bancroft, vincitrice come Miglior Attrice Protagonista per Anna dei miracoli. Quella serata, immortalata dai fotografi e rimasta nella memoria collettiva, ha consacrato ancora una volta Joan Crawford come una figura magnetica e irresistibile, capace di rubare la scena anche fuori dallo schermo. Vi ho raccontato di questo episodio sia nell’articolo sulla faida con Bette Davis, sia in quello sulla serie Feud (che, se non l’avete ancora vista, vi stra-consiglio).

L'incontro con Salvador Dalí

Nel 1941, Fulco di Verdura si ritrova ospite di Caresse Crosby, mecenate delle arti e figura chiave della Café Society, nella sua piantagione in Virginia. Qui incontra Salvador Dalí, già celebre per il suo genio surrealista. L’atmosfera dell’incontro è surreale quanto i capolavori di Dalí: un salotto freddo, disordinato, che l’artista aveva deliberatamente preparato per stupire Fulco. È l’inizio di una collaborazione straordinaria, dove il gioielliere siciliano e l’artista spagnolo uniscono le loro visioni, esplorando temi come la mitologia e il Rinascimento.
Tra le creazioni più celebri nate da questo sodalizio ci sono due gioielli che incarnano perfettamente l’unione tra arte e design. La spilla "Apollo and Daphne" raffigura una porta palladiana in oro, sormontata da un timpano decorato con turchesi e rubini, che incornicia un disegno di Dalí raffigurante il dio greco Apollo. 

Un’altra creazione, la spilla "Medusa", presenta un ritratto della Gorgone disegnato da Dalí, protetto da una morganite e circondato da serpenti scolpiti in oro verde, un omaggio visionario alla mitologia.
I gioielli sono esposti per la prima volta alla Julien Levy Gallery di New York, insieme ai dipinti di Dalí, e successivamente al Museum of Modern Art, dove furono accolti come opere d’arte a tutti gli effetti. L’unione tra Verdura e Dalí non fu solo una collaborazione artistica, ma un incontro di anime creative, capaci di fondere surrealismo e artigianato in gioielli che sfidano il tempo.

 

Non solo gioielli

Fulco di Verdura amava scherzare sul fatto che non ci fosse nulla di più pratico e leggero di un semplice pacchetto di Camel, ma quando si trattava di disegnare portasigarette per i suoi clienti, la sua creatività non conosceva limiti. Questi oggetti, realizzati con materiali preziosi come oro e smalti, erano simboli di stile e lusso, pensati per raccontare storie attraverso il design.
Uno dei portasigarette più celebri è quello creato nel 1940 per Panama Hattie, il musical di Broadway di Cole Porter. Verdura intrecciò strisce d’oro per riprodurre l’effetto del tessuto dei cappelli di Panama, trasformando un motivo semplice in un capolavoro di raffinatezza. Un altro esempio iconico è il portasigarette con un motivo ispirato alla paglia di Vienna, realizzato nel 1950, che riprende l’eleganza del celebre intreccio decorativo osservato da Porter su una Rolls Royce durante un viaggio a Londra.

Gli specchietti da borsetta di Fulco di Verdura trasformano un accessorio quotidiano in un piccolo capolavoro, realizzati in oro 18 carati con dettagli unici come affrancature, sigilli di ceralacca, mappe disegnate o motivi che richiamano conchiglie. Ogni pezzo, dalla forma di un pacco postale a quella di una busta da lettera, unisce funzionalità e raffinatezza, raccontando una storia attraverso i suoi dettagli intricati.

Negli anni ’50 e ’60, Fulco consolida ulteriormente la sua reputazione, creando gioielli che combinano eleganza e humour. La sua capacità di trasformare materiali e forme in oggetti carichi di significato continua ad affascinare. Tuttavia, nel 1973, Fulco decide di ritirarsi. Dopo decenni di successo e innovazione, lascia la sua maison al socio Joseph Alfano e si trasferisce a Londra, scegliendo una casa a Eaton Square. Nonostante il ritiro, non abbandona mai del tutto l’arte: Fulco è un uomo che vive per la bellezza e il ricordo.

Durante i suoi anni a Londra, Fulco viaggia spesso nella sua amata Sicilia, tra Palermo e l’isola di Panarea, luoghi che gli ricordano la sua infanzia e le radici profonde del suo stile. Qui scrive anche un libro di memorie, Estati Felici, pubblicato in italiano da Feltrinelli nel 1994, in cui rievoca i momenti dorati della sua giovinezza nella villa di famiglia e i primi passi della sua carriera.
Fulco di Verdura muore a Londra nel 1978, ma sceglie di essere sepolto nella sua Palermo, nella cappella di famiglia nel cimitero di Sant’Orsola. La sua eredità, tuttavia, non si spegne con lui. Negli anni ’80, il marchio Verdura rischia di cadere nell’oblio, ma viene acquistato nel 1983 da Ward Landrigan, ex direttore del dipartimento di gioielli di Sotheby’s. Landrigan, insieme al figlio Nico, riporta il marchio agli antichi fasti, trasformandolo in una delle maison più prestigiose del mondo.
Oggi, lo showroom di Verdura a New York, al 745 di Fifth Avenue, non è solo una boutique: è un museo vivente. Qui sono custoditi alcuni dei pezzi più iconici di Fulco, inclusi i bracciali consumati dai polsi di Coco Chanel, e migliaia di bozzetti firmati dal maestro siciliano. Questi disegni, pieni di vitalità e di ispirazione, sono una testimonianza del genio di Fulco di Verdura e del suo contributo indelebile alla storia della gioielleria.

Paul Flato e Fulco di Verdura hanno plasmato un capitolo unico nella storia della gioielleria, trasformando la loro arte in un linguaggio universale fatto di luce, colore e dettagli impeccabili. I loro gioielli brillavano non solo per le pietre preziose, ma per il significato intrinseco che sapevano trasmettere: storie di passione, ironia e sogni audaci.
Le vite di Flato e Verdura sono un tributo al talento, alla perseveranza e al coraggio di seguire una visione, anche quando il cammino sembrava incerto. Scoprire chi erano e cosa hanno creato è un invito a lasciarsi affascinare dalla magia che solo il connubio tra arte e design può evocare.
E chissà, forse conoscere i dettagli delle loro creazioni e il mondo che le ha generate sarà per voi, come lo è stato per me, un aneddoto prezioso da condividere, uno spunto per accendere una conversazione e lasciare il vostro segno, proprio come hanno fatto loro.
 

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Ora è giunto il momento di tuffarci nella passione ardente di Marlene Dietrich in L’Imperatrice Caterina. Se la Garbo era un soffio di vento gelido dalla Scandinavia, la Dietrich era una fiamma ardente dalla Germania, e la sua interpretazione di Caterina rispecchia perfettamente la sua personalità ardente e indomabile.
E mentre la recitazione di Greta era avvolta in mistero e riservatezza, Marlene dominava lo schermo con audacia e magnetismo. Ma oltre alla performance, c'è molto di più da scoprire.
Nel post che segue, ci addentreremo nei retroscena della lavorazione di questo film. Esploreremo le dinamiche sul set, le decisioni artistiche e le particolari esperienze vissute da Dietrich e dal cast durante le riprese.

 L’imperatrice Caterina

La trama in breve: Sofia, una principessa tedesca in fiore, viene promessa in matrimonio al granduca Pietro, futuro sovrano della Russia. Giunta alla corte russa con l'aiuto dell'ambasciatore, le sue illusioni romantiche vengono rapidamente infrante. Invece del principe affascinante e nobile che si aspettava, scopre un Pietro instabile e spietato. Intrappolata in questa unione sventurata, Sofia, ora conosciuta come Caterina, inizia a tessere le sue trame, cercando vie alternative per affermarsi e consolidare il suo potere all'interno della corte.

Alcune scene del film

Foto promozionali

Marie Magdalene Dietrich nasce in Germania a Schöneberg (oggi quartiere di Berlino). Dagli anni Venti inizia a recitare a teatro e nei primi film muti. La sua grande occasione arriva nel 1930 con il film L'Angelo Azzurro, diretto dal regista tedesco Josef von Sternberg. Grazie a questo film, la Paramount decide di metterla sotto contratto, con l'obiettivo di farne la diva da contrapporre a Greta Garbo, l'attrice simbolo della MGM. Una delle principali differenze tra le due dive è nel loro modo di affrontare l'amore sullo schermo: mentre Garbo è più incentrata su una visione spirituale dell'amore, Dietrich è notoriamente più erotica. Il regista utilizza un complesso sistema di illuminazione che crea due punti di luce sulle punte dei suoi capelli, mentre ombreggia le guance ottenendo un effetto scavato. Tutto è enfatizzato da un trucco che ingrandisce gli occhi. Dietrich segue anche una dieta ferrea e, dietro suggerimento di Sternberg, si fa togliere i denti molari per rendere il viso più affusolato. Lo stesso anno, con una campagna pubblicitaria senza precedenti, fa il suo debutto americano nel film Marocco dove interpreta una cantante di cabaret che si innamora, ricambiata, di un soldato della legione straniera interpretato da Gary Cooper. Questo film le farà conquistare l’unica nomination all’Oscar come Migliore attrice, anche se a vincere quell’anno sarà Marie Dressler in Castigo.
Dopo il successo di Marocco, il sodalizio tra Dietrich e von Sternberg si rafforza ulteriormente a Hollywood. I due collaborano in film come Disonorata (1931), Shanghai Express (1932) e Venere Bionda (1932). In queste pellicole, von Sternberg modella Dietrich come l'incarnazione dell'antieroina: donne prive di scrupoli, audaci e provocatorie, capaci di usare la loro bellezza come leva di potere. Questi ruoli mostrano una Dietrich al contempo forte e vulnerabile, con una naturale sensualità che diventa un tratto distintivo delle loro collaborazioni. Dopo una breve parentesi lavorativa con Robert Mamoulian, le strade dell'attrice e del regista si riuniscono nel 1934 per lavorare insieme a L’imperatrice Caterina.

A interpretare il Conte Alexei, amante di Caterina, John Davis Lodge è noto non solo come attore ma anche come politico. È stato governatore del Connecticut e ambasciatore degli Stati Uniti in diversi paesi. Come attore, Lodge ha lavorato sia a Hollywood che in Europa. Sebbene non sia stato uno dei nomi più risonanti di Hollywood, ha preso parte ad alcuni film importanti come Piccole donne del 1933 diretto da Cukor (che ha aiutato nella regia) dove ha interpretato il signor Brooke, ne Il piccolo colonnello è il padre di Shirley Temple (dove balla il tip tap sulle scale insieme al ballerino Bill Robinson).

L’inquietante promesso sposo di Caterina, il Granduca Pietro (futuro Pietro III di Russia) è Sam Jaffe, che fornisce un’interpretazione magistrale del folle dagli occhi sempre sbarrati e il ghigno malefico. Questo suo primo ruolo gli apre una carriera nel cinema che durerà diverse decadi. Jaffe era noto per la sua versatilità e la sua capacità di interpretare una vasta gamma di personaggi. Il ruolo per cui viene ricordato è sicuramente quello di Doc Erwin Riedenschneider, l'ideatore della rapina su cui è incentrata la trama del film, nel noir Giungla d'asfalto di John Huston, che gli valse la nomination all’Oscar.  Inoltre ha il grande saggio in Orizzonte perduto di Frank Capra, Gunga Din nell’omonimo film, è l’anziano fedele Simonide in Ben-Hur e l’avido libraio in Pomi d’ottone e manici di scopa. Nella seconda parte della sua vita comparirà in diversi show televisivi, tra cui "Colombo" (di cui vi ho raccontato tutti, ma proprio tutti, i retroscena qui) in particolare nell’episodio 1 della 5° stagione L’ultima diva.

Louise Dresser interpreta l’imperatrice Elisabetta di Russia, suocera di Sofia, una donna forte e risoluta che cerca di impostare la vita del figlio perché sa che altrimenti non arriverebbe molto lontano). Attrice statunitense che ha ottenuto il successo iniziale sul palcoscenico prima di passare al cinema muto e, successivamente, ai film sonori, la Dresser stata nominata per un Oscar come Migliore Attrice per il suo ruolo in A Ship Comes In (1928). La sua carriera cinematografica è stata relativamente breve, viene ricordata per aver ha interpretato la baronessa in Il mondo va avanti e la madre di Claudette Colbert in La vergine di Salem.

Due chicche: In questo film ritroviamo C. Aubrey Smith che dopo aver vestito i panni del fidato servitore della Garbo nella Regina Cristina, qui interpreta il Principe Augusto, padre di Sofia (qui trovate l'articolo in cui vi ho parlato di questo caratterista). E interpretare la piccola Sofia che vediamo all’inizio del film è Maria Riva, che nella realtà è la figlia di Marlene Dietrich. Come sua madre, ha avuto una carriera come attrice. Ha lavorato sia in Europa che negli Stati Uniti, in teatro, cinema e televisione. Oltre alla sua carriera come attrice, è anche nota per la sua autobiografia su sua madre, che fornisce un ritratto dettagliato della vita e della carriera della Dietrich.

Il film narra una versione romanzata della vita di Caterina la Grande, imperatrice russa nata in Germania. Si ritiene che la sceneggiatura di Manuel Komroff si ispiri al diario autentico di Caterina. Inizialmente, si era pensato al titolo "Il suo reggimento di amanti", per giocare sulla notorietà sia di Caterina che sull'immagine sensuale di Dietrich in Hollywood. Tuttavia, si opterà per L’imperatrice Caterina in risposta al film La regina Cristina con Greta Garbo come protagonista.

Nel film, Josef von Sternberg svela la sua inconfondibile visione del cinema, trascendendo la mera narrazione per abbracciare un'estetica visiva distintiva. Sternberg ambisce a creare una pellicola che funzioni come una "spietata escursione nello stile", in cui la fedeltà alla realtà storica viene messa da parte in favore di un'estetica ricercata e definita, grazie a sfarzosi set e ai costumi di Travis Banton.
Per enfatizzare l'idea di una Russia arretrata, anacronistica e bisognosa di rinnovamento, von Sternberg posiziona la corte imperiale nel Cremlino di Mosca, pur essendo San Pietroburgo il vero fulcro europeo e culturale dell'Impero in quell'epoca. Tale scelta cinematografica non solo rappresenta un deviazione dalla realtà storica, ma introduce anche una tensione visiva e simbolica nel film, attraverso richiami allo stile Barocco.

Le rappresentazioni dei palazzi regali sono sorprendentemente realizzate in legno e impreziosite da sculture religiose. Ma questo dettaglio, pur affascinante, si discosta dalle tradizioni ortodosse, che non prevedono sculture religiose autonome. Questa libertà artistica è stata ulteriormente esasperata dall'artista svizzero Pete Babusch, che ha creato centinaia di sculture, simili a gargoyle, raffiguranti figure maschili in preda a varie emozioni tormentate. Tali figure decorano non solo i corridoi e i troni reali, ma sono presenti anche su oggetti di uso quotidiano, come piatti da portata. 

Il critico cinematografico Robin Wood ha brillantemente catturato l'essenza del film descrivendo l'atmosfera iperrealista da incubo, dominata da gargoyle e figure contorte in espressioni di agonia. Ha evidenziato l'esagerazione di certi dettagli, come le enormi porte del palazzo che necessitano di molte donne per essere aperte o chiuse, e gli spazi oscuri illuminati solo dal tremolio di innumerevoli candele, culminando con la presenza inquietante di uno scheletro che sovrasta la tavola del banchetto nuziale reale.

Von Sternberg è notoriamente difficile da sopportare, essendo profondamente convinto del proprio talento e manifestando una certa arroganza e tendenza all'autocommiserazione. Molte persone hanno abbandonato i suoi set cinematografici, irritate dal suo perfezionismo e dalla sua sicurezza. Nonostante i risultati del suo lavoro siano spesso eccezionali, il modo in cui arriva a questi esiti è percepito come abusivo nei confronti del cast e della troupe. Dietrich, con la quale von Sternberg ha frequenti scontri, non è esente da questo trattamento. Dopo uno di questi episodi, in cui i due non si parlano per giorni, Marlene decide di mettere in atto un piano: durante una scena, simula una caduta dal cavallo, fingendosi gravemente ferita. Questo stratagemma, orchestrato con l'aiuto del medico di Mercedes (poetessa confidente della Dietrich) mira a scuotere von Sternberg e risvegliare in lui sentimenti di preoccupazione e affetto. Quando Marlene mette in atto il suo piano, von Sternberg è visibilmente sconvolto; mentre la troupe si precipita verso di lei, lui la raggiunge e, credendo sia seriamente ferita, le chiede perdono con grande emozione.

Sebbene non ci siano crediti musicali cinque compositori hanno collaborato all'adattamento e all'arrangiamento delle musiche. La colonna sonora si avvale principalmente di estratti dalle opere di Felix Mendelssohn (per le scene tedesche iniziali) e di Pyotr Ilyich Tchaikovsky (la Quarta Sinfonia, "Ouverture 1812", "Marcia Slava"). Josef von Sternberg ha inoltre dichiarato di aver composto un brano per violino per la scena del banchetto nuziale.

Il film sarà uno degli ultimi ad essere rilasciati prima dell’entrata in vigore del Codice Hays per la censura, ed è per questo che compaiono scene audaci e controverse. Come quella all’inizio in cui il tutore della giovane Sofia le legge delle storie su Pietro il Grande, Ivan il Terribile e altri zar spietati, accompagnato da un montaggio esplicito di torture ed esecuzioni, con inquadrature di donne con il seno scoperto.

All’uscita il film purtroppo non riceve né il favore del pubblico né il gradimento della critica. Il New York Times, in particolare, critica il film per la sua mancanza di drammaticità e coerenza narrativa, e sottolinea come von Sternberg abbia calcato troppo la mano con una regia pesante che è riuscita persino a smorzare il carisma della Dietrich. Nel 1934, il pubblico non cerca eccessi imperiali russi. Con la Grande Depressione al suo apice e Franklyn Delano Roosevelt eletto per cambiare le sorti del paese, il pubblico cinematografico desidera storie rassicuranti e familiari. Dovranno passare molto anni prima che il film venga rivalutato ed apprezzato, soprattutto dal punto di vista estetico.  
Questo flop in un certo senso poteva essere previsto dal momento che pochi mesi prima era stato realizzato un altro film, inglese, La grande Caterina, sullo stesso argomento e anche questo si era rivelato un insuccesso al botteghino. Il film inglese tuttavia si discostava molto dalla versione di Sternberg, in quanto adottava un approccio più tradizionale e lineare alla narrazione storica e presentava un ritratto più misurato e intimo dell'Imperatrice (interpretata da Elisabeth Bergner) rispetto al magnetismo seducente della Dietrich, e la Paramount e Sternberg credevano sarebbe bastato a fare la differenza.
Per quanto sia stata travagliata la produzione del film, e il loro rapporto abbia rischiato di incrinarsi, Marlene Dietrich e Sternberg l’anno seguente lavora ancora insieme in un ultimo film, Capriccio spagnolo.


QUOTES:
Elisabetta: Avrei avuto meno problemi se fossi nata uomo anziché donna. Noi donne siamo troppo schiave del cuore, vero Catiuscia?
Caterina: Si vostra maestà.

Servitore: Sua maestà vi attende nella sala del consiglio.
Alexei: Guerra con la Finlandia?
Servitore: Si, Eccellenza.
Alexei: Com’è sua maestà?
Servitore: Negli ultimi giorni è diventata acida come il latte dimenticato sulla madia.

Caterina: Non ho intenzione di immischiarmi in complotti. Se fosse proprio inevitabile, credo di poter contare su armi ben più potenti di un meccanismo politico.

CLIP:

Dopo aver scavato nei dettagli e nei retroscena di questi due film, mi riporto le mie considerazioni finali. La Dietrich in L'Imperatrice Caterina ha dato sicuramente un'ottima performance e ho trovato molti aspetti della produzione di questo film davvero interessanti. Ma, se devo essere sincera, il mio cuore pende più verso La Regina Cristina. C'è qualcosa nel tono sentimentale di quel film che mi ha colpito di più, rispetto all'approccio più oscuro e barocco di L'Imperatrice Caterina. Non è una questione di quale film sia oggettivamente migliore, ma di cosa abbia sentito più affine ai miei gusti. Entrambi i film sono un tributo alle straordinarie capacità di due attrici incredibili, ma per questa volta, la Garbo ha la mia preferenza.

Presto vi parlerò nuovamente di queste due dive che si sono "scontrate" in un'altra occasione, quando entrambe hanno interpretato il ruolo misterioso della spia. 

Perciò restate sintonizzati! Alla prossima!

Era da un po’ di tempo che mi girava in testa l’idea di scrivere questo articolo, e ora che il momento è arrivato ci tenevo a raccontarvi da dove arriva l’ispirazione.

Dobbiamo però andare un po’ indietro nel tempo, nel 2012, quando all’università ho avuto la fortuna di imbattermi nel corso e nel professore che avrebbero profondamente influenzato la mia vita. Il corso era Storia e critica del cinema e il professore era Roberto Campari.

Ho già avuto modo di raccontarvi come questo corso abbia significativamente contribuito a far crescere la mia passione per la storia del cinema americano, ma è nel corso monografico che è seguito, dedicato al divismo, che ho compreso la “nicchia” in cui avrei voluto stare per approfondirla ad ogni costo. Quella dei grandi divi, dei film meravigliosi che ci hanno regalato e dei retroscena a volte oscuri che ci sono stati celati. Nel programma era prevista una lezione sul confronto tra Greta Garbo e Marlene Dietrich, nel quale abbiamo affrontato film che le hanno viste contrapposte in ruoli simili. Anni dopo quella lezione ho deciso di approfondire questo argomento e scriverci un articolo, e non posso fare altro che dedicarlo alla memoria del mio professore che purtroppo è venuto a mancare l’anno scorso. 

Ci sono due icone che dagli anni Trenta hanno segnato indelebilmente il panorama del cinema mondiale: Greta Garbo e Marlene Dietrich. Pur provenendo da mondi diversi—Garbo dalla fredda Svezia e Dietrich dalla tumultuosa Germania—, entrambe hanno conquistato Hollywood con un mix irresistibile di talento, carisma e bellezza. Benché spesso messe a confronto, le due dive presentano una serie di similitudini e differenze che ne fanno soggetti di analisi tanto affascinanti quanto complessi.

Garbo e Dietrich sono state per anni le figure femminili più emblematiche del cinema, e in molti casi, sono state ritratte come opposti dialettici: la divina Garbo con il suo mistero glaciale e l'audace Dietrich con la sua sensualità sfacciata. Entrambe hanno incarnato figure di potere e spie nei loro ruoli più memorabili—Garbo come Regina Cristina di Svezia e come la danzatrice e spia Mata Hari, e Dietrich come Imperatrice Caterina la Grande di Russia e come l'agente segreto austriaco in Disonorata—ma lo hanno fatto in maniere radicalmente diverse, riflettendo i loro stili di recitazione distinti e le atmosfere dei loro film.

Le similitudini tra Garbo e Dietrich non si limitano alla loro celebrità o ai ruoli storici che hanno interpretato. Entrambe erano straniere che si sono fatte strada in un'industria dominata dagli americani, dimostrando una notevole capacità di adattamento sia culturale che artistico. Entrambe hanno anche gestito le loro carriere con un notevole senso degli affari, mantenendo un certo controllo sui tipi di ruoli e film in cui apparivano.

Se la Garbo era l'epitome del distacco, incarnando un tipo di femminilità più introspettiva e misteriosa, Dietrich era tutto fuoco e passione. Mentre Garbo spesso fuggiva i riflettori della vita pubblica, preferendo una vita più riservata, Dietrich abbracciava la celebrità e tutto ciò che comportava, incluso un atteggiamento più aperto verso la sessualità e i ruoli di genere.

Il loro stile di recitazione rifletteva queste differenze fondamentali. La Garbo aveva una presenza sullo schermo che sembrava quasi eterea, portando spesso il pubblico in un mondo di sogni e fantasie. Dietrich, d'altro canto, era terrena e diretta, spesso dominando lo schermo con la sua forza vitale.

Inizialmente il post doveva comprendere entrambi i film in cui queste Dive hanno vestito i panni di grandi sovrane, ma come sempre non sono riuscita a contenermi quindi per non creare un articolo lunghissimo l' ho diviso in due parti.

La regina Cristina

Il titolo originale è Queen Christina ed è un film del 1933 diretto da Robert Mamoulian con protagonisti Greta Garbo e John Gilbert.
Trailer originale:

La trama in breve: Cristina è la regina di Svezia, una sovrana illuminata costretta a considerare un matrimonio politico per rafforzare l'alleanza con la Spagna. Sentendosi oppressa dalle responsabilità regali e dalla vita di corte, decide di esplorare il suo regno in incognito, vestita da uomo. In una locanda incontra l'ambasciatore spagnolo, che è in Svezia per chiedere la sua mano a nome di un altro. Ignaro della sua vera identità, l'ambasciatore e Cristina sviluppano una forte attrazione reciproca.

Alcune scene del film

Nata a Stoccolma nel 1905 Greta Lovisa Gustafsson (che il mondo intero conoscerà come Greta Garbo) inizia la sua carriera in giovane età. A soli 15 anni, appare in un film pubblicitario e diventa rapidamente modella e attrice nel cinema svedese, venendo scelta dal regista Mauritz Stiller come protagonista del film La leggenda di Gosta Berling. Nel 1927, sia Garbo che Stiller si trasferiscono negli Stati Uniti e vengono scritturati dalla MGM per La carne e il diavolo, film in cui Garbo recita al fianco di John Gilbert, divo del muto, con il quale inizia una relazione. Nei primi anni '30, fa il suo debutto nel cinema sonoro con Anna Christie (pubblicizzato con Garbo Talks, la Garbo parla). Da quel momento, i ruoli che interpreta sono personaggi romantici, donne illustri, regine e figure storiche che vivono amori sublimi.

Dopo il successo straordinario di Grand Hotel, il contratto tra Greta Garbo e la MGM sta per giungere a termine. Tuttavia, prima di concluderlo, la casa di produzione lancia un ultimo film che richiede tempi brevi di riprese, Come tu mi vuoi. Al termine delle riprese, Garbo torna a Stoccolma. Lì, la sua amica e consigliera Salka Viertel le offre uno script su Cristina, regina di Svezia. Dopo averlo letto, Garbo negozia un nuovo contratto con la MGM, ottenendo 250.000 dollari per film, un controllo creativo senza precedenti (su sceneggiatura, regista e cast) e un massimo di due film all'anno, di cui il primo (dopo un’assenza di un anno) sarà proprio La regina Cristina. La sceneggiatura viene affidata a H.M. Harwood che collaborerà con Salka Viertel delineando il personaggio di una donna forte, risoluta.

Se Greta Garbo è in un momento particolarmente prospero della sua carriera, lo stesso non si può dire del suo storico partner cinematografico e amore del passato, John Gilbert. Sono passati cinque anni dal loro ultimo film insieme e per Gilbert l'arrivo del sonoro è stato drammatico. Sembra addirittura che sia stato sabotato da Louis B. Mayer, che avrebbe alterato la sua voce in post-produzione nel film "Ladro d'amore", rendendola ridicola e provocando le risate del pubblico. Sebbene questa voce non sia mai stata confermata, sembra che Mayer volesse liberarsi di lui. Non potendo annullare il suo contratto, gli vengono riservate parti minori e con salari molto bassi. Tutto ciò, sommato alla crisi che sta affrontando il suo quarto matrimonio, non fa altro che peggiorare il suo alcolismo. La Garbo, forte della sua posizione di potere in quel momento, insiste affinché Gilbert sia il suo co-protagonista. La MGM tenta di convincerla facendo arrivare appositamente dall’Inghilterra Laurence Olivier (giovane attore molto promettente) ma mentre provano una scena la Garbo esprime tutta la sua algidità per convincerli che non ci sarebbe la stessa chimica che ci sarebbe con Gilbert, così alla fine le viene accordato.

A interpretare il cancelliere Axel Oxenstierna che veglia su Cristina dalla sua nascita è Lewis Stone. Il suo personaggio, eloquente e premuroso, unisce un senso di gravitas a una benevolenza che fa comprendere quanto sia affezionato a questa giovane ragazza.  Dopo aver iniziato la sua carriera teatrale, Stone ha fatto il suo debutto nei film muti nel 1915. Spesso interpretava personaggi più anziani della sua età effettiva, dal momento che i suoi capelli erano diventati grigi quando aveva solo una ventina d'anni. La sua prima grande occasione arrivò nel 1922 con il film "The Prisoner of Zenda". Nel 1924, firmò un contratto con la MGM e iniziò a lavorare con regolarità. Nel 1929 fu nominato per l'Oscar al miglior attore per il film "The Patriot" (l'unica sua nomination). Ha lavorato con molte delle più grandi star della MGM, ha all’attivo cinque film con Harlow e sette con Greta Garbo. Stone è diventato famoso per essere l'attore con il contratto più lungo nella storia della MGM e, al momento della sua morte, deteneva il record per la permanenza più lunga sotto contratto con uno studio cinematografico, 29 anni. Nel 1937 appare come il padre di "Andy Hardy" nell’omonima serie, ruolo che ricopre in 14 dei 16 film. Ha un curriculum di oltre 150 film, tra cui altri classici come "Grand Hotel", "Mata Hari", "The Big House", "David Copperfield", "Treasure Island", "Queen Christina" e "The Girl from Missouri". È stato sposato tre volte. Lewis Stone è morto nel 1953 all'età di 73 anni.

A interpretare Aage, il maggiordomo personale di Sua Maestà, è C. Aubrey Smith, che offre un ritratto sensibile e pieno di personalità dal momento in cui sveglia per la prima volta 'Christina' nella sua camera da letto. Smith è un altro attore di carattere senza dubbio familiare a chi guarda i film classici, dato che la sua filmografia conta molti classici tra i suoi 113 film. Nato a Londra, C. Aubrey Smith è stato un famoso giocatore di cricket prima di intraprendere la carriera teatrale nei suoi 30 anni. Due decenni dopo, inizia ad apparire in film muti con 'The Builder of Bridges' nel 1915. Dopo oltre una dozzina di film muti, ha iniziato a lavorare in film sonori, stabilendosi come uno degli attori di carattere più affidabili di Hollywood. Interpreta per lo più gentiluomini britannici della classe alta e dal labbro superiore rigido. Dopo aver esordito a teatro viene chiamato a Hollywood ad interpretare spesso militari e nobili burberi. Sir Capuleti in Romeo e Giulietta, il colonnello Zapt in Il prigioniero di Zenda, il colonnello Julyan in Rebecca la prima moglie, il generale Sir John Mandrake in Dieci piccoli indiani, è il conte di Dorincourt nel film Lord Fauntleroy e il signor Lawrence in Piccole donne; bisogna ricordare le sue performance come Enobarbo consigliere di Marco Antonio in Cleopatra (Claudette Colbert. Smith ha fondato l'Hollywood Cricket Club nel 1932, è stato insignito del titolo di Comandante dell'Ordine dell'Impero Britannico (CBE) nel 1938 e fatto cavaliere nel 1944. È stato sposato una volta per oltre cinquanta anni, fino alla sua morte. C. Aubrey Smith è morto nel 1948 all'età di 85 anni. Di questo caratterista ve ne ho parlato qui.

A interpretare il Principe Carlo Gustavo di Svezia, cugino di Cristina, eroe di guerra nonché suo promesso sposo, è Reginald Owen. Nato in Inghilterra inizia la propria carriera sul palcoscenico britannico e partecipando a diversi film muti. Si trasferisce a New York e arriva a Broadway nel 1924. Successivamente si sposta a Hollywood nel 1928, lavora ininterrottamente nel cinema fino al 1951, talvolta in ben otto film all'anno, prima di dedicarsi principalmente alla televisione nel 1957. Accumula 146 crediti cinematografici e televisivi in una carriera sullo schermo che dura oltre sei decenni. Alcuni dei suoi altri classici includono La donna del giorno, Gran premio, Bionda platino, Il giardino segreto. È in altri due film con la Garbo, Anna Karenina e Maria Walewska. Forse il suo ruolo più noto è come Ebenezer Scrooge nella versione del 1938 del'Canto di Natale di Charles Dickens. Compare infine in due famosi film della Disney, Mary Poppins dove interpreta l’ammiraglio Boom, e Pomi d’ottone e manici di scopa dove veste i panni dell’ufficiale Sir Brian Teagler. Sposatosi tre volte, Reginald Owen morirà nel 1972 all'età di 85 anni.

 aneddoti su lavorazione + foto set

Sul set la pressione per Gilbert è molto alta, sente che sia la sua ultima occasione per dimostrare a chi l’ha messo da parte che ancora ha della stoffa. Purtroppo non riesce a tenere a bada il demone dell’alcolismo, la sua forma non è smagliante, dimentica spesso le battute. Se all’inizio del loro rapporto era lui a fare da mentore a lei, aiutandola a ripetere la parte e dandole consigli, ora i ruoli si invertono ed è la Garbo a tendergli la mano.

L'entrata in scena dell'attrice è curata con particolare attenzione, utilizzando una tecnica chiamata "presentazione ritardata”.. Questo espediente tiene alto il livello di aspettativa dello spettatore, che sa che la star apparirà, ma non sa né quando né come. Dopo un salto temporale di sedici anni da quando vediamo Cristina da bambina salire sul trono, vediamo una figura che esce dal bosco a cavallo, scortata da un servitore.

Vestita da uomo, con pantaloni, camicia con collo bianco rigido e un cappello a tesa larga, sale le scale insieme ai suoi due grandi cani. Un movimento di camera cattura il momento in cui il capo si alza svelando sotto il cappello una figura femminile, Greta Garbo. Il modo di cavalcare, non all’amazzone, e l’abbigliamento sono già elementi che suggeriscono al pubblico il suo stile di governo tipicamente maschile.

Il regista Rouben Mamoulian pensa la famosa scena del "memorizzare la stanza", dopo la notte d'amore, come un sonetto, catturando "pura poesia ed emozione". Desidera che i movimenti della Garbo siano come una danza, e gestisce la scena come una coreografia, chiedendo all’attrice di accarezzare gli oggetti e muoversi nello spazio a tempo di metronomo.

Nella scena finale del film Greta Garbo appare alla prua di una nave, un'immagine che è diventata iconica nel mondo del cinema. Rouben Mamoulian, il regista, aveva un'idea molto precisa di come avrebbe voluto realizzare questa scena. Inizialmente, desiderava una ripresa larga che mostrasse Garbo in tutta la sua grandezza per poi avvicinare la camera fino a un dettagliato primo piano del suo volto.

Tuttavia, un problema tecnico si è presentato: utilizzare un obiettivo da 48 mm per un primo piano così ravvicinato avrebbe reso i dettagli del viso, come i pori della pelle, eccessivamente marcati, quasi come piccoli crateri. Per superare questo ostacolo, Mamoulian ha ideato una soluzione creativa ispirata alla lanterna magica, uno strumento ottico utilizzato in epoche passate. Ha realizzato una striscia di vetro con un effetto di diffusione che andava da un'estremità all'altra, partendo da un aspetto trasparente e diventando sempre più sfocato.

Questa striscia veniva montata davanti all'obiettivo della camera e, mentre la camera si avvicinava al viso di Garbo, veniva fatta scorrere gradualmente dal lato trasparente al lato più sfocato. Il risultato è stato sorprendente: il volto della Garbo appariva sempre più dolce e lusinghiero man mano che la camera si avvicinava, senza perdere la magia e l'attrazione che lo caratterizzavano.

Quindi, grazie a questa tecnica innovativa, Mamoulian non solo ha superato una sfida tecnica, ma ha anche creato un'immagine finale che è rimasta impressa nella storia del cinema.

In questo contesto, la scena finale è la dimostrazione perfetta dell'Effetto Kuleshov, il fenomeno cognitivo rivela quanto una singola inquadratura possa essere potenziata o alterata dalle inquadrature che la precedono o la seguono, sottolineando l'importanza fondamentale del montaggio nel modellare l'interpretazione dello spettatore di una sequenza cinematografica.

A realizzare i costumi è lo stilista della MGM, Adrian. Attraverso le sue creazioni originali, egli riesce a mettere in risalto sia l'androginia che l'elegante bellezza di Garbo in modo impeccabile.

A Gilbert  viene promesso che, se il suo ruolo da protagonista avrà successo con i fan, lo studio ricostruirià la sua carriera. Sfortunatamente, "La regina Cristina" non sarà un grande successo al botteghino. Nel 1933, il pubblico era più interessato a immagini crude della vita durante la Grande Depressione, incassando solo $632.000 su un investimento di $1,4 milioni.  

Il set era blindatissimo, soprattutto per volere della Garbo. Però qualche foto degli attori e del regista sono riuscita a trovarla.

QUOTES

Cristina : Bottini, gloria, bandiere e trombe. Cosa c'è dietro queste altisonanti parole? Morte e distruzione!    

Cristina : Sono cresciuta nell'ombra di un grande uomo. Per tutta la mia vita sono stata un simbolo. Un simbolo è eterno, immobile, un'astrazione. L'essere umano è mortale e mutevole, con desideri e impulsi, speranze e dolori. Sono stanca di essere un simbolo. Voglio essere un essere umano. 

Cristina: Non sono mai uscita dalla Svezia.

Antonio: Quindi non sapete cosa sia la nostalgia. Non sapete cosa significhi quel senso di vuoto, il dolore per la lontananza.

Cristina: Si può avere nostalgia per posti che non si sono mai visti.

Cristina: Il grande amore?

Antonio: Non credete che sia possibile?

Cristina: Credo che sia possibile, ma non credo che esista. Il grande amore, l'amore perfetto, è solo un'illusione. È quella fiaba dorata che noi tutti sogniamo. Ma nella vita reale non accade. Nella vita reale bisogna accontentarsi di meno.

Cristina: Sto memorizzando questa stanza. In futuro, nella mia mente, tornerò molto spesso in questa stanza.

CLIP:

Spero vi sia piaciuto scoprire come Greta Garbo ha portato in scena la Regina Cristina. I dettagli e segreti dietro questa performance illumineranno il confronto nel mio prossimo articolo, dove esploreremo Marlene Dietrich come l'Imperatrice Caterina. 

Perciò restate sintonizzati.

A presto!